Blekanddots: Wie Farbtheorie und Komposition eine Tattoo-Künstlerin prägen

Macarena, auch bekannt als Maca oder Blekanddots, ist eine Tätowiererin aus Chile, die in Santiago arbeitet. Ihr Stil basiert auf einer Kombination aus Abstraktion, grafischem Denken und einem feinen malerischen Umgang mit Farbe. Durch geometrische Formen, sanfte Tonübergänge und Farbe schafft sie Tattoos, die sowohl als Bilder als auch als in den Körper integrierte Formen durchdacht komponiert wirken.

Diese Denkweise ist direkt mit ihrer künstlerischen Grundlage verbunden. In diesem Gespräch reflektiert Macarena über die Rolle der Farbtheorie, Komposition und Materialkenntnis bei der Entstehung einer Tätowiererin.

Sie trennt Theorie und Praxis nicht in zwei verschiedene Welten, sondern sieht sie als untrennbare Teile desselben Prozesses – eines, der nicht nur prägt, wie ein Künstler lernt, sondern auch, wie er wächst, technische Herausforderungen löst und Ergebnisse erzielt, die den Test der Zeit bestehen.

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— Erzähl uns ein bisschen über dich. Woher kommst du ursprünglich und wo lebst und arbeitest du derzeit?

— Hallo! Ich komme aus Chile, bin hier geboren und aufgewachsen, und ich lebe immer noch hier. Ich habe die letzten 7 Jahre in ein paar Studios in Santiago gearbeitet, aber derzeit habe ich meinen eigenen und privaten Raum.

— Du beschreibst dich selbst als multidisziplinäre Künstlerin. Mit welchen Kunstformen hast du vor dem Tätowieren angefangen?

— Wenn meine Kindheit zählt, habe ich schon in sehr jungen Jahren viele Dinge erlebt und gelernt.

Ich war ein sehr neugieriges Kind, das alles um sich herum betrachtete und beobachtete, unzählige Fragen stellte, und meine Mutter war immer bereit, mir beizubringen, was sie wusste, wann immer ich fragte: „Wie machst du das?“, weil ich verstehen wollte, wie Dinge gemacht wurden. Sie brachte mir das Lesen und Schreiben ab dem vierten Lebensjahr bei, wegen meiner Faszination für Wörter, das Weben am Webstuhl, das Sticken, das Häkeln und das Bemalen meiner Kleidung. Ich lernte das Weben mit Glasperlen, indem ich einfach meinem Vater zusah, der es als gelegentliches Hobby betrieb.

Ich zeichnete und malte die ganze Zeit, solange ich mich erinnern kann, und während der Grundschule lernte ich nähen und stricken mit Nadeln. Ich glaube, damals und wahrscheinlich bis zur High School hatte ich nicht das Gefühl, dass all das sehr relevant oder ernst in meinem Leben war. Ich sah es als ein einfaches Hobby, weil es etwas sehr Normales in meinem Alltag war, und ich lag falsch.

Ich studierte Bildende Kunst, wo ich mich auf Farbtheorie und Fotografie spezialisierte. Mein Universitätsstudium war sehr umfassend, und in den ersten beiden Jahren musste ich alle Techniken lernen: Zeichnen, Malen, Druckgrafik, digitale und analoge Fotografie, Video, Mixed Media, Keramik, Skulptur, Lichtbogenschweißen usw. Es war obligatorisch. Das half, meine Neugier am Leben zu erhalten, was mich später zu der Frage führte: „Wie anders kann es sein, mit Nadeln auf Haut zu malen?“

Sobald ich meinen Abschluss gemacht hatte, arbeitete ich hauptsächlich mit Ölmalerei, Fotografie und Papiermodellen, bis ich mit dem Tätowieren begann.

— Soweit wir wissen, hast du einen akademischen Hintergrund in Kunst. Wie haben deine Studien deinen Ansatz zum Tätowieren beeinflusst?

