Blekanddots: Cómo la teoría del color y la composición dan forma a una artista del tatuaje

Macarena, también conocida como Maca o Blekanddots, es una tatuadora chilena que trabaja en Santiago. Su estilo se basa en una combinación de abstracción, pensamiento gráfico y un delicado enfoque pictórico del color. A través de formas geométricas, transiciones tonales suaves y el color, crea tatuajes que se sienten cuidadosamente compuestos tanto como imágenes como formas integradas en el cuerpo.

Esta forma de pensar está directamente conectada con su formación artística. En esta conversación, Macarena reflexiona sobre el papel de la teoría del color, la composición y el conocimiento de los materiales en la formación de un tatuador.

Ella no separa la teoría y la práctica en dos mundos diferentes, sino que las ve como partes inseparables del mismo proceso, uno que moldea no solo cómo un artista aprende, sino también cómo crece, resuelve desafíos técnicos y logra resultados que perduran en el tiempo.

---

— Cuéntanos un poco sobre ti. ¿De dónde eres originalmente y dónde vives y trabajas actualmente?

— ¡Hola! Soy de Chile, nací y crecí aquí, y sigo viviendo aquí. He trabajado en un par de estudios los últimos 7 años en Santiago, pero actualmente tengo mi propio espacio privado.

— Te describes como una artista multidisciplinar. ¿Con qué formas de arte empezaste antes de tatuar?

— Si mi infancia cuenta, experimenté y aprendí muchas cosas desde muy pequeña.

Era una niña muy curiosa, contemplando y observando todo a mi alrededor, haciendo innumerables preguntas, y mi madre siempre estaba dispuesta a enseñarme lo que sabía cada vez que preguntaba: "¿Cómo se hace eso?", porque quería entender cómo se hacían las cosas. Me enseñó a leer y escribir desde los cuatro años debido a mi fascinación por las palabras, a tejer en telar, a bordar, a hacer ganchillo y a pintar en mi ropa. Aprendí a tejer con cuentas de vidrio simplemente observando a mi padre, que lo hacía como un pasatiempo casual.

Dibujaba y pintaba todo el tiempo desde que tengo memoria, y durante la escuela primaria, aprendí a coser y tejer con agujas. Creo que en ese entonces, y probablemente hasta la escuela secundaria, no sentía que todo esto fuera muy relevante o serio en mi vida. Lo veía como un simple pasatiempo porque era algo muy normal en mi rutina diaria, y estaba equivocada.

Estudié Bellas Artes, donde me especialicé en Teoría del Color y Fotografía. Mi programa universitario era muy completo, y durante los dos primeros años tuve que aprender todas las técnicas: dibujo, pintura, grabado, fotografía digital y analógica, video, técnicas mixtas, cerámica, escultura, soldadura por arco, etc. Era obligatorio. Esto ayudó a mantener viva mi curiosidad, lo que más tarde me llevó a preguntarme: "¿Qué tan diferente puede ser pintar sobre la piel con agujas?"

Tan pronto como me gradué, trabajé principalmente con pintura al óleo, fotografía y maquetas de papel hasta que empecé a tatuar.

— Por lo que sabemos, tienes una formación académica en arte. ¿Cómo influyeron tus estudios en tu enfoque del tatuaje?

— Creo que mis estudios me prepararon para una relación y una perspectiva muy diferentes con los materiales y las herramientas, y con el proceso creativo en general. También me dieron el deseo de convertir el tatuaje en pintura, de olvidar que son cosas separadas. Las hice una en mi mente, así que empecé a hacer lo mismo que haría con pintura al óleo, pero a través del tatuaje.

He estudiado mi paleta de colores profundamente durante años y sigo haciéndolo: la calidad de los pigmentos, qué tan estables son después del proceso de curación, etc. He modificado mi paleta con el tiempo, experimentando con muchos colores y diferentes marcas para ver si son similares o no. A veces, por falta de stock, me quedaba sin mis colores favoritos, así que descubrí sus equivalentes en otras marcas para emergencias. Mi conocimiento de los pigmentos también proviene de mis estudios específicos en Pintura, además de mis propias lecturas e investigaciones después de graduarme.

Creo que la pintura es donde las características y propiedades del color, y toda su teoría, se exploran más profundamente, tanto desde una perspectiva física como química. Hoy en día, todo ese conocimiento me ayuda a tomar mejores decisiones para garantizar los resultados que mis clientes esperan, así como a enseñar y comunicar por qué un resultado sería mejor que otro, y cómo los colores interactúan entre sí o con sus tonos de piel.

Mi formación académica también me hizo ver todo como colores y formas dentro de un espacio. Me ayudó a abstraer no solo desde una perspectiva estética, sino también desde el proceso mismo: la forma en que veo, pienso y aplico o modifico metodologías en cualquier técnica. Todo esto me permite lograr resultados de manera más eficiente.

— ¿En qué momento el tatuaje se convirtió en tu profesión? Cuéntanos cuándo y cómo ocurrió esta transición.

