23 Jahre im Tattoo-Business: Yevhen Dikovs Signatur-Realismus

Tattoo-Künstler Yevhen Dikov ist ein Künstler mit mehr als zwanzig Jahren Erfahrung, dessen Karriere ihn von einer kleinen Stadt in der Krim auf die internationale Tattoo-Szene geführt hat. Nachdem er Anfang der 2000er Jahre mit der Arbeit begonnen hatte, entwickelte er allmählich einen erkennbaren Ansatz für Realismus, kombiniert mit expressiver Komposition, Collage-Elementen und mutiger Arbeit mit Farbe und Licht.

Im Laufe der Jahre hat Yevhen an zahlreichen Tattoo-Conventions teilgenommen und mehrere professionelle Auszeichnungen erhalten. Seit 2019 arbeitet er aktiv als Gast in verschiedenen Studios in Europa, und heute empfängt er Kunden in seinem eigenen privaten Studio Dikovinktattoo in Kassel, Deutschland, wo Kunden zu ihm für großformatige Realismusprojekte, Porträts und komplexe Kompositionen kommen.

In diesem Interview sprechen wir mit Yevhen über seinen Weg in die Tattoo-Branche, die Suche nach seiner eigenen visuellen Sprache und wie die Erfahrung von Conventions, Reisen und Arbeiten in verschiedenen Ländern seinen Stil und seinen Ansatz für große Tattoo-Projekte beeinflusst haben.

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Yevhen, hallo! Wie bist du nach Kassel gekommen? Wo kommst du ursprünglich her?

— Ich bin in Kerch auf der Krim aufgewachsen — einer kleinen Stadt, in der sich das Tätowieren allmählich von einem Hobby zu einem Beruf für mich entwickelte. Ich ging von selbstgemachten Geräten und einem Mangel an Informationen zu ernsthaften Realismusprojekten, internationalen Conventions und professionellen Auszeichnungen über.

Seit 2019 arbeite ich regelmäßig in Gaststudios in ganz Europa. Anfangs waren dies kurze Reisen zur Erfahrung und für neue Kontakte, aber mit der Zeit hörte ich fast auf, in meine Heimatstadt zurückzukehren, und verbrachte etwa zwei Jahre damit, von Land zu Land zu reisen und zu beobachten, wie sich die Tattoo-Kultur in verschiedenen Teilen Europas entwickelte.

Erzähl uns, wie du zum Tätowieren gekommen bist. Wie lange arbeitest du schon?

— Es sind bereits 23 Jahre vergangen, seit ich mein erstes Tattoo gemacht habe. Ich habe schon immer einen kreativen Drang verspürt: Ich besuchte eine Kunstschule, also war das Zeichnen immer ein Teil meines Lebens. Eines Sommers fand ich einen kleinen Job, bei dem ich temporäre Tattoos am Strand zeichnete, und das war der Moment, in dem mich der Prozess zum ersten Mal faszinierte: arbeiten, während man das, was man tut, wirklich genießt.

Von diesem Moment an wuchs mein Interesse am Tätowieren. Ich kaufte themenbezogene Bücher und Zeitschriften, druckte Kataloge aus und ging schließlich zu meinen ersten „Experimenten“ mit dauerhaften Tattoos an Freunden und Bekannten über. Später bekam ich einen Job in einem lokalen Salon — zunächst wollte ich nur eine Weile dort arbeiten, aber je mehr ich mich mit der technischen Seite beschäftigte, absolvierte ich eine kurze Ausbildung in einem Tattoo-Studio und besuchte meine erste Convention.

An diesem Punkt wurde klar, dass Tätowieren weit mehr als ein vorübergehendes Interesse war — es war der Wunsch, Teil einer Kultur zu werden, die gerade begann, sich in größerem Maßstab zu entwickeln.

Gab es einen Moment, in dem dir klar wurde, dass das Tätowieren ein langfristiger Weg für dich sein würde?

— Nicht sofort. Lange Zeit hatte ich immer noch das Gefühl, dass es etwas Vorübergehendes war — sogar als ich bereits Vollzeit in einem Studio arbeitete.

Die Menschen um mich herum nahmen es auch nicht immer ernst. Aber als ich in eine andere Stadt reiste, um in einem Tattoo-Studio zu studieren (auch wenn es nur für kurze Zeit war), änderte sich alles. Das Verlassen einer kleinen Stadt und das Eintauchen in die Atmosphäre eines voll professionellen Studios in einer Großstadt beseitigte alle Zweifel.

Ich sah eine völlig andere Einstellung zum Beruf – ernster und professioneller, sowohl von Künstlern als auch von Kunden. Das war der Moment, in dem ich erkannte, dass dies mein Weg war, und dass die Branche weiter wachsen und schließlich auch in kleineren Städten normal werden würde.