— Ich glaube, meine Studien haben mich auf eine ganz andere Beziehung und Perspektive zu Materialien und Werkzeugen sowie zum kreativen Prozess im Allgemeinen vorbereitet. Sie haben mir auch den Wunsch gegeben, das Tätowieren in Malerei zu verwandeln, zu vergessen, dass es getrennte Dinge sind. Ich habe sie in meinem Kopf zu einem gemacht, also begann ich dasselbe zu tun, was ich mit Ölfarbe tun würde, aber durch das Tätowieren.

Ich habe meine Farbpalette jahrelang intensiv studiert und tue dies weiterhin: die Qualität der Pigmente, wie stabil sie nach dem Heilungsprozess sind und so weiter. Ich habe meine Palette im Laufe der Zeit modifiziert und mit vielen Farben und verschiedenen Marken experimentiert, um zu sehen, ob sie ähnlich sind oder nicht. Manchmal, aufgrund von Lieferengpässen, gingen mir meine Lieblingsfarben aus, also entdeckte ich ihre Äquivalente bei anderen Marken für Notfälle. Mein Wissen über Pigmente stammt auch aus meinen spezifischen Studien in Malerei, zusätzlich zu meiner eigenen Lektüre und Forschung nach dem Abschluss.

Ich denke, die Malerei ist der Bereich, in dem die Eigenschaften und Merkmale von Farbe und ihre gesamte Theorie am tiefsten erforscht werden, sowohl aus physikalischer als auch aus chemischer Sicht. Heute hilft mir all dieses Wissen, bessere Entscheidungen zu treffen, um die Ergebnisse zu garantieren, die meine Kunden erwarten, sowie zu lehren und zu kommunizieren, warum ein Ergebnis besser wäre als ein anderes und wie Farben miteinander oder mit ihren Hauttönen interagieren.

Mein akademischer Hintergrund ließ mich auch alles als Farben und Formen innerhalb eines Raumes sehen. Er half mir, nicht nur aus ästhetischer Sicht zu abstrahieren, sondern auch den Prozess selbst zu betrachten – die Art und Weise, wie ich Methodologien in jeder Technik sehe, denke und anwende oder modifiziere. All dies ermöglicht es mir, Ergebnisse effizienter zu erzielen.

— Wann wurde das Tätowieren zu deinem Beruf? Erzähl uns, wann und wie dieser Übergang stattfand.

— Ein Jahr nach meinem Universitätsabschluss absolvierte ich während meiner Sommerferien 2015 ein Vollzeit-Praktikum in einem Tattoo-Studio. Dies ermöglichte es mir, alles zu üben, vom Aufbau des Tisches bis zum Zusammen- und Auseinanderbauen meiner Spulenmaschine. Ich lernte zuerst, mit einer Maschine zu tätowieren.

Nachdem ich angefangen hatte, das Tätowieren mit und ohne Maschine zu üben, konzentrierte ich mich mehr darauf, von meinen Eltern unabhängig zu werden, also hörte ich auf, regelmäßig zu üben, und suchte mir einen stabilen Job. Anfang 2016 arbeitete ich einen Monat lang als Fotograf in einem Juweliergeschäft, und im folgenden Monat wurde ich als Art Director in einer Werbeagentur eingestellt, wo meine Aufgabe darin bestand, Papiermodelle zu erstellen, Stop-Motion-Animationen, DIY-Videos, Food-Styling und andere Aufgaben zu produzieren. Dort arbeitete ich anderthalb Jahre.

In diesen anderthalb Jahren tätowierte ich gelegentlich ein Familienmitglied oder einen Freund, bis eines Tages einer meiner Teamkollegen entdeckte, dass ich tätowieren konnte, und mich bat, ihn zu tätowieren. Das war der erste Schritt, der alles veränderte, und ehrlich gesagt hätte ich es mir nie vorgestellt, denn ich entschied mich auch, ihn ohne Maschine zu tätowieren, was bedeutete, mich wieder mit Handpoke zu verbinden, etwas, das ich zu dieser Zeit am wenigsten praktiziert hatte.