— Un año después de graduarme de la universidad, fui aprendiz a tiempo completo en un estudio de tatuajes durante mis vacaciones de verano en 2015. Esto me permitió practicar desde la preparación de la mesa hasta el montaje y desmontaje de mi máquina de bobina. Aprendí a tatuar con máquina primero.

Después de empezar a practicar el tatuaje con y sin máquina, me centré más en independizarme de mis padres, así que dejé de practicar regularmente y busqué un trabajo estable. A principios de 2016, trabajé durante un mes como fotógrafo en una joyería, y al mes siguiente me contrataron como Directora de Arte en una agencia de publicidad, donde mi trabajo implicaba crear maquetas de papel, producir animaciones stop-motion, videos de bricolaje, estilismo de alimentos y otras tareas. Trabajé allí durante un año y medio.

Durante ese año y medio, ocasionalmente tatuaba a un familiar o amigo, hasta que un día uno de mis compañeros descubrió que podía tatuar y me pidió que lo tatuara. Ese fue el primer paso que lo cambió todo, y honestamente, nunca lo hubiera imaginado, porque también elegí tatuarlo sin máquina, lo que significó reconectarme con el handpoke, algo que había practicado menos en ese momento.

Al día siguiente, la noticia se corrió, y poco a poco empecé a recibir nuevos encargos, así que decidí tatuar en mis días libres. En solo un par de meses, me di cuenta de que realmente disfrutaba tatuando, que lo extrañaba, y la verdad es que no había estado disfrutando de mi trabajo por un tiempo. Me sentía un poco estancada en la agencia, muy limitada en mi desarrollo creativo. Recuerdo caminar constantemente a casa pensando: "¿De qué sirve haber estudiado arte si no lo estoy practicando? No estudié esto solo para no hacerlo. Lo estoy desperdiciando. Nada de esto tiene sentido".

Lo pensé durante otro mes, casi convencida de renunciar. Lo hablé primero con mi círculo íntimo: mis mejores amigos, uno de mis hermanos y mi mamá. Mi hermano me dijo: “Imagina el escenario ideal para tu trabajo actual, con ideas emocionantes, más libertad y un salario mucho más alto. ¿Serías feliz?” Dije que no. Luego me dijo: “Y si te pagaran diez veces tu salario, ¿sería suficiente para hacerte feliz?” Para mí, la respuesta siempre fue no.

Renuncié a mi trabajo en agosto de 2017, sin ahorros, sin nada. Solo mi deseo de pintar en cada superficie posible y ganarme la vida con el arte. Todo valió la pena, y aquí estamos.

— Muchos artistas dicen que el tatuaje se aprende principalmente a través de la práctica. En tu opinión, ¿qué tan importante es el conocimiento teórico —como la teoría del color, la composición y los fundamentos del arte— para un tatuador?

— Aunque estoy completamente de acuerdo con esa afirmación, creo que también hay un aspecto menos explorado, o quizás menos discutido, basado en estereotipos tradicionales sobre cómo se debe aprender una técnica, no solo el tatuaje. Creo que ciertos estereotipos a veces se romantizan, lo que impide una perspectiva completa de las cosas y sus posibilidades. Por alguna razón, que me molesta, a pesar de lo antiguo que es el arte del tatuaje, no se reconoce como una disciplina formal. Esto se ha perpetuado durante siglos.

Durante un tiempo, yo misma mantuve mi mente compartimentada, como si todo lo que estudiaba no tuviera nada que ver con el tatuaje, y me sentí muy tonta y avergonzada después, porque tiene todo que ver. El tatuaje es pictórico, es ilustrativo, e incluso podría considerarse escultórico para mí, trabajando con un diseño bidimensional en una superficie tridimensional. Es una disciplina completa, y en el momento en que dejé de compartimentar mi mente y apliqué toda la teoría y tecnicismos a esta disciplina, mi proceso cambió y todo mi trabajo cambió.

Personalmente, creo que tener conocimientos técnicos y teóricos de una disciplina es inmensamente importante y hace que todo tu proceso sea más eficiente. Tomas decisiones más intencionales y conscientes, y se deja menos al azar.

Creo que muchos artistas aplican la teoría y la técnica de forma intuitiva, y eso no invalida su conocimiento, pero saber por qué haces lo que haces puede incluso cambiar la forma en que observas y cómo propones o desarrollas tus ideas.

La práctica es una parte crucial del proceso —la práctica hace al maestro, ¿verdad?— pero la teoría también es esencial, y no deben considerarse por separado. Definitivamente, ambas son fundamentales para nuestro desarrollo.

A veces también pienso que quizás solo hay una idea errónea de lo que es la teoría y lo que no es, y que tal vez estamos hablando de lo mismo, solo con un nombre diferente. Entender cómo funcionan las cosas y de qué están hechas —máquinas, agujas, tintas, piel— es pura teoría.

— ¿Cómo influye tu comprensión de la teoría del color en la forma en que diseñas tatuajes y eliges paletas para diferentes tonos de piel?

— Es básicamente una de las columnas vertebrales de mi trabajo, independientemente del estilo o los elementos con los que quiera componer, ya sea en color o en escala de grises.