Gab es am Anfang Ihrer Karriere jemanden oder etwas, das Ihren visuellen Geschmack am meisten beeinflusst hat?

— Mein visueller Geschmack wurde von verschiedenen Künstlern und Ressourcen geprägt. Als ich mich erstmals für Tätowierungen interessierte, stieß ich auf ein sehr dickes Magazin. Es enthielt eine enorme Anzahl von farbenfrohen Tätowierungen von Künstlern aus aller Welt: Rückenstücke, japanische Ganzkörpertattoos, große organische Werke. Ich war fasziniert von den leuchtenden gesättigten Farben, der Plastizität der Formen und dem hohen Ausführungsniveau.

Später entdeckte ich die Arbeit des Künstlers H. R. Giger und seinen biomechanischen Stil, der zu dieser Zeit oft mit der Tattoo-Kultur verschmolz. Die monochromen dunklen Töne, die charakteristische düstere Palette, die Atmosphäre und die komplexen Formen beeinflussten meine Wahrnehmung von Komposition und Licht und Schatten.

Welche Projekte oder Phasen Ihrer Karriere halten Sie für entscheidend?

— Eine lange Zeit am Anfang meiner Karriere arbeitete ich im selben Salon in meiner Heimatstadt. Die Leute kannten mich dort, und es gab einen stetigen Strom verschiedener Arbeiten in verschiedenen Stilen – mostly kleine Tätowierungen, manchmal mehrere Kunden am Tag. Nur gelegentlich konnte ich einen Tag für wirklich „kreative“ Projekte widmen. Selbst nach wichtigen Convention-Siegen arbeitete ich noch eine Weile im gleichen Rhythmus und am gleichen Ort. Aber immer öfter fühlte ich mich, als wäre ich auf einem Niveau steckengeblieben und wollte etwas Größeres.

Der Wendepunkt kam, als ich beschloss, mein eigenes Studio zu eröffnen und meine Herangehensweise an die Arbeit zu ändern. Ich konzentrierte mich auf ernsthafte Projekte, verbrachte mehr Zeit mit Beratungen und ermutigte die Kunden, wirklich bedeutungsvolle Arbeiten zu wählen. Mit der Zeit gab es mehr groß angelegte Projekte, und ich wechselte zu stabilen Sitzungen von mindestens fünf bis sechs Stunden. Innerhalb eines Jahres kamen die meisten meiner Kunden aus anderen Städten, speziell für Realismus und Porträts.

In dieser Zeit habe ich wahrscheinlich die größte Anzahl bedeutender Projekte geschaffen, auf die ich noch heute stolz bin.

Ihr Wachstum als Künstler ist in Ihrem Instagram-Portfolio seit 2023 deutlich sichtbar: Es gibt offensichtliche Farbfavoriten und einen erkennbaren Stil in Ihren Arbeiten. Erzählen Sie uns, wie Sie Ihren „eigenen Stil“ gefunden haben.

— All diese Veränderungen sind das Ergebnis gesammelter Erfahrungen. In meiner Heimatstadt konzentrierte ich mich hauptsächlich auf klassischen Realismus, bei dem vollständig kolorierte und hochrealistische Tätowierungen am meisten geschätzt werden.

Später, während der Arbeit bei Gastspots, musste ich schneller arbeiten, ohne die Qualität zu verlieren, und verwendete oft eine zurückhaltendere Graupalette mit hellen Akzenten. Dies führte zu einer größeren Stilisierung: Ich begann, mich von übermäßigem Detailing zu entfernen und mich mehr auf Farbe und Tonverläufe zu verlassen.

Ich habe auch an vielen komplexen Überarbeitungen gearbeitet, bei denen Entscheidungen innerhalb einer Sitzung getroffen werden mussten. Bei solchen Projekten wurde die Komposition zum Hauptwerkzeug – die Arbeit wurde um ein bestehendes Tattoo herum aufgebaut. Dies verstärkte die Kontraste, machte die Farben kräftiger und meinen Ansatz zur Form strukturierter. Mit der Zeit wurde es für mich wichtig, nicht nur Realismus zu schaffen, sondern auch meinen eigenen autoritären Raum innerhalb davon zu schaffen.

Jetzt basiert mein Ansatz auf dem Gleichgewicht: Realismus als Grundlage, aber mit vereinfachter und lesbarer Komposition, bei der Farbe als Werkzeug für Tiefe und Kontrast dient.

Wie finden Sie das Gleichgewicht zwischen Realismus und freieren, dekorativen Elementen in einer Komposition?

— Zuerst schaue ich mir an, wie das Tattoo als Ganzes wirkt und wie es anatomisch und dynamisch zum Körper passt, besonders bei großen Projekten. Abstrakte Elemente helfen, flexibler mit der Form zu arbeiten – sie lassen sich leichter an die Körperkurven anpassen.