Am nächsten Tag sprach es sich herum, und nach und nach erhielt ich neue Aufträge, also beschloss ich, an meinen freien Tagen zu tätowieren. In nur ein paar Monaten wurde mir klar, dass mir das Tätowieren wirklich Spaß machte, dass ich es vermisste, und die Wahrheit ist, dass mir meine Arbeit schon eine Weile keinen Spaß mehr gemacht hatte. Ich fühlte mich in der Agentur etwas festgefahren, sehr eingeschränkt in meiner kreativen Entwicklung. Ich erinnere mich, wie ich ständig auf dem Heimweg dachte: „Was hat es für einen Sinn, Kunst studiert zu haben, wenn ich sie nicht praktiziere? Ich habe das nicht studiert, nur um es nicht zu tun. Ich verschwende es. Nichts davon macht Sinn.“

Ich dachte noch einen Monat darüber nach, fast überzeugt aufzuhören. Ich sprach zuerst mit meinem engsten Kreis – meinen besten Freunden, einem meiner Brüder und meiner Mutter. Mein Bruder sagte zu mir: „Stell dir das ideale Szenario für deinen aktuellen Job vor, mit spannenden Ideen, mehr Freiheit und einem viel höheren Gehalt. Wärst du glücklich?“ Ich sagte nein. Dann sagte er: „Und wenn du das Zehnfache deines Gehalts bekommen würdest, würde das ausreichen, um dich glücklich zu machen?“ Für mich war die Antwort immer nein.

Ich kündigte meinen Job im August 2017, ohne Ersparnisse, nichts. Nur mein Wunsch, auf jeder möglichen Oberfläche zu malen und meinen Lebensunterhalt mit Kunst zu verdienen. Es hat sich alles gelohnt, und hier sind wir.

— Viele Künstler sagen, dass Tätowieren hauptsächlich durch Übung gelernt wird. Wie wichtig ist Ihrer Meinung nach theoretisches Wissen – wie Farbtheorie, Komposition und Kunstgrundlagen – für einen Tätowierer?

— Obwohl ich dieser Aussage vollkommen zustimme, glaube ich, dass es auch einen weniger erforschten oder vielleicht weniger diskutierten Aspekt gibt, der auf traditionellen Stereotypen darüber basiert, wie eine Technik – nicht nur das Tätowieren – gelernt werden sollte. Ich denke, bestimmte Stereotypen werden manchmal romantisiert, was eine vollständige Perspektive auf die Dinge und ihre Möglichkeiten verhindert. Aus irgendeinem Grund, der mich stört, wird die Kunst des Tätowierens, obwohl sie so alt ist, nicht als formale Disziplin anerkannt. Dies hat sich über Jahrhunderte hinweg fortgesetzt.

Eine Zeit lang hielt ich selbst meinen Geist in Fächer unterteilt, als ob alles, was ich studierte, nichts mit dem Tätowieren zu tun hätte, und ich fühlte mich später sehr dumm und beschämt, denn es hat alles damit zu tun. Tätowieren ist bildlich, es ist illustrativ, und es könnte für mich sogar als skulptural betrachtet werden – das Arbeiten mit einem zweidimensionalen Design auf einer dreidimensionalen Oberfläche. Es ist eine vollständige Disziplin, und in dem Moment, als ich aufhörte, meinen Geist zu unterteilen und die gesamte Theorie und Technik auf diese Disziplin anwandte, änderte sich mein Prozess und meine gesamte Arbeit.

Persönlich glaube ich, dass technisches und theoretisches Wissen über eine Disziplin immens wichtig ist und Ihren gesamten Prozess effizienter macht. Sie treffen bewusstere und intentionalere Entscheidungen, und weniger wird dem Zufall überlassen.

Ich denke, viele Künstler wenden Theorie und Technik intuitiv an, und das macht ihr Wissen nicht weniger gültig, aber zu wissen, warum man tut, was man tut, kann sogar die Art und Weise verändern, wie man beobachtet und wie man seine Ideen vorschlägt oder entwickelt.

Übung ist ein entscheidender Teil des Prozesses – Übung macht den Meister, oder? – aber Theorie ist auch unerlässlich, und sie sollten nicht getrennt betrachtet werden. Beides ist definitiv grundlegend für unsere Entwicklung.

Manchmal denke ich auch, dass es vielleicht nur ein Missverständnis darüber gibt, was Theorie ist und was nicht, und dass wir vielleicht über dasselbe sprechen, nur mit einem anderen Namen. Zu verstehen, wie Dinge funktionieren und woraus sie bestehen – Maschinen, Nadeln, Tinten, Haut – ist reine Theorie.

— Wie beeinflusst Ihr Verständnis der Farbtheorie die Art und Weise, wie Sie Tattoos entwerfen und Farbpaletten für verschiedene Hauttöne auswählen?

— Sie ist im Grunde eines der Rückgrate meiner Arbeit, unabhängig vom Stil oder den Elementen, mit denen ich komponieren möchte, ob in Farbe oder in Graustufen.

Ich glaube, sie macht 50 % meiner Arbeit aus. Ich benutze sie von Anfang bis Ende; es ist nicht einmal mehr etwas, worüber ich nachdenken oder entscheiden muss. Es ist so natürlich wie Atmen oder Blinzeln; es existiert einfach als eine Erweiterung von mir. Aber ich habe Schritte zu befolgen.

Um die Fehlermarge bei kundenspezifischen Projekten zu minimieren, sende ich meinen Kunden eine Farbpalette mit Referenztönen, damit sie bestimmen können, wo ihr Hautton liegt. Ihre Antwort schließt sie nicht aus, noch ist die Farbe exakt, denn der Bildschirm projiziert Licht und die Haut absorbiert es, aber es hilft mir zu verstehen, welchen Lichtbereich ich bei der Entwicklung eines Designs verwenden kann, entsprechende technische Entscheidungen zu treffen und je nach Fall zu erklären, warum wir einige Farben ändern sollten, um das zu erreichen, was sie suchen.

Wenn ich natürlich Anfragen für Farben erhalte, die für ihre Hauttöne nicht geeignet sind, werde ich sie nicht anlügen und ihnen erklären, dass es keine gute Idee ist, dass es nicht auffällt usw., damit sie auch verstehen, wie die Theorie in der Realität funktioniert, oder oft, um Mythen über Farbe in Tattoos oder Hauttönen zu entlarven.

Die Komposition spielt eine entscheidende Rolle in der Malerei und Illustration. Wie wenden Sie Kompositionsprinzipien an, wenn Sie mit dem menschlichen Körper als Leinwand arbeiten?

— Ich komponiere zweimal: zuerst im Design und dann auf dem Körper.

Ich folge den grundlegenden Prinzipien der Komposition — Einheit und Gleichgewicht — zusätzlich zum Ziel jedes Designs: ob es Dynamik geben wird oder nicht, Bewegung, Rhythmus, Virtualität, Statik usw., und wie man das gleiche Gefühl beibehält, wenn man es auf den Körper überträgt. Die Kurven und Volumen des Körpers beeinflussen das Design; ich berücksichtige die Bewegungen der Muskeln und natürlich, wenn es andere Tattoos in diesem Bereich gibt, wie alle Faktoren in vollständiger Harmonie miteinander interagieren.

Jedes Mal, wenn ich ein Design komponiere und auf dem Körper platziere, ist es mein Ziel, dass es mit dem bereits Vorhandenen harmoniert, aber auch separat funktioniert. Ich möchte, dass die Teile sich ergänzen und keines die anderen beeinträchtigt, so dass beim Betrachten der „Leinwand“ die visuelle Lesart homogen ist, als wäre alles eine einzige Komposition auf dem Körper.

Je nach Design arbeite ich manchmal im „Collage“-Modus, wo ich verschiedene schablonierte Elemente — Linien, Formen — habe, die ich dann separat platziere, um sie perfekt in den Raum einzupassen. Und wenn das Projekt es erfordert, mache ich auch eine Mischung aus Schablone und Freihand.

Die Kenntnis und Anwendung der technischen Prinzipien der Komposition ermöglicht es Ihnen umgekehrt auch, Designs mit spezifischen Schwerpunkten zu erstellen, wenn Sie das Gleichgewicht stören möchten. Das alles macht viel Spaß.

— Tätowieren erfordert auch ein tiefes Wissen über Materialien und Werkzeuge. Welche technischen Aspekte des Handwerks unterschätzen junge Tätowierer Ihrer Meinung nach oft?