— Ich lege mehr Wert auf die zentralen Bereiche in Bezug auf Details und Realismus, indem ich einen Kontrast zu einfacheren dekorativen Abschnitten schaffe. Dadurch bleibt die Komposition leicht erfassbar, während das Auge des Betrachters sofort auf das Hauptmotiv gezogen wird.

Was ist für Sie bei großen Tattoos wichtiger – das Gesamtbild oder die Fähigkeit, das Tattoo in Fragmenten „zu lesen“?

— Wenn es sich um ein großes Objekt handelt, möglicherweise mit kleinen Hintergrundfragmenten, dann sind das Gesamtbild und sein Detailgrad wichtiger.

Aber bei Werken mit vielen Fragmenten wird es entscheidend, dass sie auf zwei Ebenen funktionieren: Die Fragmente unterstützen sich gegenseitig in Form und Bewegung, während verbindende Elemente größere Teile trennen und den Gesamtrhythmus schaffen.

Ich mag es, wenn ein Tattoo aus der Ferne und in Bewegung klar lesbar ist – ähnlich wie im japanischen Stil – ohne dass alles zu einer Masse verschmilzt, aber dem Betrachter trotzdem ermöglicht, es in Fragmenten zu erkunden, wie im Realismus, indem die Aufmerksamkeit von einer Szene zur anderen wandert.

Sie arbeiten oft mit Collage-Effekten. Was zieht Sie daran an und welche kompositionellen Probleme hilft es zu lösen?

— Für mich ist Collage vor allem Freiheit – die Fähigkeit, Stile und Formen zu kombinieren, Dinge zu verbinden, die normalerweise in einer klassischen Komposition nicht zusammentreffen würden.

Ich bewundere Künstler, die Collage mutig und sogar chaotisch einsetzen, Projekte schaffen, in denen Realismus, Cartoonelemente, Kinderzeichnungen und einfache Linien in einem Tattoo koexistieren können. Aber für mich ist es vor allem ein Werkzeug.

Besonders bei komplexen Projekten hilft es, schnell arbeitsfähige Lösungen zu finden: den notwendigen Fragment zu isolieren, unnötige Details zu entfernen und nur das große Element zu belassen. Dadurch lässt sich die Struktur des Werks leichter kontrollieren und seine Integrität wahren, besonders wenn viele Handlungsstränge beteiligt sind.

Manchmal verwende ich duplizierte Fragmente – dies verstärkt den Farbkontrast und schafft Spannung, wodurch die Komposition expressiver wird.

Ihre Tattoos tragen oft einen Sinn für Spannung und Energie. Welche Emotionen versuchen Sie in Ihrer Arbeit zu vermitteln?

— Ich versuche nicht absichtlich, eine bestimmte vordefinierte Emotion in die Arbeit einzubetten. In meinen Projekten spiele ich oft mit Tonverschiebungen und Farbtemperatur — zum Beispiel Gradienten von grau-blauen Schattierungen kombiniert mit warmen gelb-orangen Tönen. Durch die Dynamik des Bildes entsteht ein bestimmter Rhythmus.

Das hilft mir, Volumen und Ausdruckskraft innerhalb der Komposition zu verstärken. Danach funktioniert es auf einer intuitiven Ebene — und jeder nimmt es auf seine eigene Weise wahr.

Warum interessierst du dich für so unterschiedliche Themen — von Porträts bis Horror?

— Ich wurde schon immer von der Horror-Ästhetik in der Popkultur angezogen. Meine ersten Porträtarbeiten waren tatsächlich in diese Richtung. Horror gab mir künstlerische Freiheit und Ausdruck — die Fähigkeit, mit "dreckigeren" Tönen und mutigen Farbkombinationen zu arbeiten, die in der klassischen Porträtmalerei selten akzeptabel sind.

Gleichzeitig ist die Arbeit mit Porträts immer eine Frage der Verantwortung und Konzentration auf Realismus in einem Stück: Disziplin, Präzision in der Darstellung von Licht, Volumen und Proportionen. Deshalb ist die Bandbreite für mich interessant — verschiedene Themen bringen verschiedene Herausforderungen mit sich, aber der Realismus bleibt die Grundlage und der Raum, in dem ich weiterhin wachsen kann.

Gibt es Themen, zu denen du immer wieder zurückkehrst?

— Natürlich, so klischeehaft es auch klingen mag, Porträts, Schädel und filminspirierte Themen.

Aber was mich mehr anzieht, ist nicht das spezifische Thema selbst oder das direkte Kopieren, sondern die Arbeit damit innerhalb der Komposition. In letzter Zeit kehre ich immer mehr zur surrealistischen Ästhetik zurück — sie erlaubt größere Freiheit mit Verzerrung und Spiel mit der Skala.