— Das ist eine schwierige Frage. Ich würde sagen, die Schablone und die Qualität der Materialien und wie sie das Ergebnis beeinflussen.

Ich habe einen Satz meines Mentors nie vergessen: „Deine Schablone muss perfekt sein, sonst ist es nutzlos, tätowieren zu können.“ Und ja, diesen Rat habe ich mir für immer zu Herzen genommen.

Wenn Ihre Schablone nicht gut gemacht ist und dann nicht richtig auf die Haut aufgetragen wird, kann dies das Ergebnis negativ beeinflussen.

Jahrelange Erfahrung kann Ihnen immer den Vorteil verschaffen, improvisieren zu können, wenn etwas gelöscht wird, oder die Schablone von Hand zu korrigieren, oder sogar die Anwendung oder den Übergang verschiedener Töne innerhalb der gezeichneten Bereiche anzupassen, aber das ist nichts, was wir am Anfang versuchen sollten, wenn wir nicht alle Aspekte dieser Technik fest im Griff haben.

Im Laufe der Zeit lernt man, je nach Stil, eigene Wege zu finden, um Bereiche mit Schattierungen, Füllungen oder Texturen zu differenzieren, und man versteht seine eigene Sprache der Richtlinien in der Schablone.

Und was die Materialien angeht, weiß ich aus eigener Erfahrung, dass es am Anfang nicht immer erschwinglich ist, bessere Werkzeuge oder Farben aufgrund ihrer Qualität zu bekommen, denn sie sind nicht billig, wenn man als Lehrling lernt.

Aber es lohnt sich zu investieren, und auf lange Sicht, wenn man finanziell stabiler ist, sollte es nicht verhandelbar sein, an den Ausgaben zu sparen, anstatt in seine Materialien zu investieren.

Für mich liegt der auffälligste Unterschied in den Nadeln und Farben: in der Qualität des Pigments, der Farbdeckkraft, ihrem Fluss oder ob sie während des Heilungsprozesses an Sättigung verlieren. Verändert sich die Farbe, während ich tätowiere? Verändert sich die Farbe nach dem Heilungsprozess? Wie schnell verändert sie sich und wie? Wird sie wärmer? Weniger hell? Usw.

Und bei den Nadeln gibt es den Widerstand und die Stärke, die sie haben, je nachdem, was ich mit ihnen machen muss, und auch die Schärfe. Wie gleichmäßig ist die Größe meiner Nadel? Sind sie alle zu 90–99 % ähnlich, oder sind einige breiter als andere? Muss ich die Nadel fester drücken, wenn ich diese Marke verwende? Wie oft muss ich sie wechseln, weil sie die Tinte nicht mehr auf die gleiche Weise injiziert? Beschädigt diese Nadel die Haut mehr als eine andere gleicher Größe? Wie gleichmäßig ist meine Linie? Wie glatt ist der Punkt?

Das Gleiche gilt natürlich auch für die Maschinen: ihr Hub, ihr Gewicht und ihre Leistung.

— Glaubst du, dass eine stärkere theoretische Ausbildung den Fortschritt eines Künstlers beim Tätowieren beschleunigen kann? Inwiefern?

— Absolut. Es ist wie eine Art Abkürzung – nicht, weil man Schritte im Tätowierprozess überspringt, sondern weil der Ansatz anders ist, vielleicht weniger überwältigend.

Ich habe das Gefühl, dass das theoretische und praktische Verständnis der Gesetze des Zeichnens, der Komposition, der Anordnung von Formen im Raum und der Verwendung von Farben es einem ermöglicht, all dieses Wissen auf jede zweidimensionale oder dreidimensionale Oberfläche anzuwenden, unabhängig von Material, Technik oder Stil.

Es wird etwas einfacher, sich an Oberflächenveränderungen und die Inkonsistenzen verschiedener Materialien anzupassen.

All diese theoretische und technische Vorbereitung hilft, die Herausforderungen des Prozesses sozusagen schneller zu lösen.