Dieser Stil ermöglicht es, verschiedene Techniken zu kombinieren und die Farbpalette zu erweitern, die Atmosphäre zu verstärken und dem Bild mehr Tiefe zu verleihen. Als Ergebnis werden vertraute Motive individueller, behalten aber ihre klassische Grundlage bei.

Welche Rolle spielt Licht (insbesondere Feuer) in deinen Tattoos?

— Ich suche immer nach Wegen, um saubere, helle Schattierungen einzuführen, und Lichteffekte ermöglichen mir dies auf natürliche Weise. Diese Elemente ziehen auch sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich.

Die Verwendung von "brennenden" Elementen wie Feuer als Lichtquelle hilft, die Komposition zu einem einzigen Bild zusammenzufügen und Reflexe auf dem Hauptmotiv hinzuzufügen, wodurch es noch voluminöser erscheint. Insgesamt verleiht dies dem Tattoo mehr Tiefe und Ausdruckskraft.

Wie läuft dein Arbeitsablauf normalerweise ab? Zum Beispiel bei der Arbeit an einem Ärmel von der Beratung bis zur Fertigstellung.

— Im Fall eines Ärmels beginnt alles mit einer detaillierten Diskussion mit dem Kunden: Wir analysieren die Idee, die wichtigsten Elemente und das Ausmaß des Projekts. Selbst wenn die Arbeit in Etappen geplant ist, erstelle ich trotzdem eine grobe Skizze des gesamten Ärmels, um die Gesamtkomposition und die Verteilung der Themen zu verstehen.

Normalerweise legen wir das Hauptelement fest, mit dem die Arbeit beginnt. Meistens ist es die Schulter — der größte Bereich, der die Skala und Hierarchie des Themas setzt. Manchmal beginnen wir mit dem Unterarm, wenn der Kunde das bevorzugt. Nach der Vereinbarung über Referenzen bereite ich mehrere Optionen für den ausgewählten Bereich vor, immer einschließlich einer Option, die vollständig auf meiner eigenen Vision basiert.

Ich erstelle die Skizze auf einem Foto des Arms des Kunden, wobei ich Anatomie und Platzierungsoptionen berücksichtige. Während des Prozesses passe ich Akzente an, vereinfache oder verstärke bestimmte Lösungen, wenn dies die Komposition verbessert. Der Hauptplan existiert im Voraus, aber ich lasse immer Raum für Verfeinerungen.

Licht und Farbe sind im allgemeinen Schema geplant und werden dann während des Tätowierprozesses getestet – aus der Entfernung und in Bewegung, wobei einige Akzente verstärkt und andere vereinfacht werden.

Sie haben an vielen Konventionen teilgenommen. Erzählen Sie uns von Ihren Haupt-Erfahrungen.

— In einer frühen Phase bedeuteten Tätowierkonventionen alles für mich. Damals gab es wenig Informationen online, und der direkte Austausch mit anderen Künstlern war die Hauptquelle des Wissens. Im Laufe eines Jahres sammelten sich viele Fragen an – von der Arbeit mit Farbe bis hin zu Nuancen der Ausrüstung – und Konventionen waren der Ort, an dem man diese Dinge persönlich diskutieren und sich in eine wirklich inspirierende Umgebung eintauchen konnte.

Die Teilnahme an Konventionen ist immer noch wichtig, um Ihr Niveau und Ihr Wachstum zu verstehen. Zu Beginn meiner Karriere gewann ich Preise in den Kategorien Biomechanik, Porträt und Realismus. Ein besonders bedeutender Moment war der Gewinn des Grand Prix bei der Kyiv Tattoo Convention im Jahr 2013 – er beseitigte innere Zweifel und setzte für mich einen höheren Maßstab.

Später erhielt ich zwei Best of Day Awards im Realismus bei der Tattoo Show St. Petersburg 2018. Ich hoffe, dass dies nicht meine letzten Siege sein werden und dass ich bald wieder zu Konventionen zurückkehre, möglicherweise bereits in Deutschland.

Erzählen Sie uns von Ihrem Studio in Kassel – was ist Ihnen in diesem Raum wichtig?

— Es ist ein privates Arbeitsformat. Für mich ist der Studio-Raum vor allem eine Möglichkeit, alles Unnötige zu eliminieren und sich vollständig auf den Prozess zu konzentrieren.

Diese Unabhängigkeit ermöglicht es mir, meinen Zeitplan zu kontrollieren, in einer ruhigen Umgebung zu arbeiten und die Quantität nicht zu jagen. Ich kann jedem Projekt genau die Zeit widmen, die die Qualität erfordert – besonders bei großen Kompositionen und langen Sitzungen.

Es ist mir wichtig, dass nichts von der Arbeit ablenkt und dass der Rhythmus vom Projekt selbst und nicht von externen Umständen vorgegeben wird.