Aber natürlich ist es keine perfekte Formel oder der einzige Weg, denn Haut ist kein Papier oder Stoff, und das lernt man nur durch Tätowieren, Üben und Lernen von Menschen mit mehrjähriger Erfahrung, durch Fragen stellen und Informationsaustausch, was für mich genau die Theorie des Tätowierens ist.

— Deine Tattoos sind bekannt für ihre leuchtenden Farben und ihren grafischen Ansatz. Wie hat sich dein visueller Stil über die Jahre entwickelt?

— Ich glaube, meine Angst, das zu zeigen, woran ich wirklich arbeiten wollte, hat sich allmählich gelegt, und mein Vertrauen in das, was ich tatsächlich über Farbe und Malerei wusste, hat sich ebenfalls verändert.

Als ich beschloss, all das auf den Tisch zu legen und blind dem zu vertrauen, was ich wusste, begann ich, genauer zu beobachten und zu studieren, was ich nicht wusste oder verstand: wie sich Farbe auf der Haut verhält, ihre Reaktion und Interaktion. Ich konzentrierte mich so sehr darauf, dass sich der visuelle Aspekt organisch entwickelte.

Malerei wurde für mich lebenswichtig; Licht war bereits das wichtigste Element meiner Arbeit, und alles, was blieb, war, einen Weg zu finden, alle Elemente auf spielerische, symbolische und oft intime Weise zu nutzen.

Ich habe meine Universitätsarbeit von 2013–2014 wieder aufgegriffen, die sich mit dem kreativen Prozess, der Nutzung von Erinnerungen, Rückblicken, den Sinnen, der Zeit und der Frage befasste, wie man dies in eine visuelle Sprache übersetzen kann. Die Arbeit selbst erinnerte mich an Kandinskys Schriften über Komposition und Farbe, die ich in meiner Forschung verwendet hatte.

Ideen abstrakt darzustellen, fühlt sich für mich wie visuelle Poesie an; in gewisser Weise geht es darum, ständig Metaphern zu verwenden. Eine Farbe oder eine Form kann einen Ort, einen Moment, ein Gefühl oder eine Person darstellen.

Kandinsky war bei weitem die beste Inspiration, um die Suche anzustoßen, die ich zu beginnen fürchtete, aber so gerne erkunden wollte. Das ist einer der Gründe, warum meine Arbeit grafischer wurde.

— Wie hat sich dein Stil im Laufe deiner Karriere entwickelt? Gab es Wendepunkte, die deine künstlerische Richtung maßgeblich verändert haben?

— Ich glaube, es war so etwas wie eine „stille Präsenz“ meines aktuellen Stils. Ich war schon immer ein großer Fan von Claudio Bravo, dem Bauhaus, Kandinsky, Yayoi Kusama, Edward Hopper, Monet, unter anderem. Was mir an ihnen am meisten gefiel, war ihr Umgang mit Licht, die Ausgewogenheit ihrer Kompositionen und ihre Farbpaletten.

Im Jahr 2013, als ich noch nicht einmal vorhatte, Tätowieren zu lernen, bekam ich mein erstes Tattoo, und ich wollte, dass es ein marmoriertes Farbdreieck ist, ohne Konturen, nur Farbe. Der Tätowierer sagte mir, dass alles, was ich verlangte, unmöglich sei, weil es zu viele Details hätte und es nicht normal sei, Tattoos ohne Konturen zu machen, dass meine Idee nicht umsetzbar sei.

Nach einer Weile des Verhandelns stimmte er zu, es mit der hellsten Farbe zu umranden und es „ein wenig“ zu vereinfachen. Natürlich bekam ich nichts von dem, was ich wollte, hahaha, obwohl es nicht schrecklich ist.

Und nun, ich wusste nichts über Tattoos, also glaubte ich ihm. Und es ist verrückt, denn, lustige Tatsache, sechs oder sieben Jahre später tätowierte ich diesen Marmoreffekt, der angeblich unmöglich war.

Da ich schon immer im Realismus und Hyperrealismus gemalt und gezeichnet habe, dominierte das lange Zeit meine Arbeit, aber es gab auch immer eine Tendenz, mit Geometrie, Farbtheorie, Minimalismus und Architektur zu arbeiten.

Seitdem ich gelernt habe zu tätowieren, habe ich in allen möglichen Stilen entworfen und gearbeitet, weil ich auf die Old-School-Art gelernt habe, wo man angeblich alles gut, perfekt lernen soll. Aber obwohl ich anfangs versucht habe, meine minimalistischeren, abstrakteren oder geometrischen Vorschläge anzubieten, haben sie sich nie durchgesetzt. Ich hatte nur sehr kurz die Möglichkeit, mit meinen eigenen Ideen oder Designs zu arbeiten, bis 2018 oder Anfang 2019. Zu diesem Zeitpunkt waren Farbverläufe das Abstrakteste und Beliebteste in meinem Portfolio.

Obwohl ich neue Wege finden wollte, meine Kunst auszudrücken, hatte ich immer diese Dualität, zwischen dem Figurativen und dem Abstrakten arbeiten zu wollen. Ich liebe Hyperrealismus, ich kann nicht anders, aber ich liebe auch die abstrakte Kunst immens, und ich war entschlossen, der Abstraktion mehr Raum zu widmen, weil sie lange gewartet hatte und an die Oberfläche drängen wollte.

Während der Quarantäne 2020 hatte ich die Gelegenheit, viel Zeit in meinem Atelier zu verbringen – einem Raum, den ich in meiner Wohnung zum Malen umfunktioniert hatte – und ich konzentrierte mich darauf, Ideen und Skizzen zu entwickeln, die sich in meinem Kopf und in Skizzenbüchern angesammelt hatten. Ich hatte auch viel Zeit, meine Archive zu durchforsten, und in meinen Fotografien, die ich seit meinem 17. Lebensjahr täglich mache, fand ich ein Muster: Meine Alltagsfotografien fangen abstrakte Details der Welt ein, minimalistische Kompositionen, in denen manchmal die Farbe im Mittelpunkt steht, zusammen mit Winkeln und Licht. Alles fügte sich zusammen, denn auf die eine oder andere Weise bleiben, egal womit ich arbeite, bestimmte rote Fäden in meiner Arbeit erhalten.

Still, ohne Angst oder Scham, begann ich meine Ideen in Öl zu malen. Ich hatte das Gefühl, sie zum Leben erwecken zu müssen, also begann ich, sie auf meinem Instagram-Profil zu teilen und zu erklären, worum es bei den Kompositionen ging, wie ich jedes Element interpretierte, und das half den Leuten, die meine Arbeit verfolgten, die Abstraktion in meinen Designs zu verstehen. Von da an beschloss ich, dieser Perspektive Raum und Priorität einzuräumen. Die Leute schlossen sich mir an und nahmen meine Vorschläge jedes Mal an, wenn sie ein individuelles Projekt anfragten, und nach und nach verblasste der figurative Stil.

Die meisten dieser Ideen begannen in Graustufen. Dann begann ich, Farbdetails einzubauen, aber diese Palette änderte und wuchs ständig. Die Farbe wurde natürlich zum Protagonisten, auch auf Wunsch meiner Kunden, denn sie begannen, die Ergebnisse zu sehen, Arbeiten zu sehen, die über die Jahre hinweg geheilt waren, und das erhöhte ihr Vertrauen in meine Arbeit.

Zweifellos inspirierte mich auch die Arbeit anderer Künstler dazu, meinen eigenen Weg finden zu wollen. Jedes Mal, wenn ich auf einen Künstler stieß, der etwas Ungewöhnliches in der Tattoo-Welt tat, machte ich mir Notizen, studierte und bewunderte seine Prozesse, unabhängig von seinem Stil oder seiner Technik.

Ich erinnere mich, dass in meinen Anfängen, um 2015–2016, die Arbeiten von @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk und @dzo_lama mich umgehauen haben. Sie alle machten etwas anderes, brachten Designs und Konzepte über die Grenzen jedes Stils oder jeder Technik hinaus.

Ich bin all den Künstlern sehr dankbar, die einen flexibleren Weg für Experimente geebnet haben.

— Welche Projekte oder Tattoos halten Sie in Ihrem Portfolio für technisch oder künstlerisch am wichtigsten?

— Wahrscheinlich „offene Kompositionen“, da sie die Eigenschaft haben, in jeder Ausrichtung zu funktionieren, ohne Einheit und Gleichgewicht zu verlieren, und sich leicht an verschiedene Körperkontexte oder umgebende Tattoos anpassen.

Das wird man nicht wirklich bemerken, es sei denn, man lässt sich von mir tätowieren oder ich erzähle es, hahaha, aber wenn ich diese Designs meinen Kunden am Tag ihres Termins zeige, erkläre ich sie, und wir tätowieren sie nicht immer in der ursprünglichen Ausrichtung, in der ich sie gezeichnet habe.

Das Erstellen dieser Stücke hilft mir, meinem Verständnis von Formen innerhalb eines Raumes und der Anpassungsfähigkeit und Vielseitigkeit eines gut komponierten Designs zu vertrauen.

— Reisen Sie viel als Tätowierer? In welchen Ländern oder Studios hatten Sie die Gelegenheit zu arbeiten?

— Sozusagen. Ich versuche, mindestens einmal im Jahr zu reisen, wenn es eine lange Reise ist.

Vor vier Jahren hatte ich die Gelegenheit, ein Jahr in Barcelona zu studieren, was es mir ermöglichte, als Resident Artist im 19:28 Tattoo Parlour zu arbeiten und in kurzer Zeit mehrere Länder in Europa zu besuchen.

Seit dieser Erfahrung habe ich versucht, jedes Jahr einen festen Zeitplan einzuhalten.

Ich hatte das Privileg und die Gelegenheit, unter anderem das Cucu Studio in Buenos Aires, Rayon Noir in Paris, Akurat Studio in Berlin, Blanco Roto in Barcelona, New Tattoo Studio in Peking, Sasha Tattooing in Paris zu besuchen.

— Haben Sie an Tattoo-Conventions teilgenommen? Wenn ja, welche waren für Sie am denkwürdigsten?

— Ja. Im Laufe meiner Karriere habe ich an drei Conventions teilgenommen – Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 und Summer Ink 2024 –, aber ich habe nur an einer teilgenommen, und ich denke, ich kann aus mehr als einer Erfahrung aus verschiedenen Gründen etwas Denkwürdiges mitnehmen.

Reñaca Ink war meine erste Convention-Erfahrung, an der ich „zufällig“ teilgenommen habe. Ich habe den Platz einer Freundin genutzt, weil sie in letzter Minute nicht teilnehmen konnte, @marialeontattoo. Offiziell war ich also nicht Teil des Künstler-Line-ups, aber ich hatte die Gelegenheit, einige großartige chilenische Künstler kennenzulernen, die ich sehr bewundere und die mich herzlich als Teil ihres Teams aufgenommen haben. Ich hege viel Zuneigung zum Team des Nomade Tattoo Studios aus Viña del Mar, Chile.

Und Summer Ink war meine erste Teilnahme an einem Wettbewerb. Ich war sehr nervös, aber auch sehr aufgeregt, die Handpoke-Technik auf einer so wichtigen Convention präsentieren zu können, und ich gewann den 2. Platz in der Kategorie Tiny Tattoo. Es war eine unglaubliche Erfahrung!

— Woran arbeitest du derzeit und was sind deine Pläne für die nahe Zukunft?

— Ummm... Nun, ich habe das Gefühl, dass meine Arbeit im Allgemeinen in einem ständigen Fortschritt ist. Ich forsche, studiere, stelle mir immer wieder vor, und jeden Tag denke ich: „Was mache ich jetzt?“, „Was kommt als Nächstes?“, „Wie kann ich es anders machen?“ Aber ich denke, was im Moment am meisten auffällt, ist, dass ich an größeren Stücken und komplexeren Körperbereichen arbeiten möchte, an denen ich normalerweise nicht arbeite, und aus diesem Grund habe ich angefangen, größere und komplexere Kompositionen für mich selbst zu posten.

Und Pläne? Im Moment möchte ich Asien wieder besuchen, hoffentlich nach Europa zurückkehren und vielleicht dieses Jahr einige neue Reiseziele hinzufügen, aber wir gehen es Schritt für Schritt an.