Creo que representa el 50% de mi trabajo. Lo uso de principio a fin; ya ni siquiera es algo en lo que tenga que pensar o decidir. Es tan natural como respirar o parpadear; simplemente existe como una extensión de mí. Pero sí tengo pasos a seguir.

Para minimizar el margen de error en proyectos personalizados, envío a mis clientes una paleta de colores con tonos de referencia para que puedan determinar dónde se encuentra su tono de piel. Su respuesta no los excluye, ni el color es exacto, porque la pantalla proyecta luz y la piel la absorbe, pero me ayuda a entender el rango de luz con el que puedo trabajar al desarrollar un diseño, tomar decisiones técnicas en consecuencia y, según el caso, explicar por qué deberíamos cambiar algunos colores para lograr lo que buscan.

Por supuesto, si recibo solicitudes de colores que no son viables para sus tonos de piel, no les mentiré y les explicaré que no es una buena idea, que no destacará, etc., para que también entiendan cómo funciona la teoría en la realidad, o a menudo para desmentir mitos sobre el color en los tatuajes o los tonos de piel.

La composición juega un papel crucial en la pintura y la ilustración. ¿Cómo aplicas los principios compositivos cuando trabajas con el cuerpo humano como lienzo?

— Compongo dos veces: primero en el diseño y luego en el cuerpo.

Sigo los principios básicos de la composición —unidad y equilibrio—, además del objetivo de cada diseño: si habrá dinamismo o no, movimiento, ritmo, virtualidad, estática, etc., y cómo mantener la misma sensación al incorporarlo al cuerpo. Las curvas y volúmenes del cuerpo influyen en el diseño; considero los movimientos de los músculos y, por supuesto, si hay otros tatuajes en esa zona, cómo interactúan todos los factores entre sí en completa armonía.

Cada vez que compongo un diseño y lo coloco en el cuerpo, mi objetivo es que funcione junto con lo que ya está allí, pero también por separado. Quiero que las piezas se complementen entre sí y que ninguna desmerezca a las otras, para que al observar el "lienzo", la lectura visual sea homogénea, como si todo fuera una única composición en el cuerpo.

Dependiendo del diseño, a veces trabajo en modo "collage", donde tengo diferentes elementos estarcidos —líneas, formas— que luego coloco por separado para que encajen perfectamente en el espacio. Y si el proyecto lo requiere, también hago una mezcla de esténcil y mano alzada.

Conocer y poder usar los principios técnicos de la composición también te permite, a la inversa, crear diseños con puntos de interés específicos si quieres romper el equilibrio. Todo es muy divertido.

— El tatuaje también requiere un profundo conocimiento de materiales y herramientas. ¿Qué aspectos técnicos del oficio crees que los jóvenes tatuadores suelen subestimar?

— Esta es difícil. Diría que el esténcil, y la calidad de los materiales, y cómo influyen en el resultado.

Nunca olvidé una frase de mi mentor: "Tu esténcil debe ser perfecto, de lo contrario, saber tatuar es inútil". Y sí, mantuve ese consejo en mente para siempre.

Si tu esténcil no está bien hecho y luego no se aplica correctamente a la piel, puede afectar negativamente el resultado.

Años de experiencia siempre pueden darte la ventaja de poder improvisar cuando algo se borra, o corregir el esténcil a mano, o incluso ajustar la aplicación o transición de diferentes tonos dentro de las áreas dibujadas, pero no es algo que debamos intentar al principio si no tenemos un dominio firme de todos los aspectos de esta técnica.

Además, con el tiempo, dependiendo de tu estilo, aprendes a crear tus propias formas de diferenciar áreas con sombreado, relleno o textura, y entiendes tu propio lenguaje de pautas en tu esténcil.

Y sobre los materiales, sé por experiencia personal que al principio no siempre es asequible conseguir mejores herramientas o tintas basándose en su calidad, porque no son baratas cuando estás aprendiendo como aprendiz.

Pero vale la pena invertir, y a la larga, cuando tengas más estabilidad financiera, escatimar en gastos en lugar de invertir en tus materiales no debería ser negociable.

Para mí, la diferencia más notable radica en las agujas y las tintas: en la calidad del pigmento, la opacidad del color, su fluidez o si pierde saturación durante el proceso de curación. ¿Cambia el color mientras estoy tatuando? ¿Cambia el color después del proceso de curación? ¿Qué tan rápido cambia y cómo? ¿Se vuelve más cálido? ¿Menos brillante? Etc.

Y con las agujas, está la resistencia y la fuerza que tienen dependiendo de lo que necesite hacer con ellas, y también el filo. ¿Qué tan consistente es el tamaño de mi aguja? ¿Son todas 90-99% similares, o algunas son más anchas que otras? ¿Necesito presionar la aguja con más fuerza cuando uso esta marca? ¿Con qué frecuencia necesito cambiarla porque ya no inyecta la tinta de la misma manera? ¿Esta aguja daña la piel más que otra del mismo tamaño? ¿Qué tan consistente es mi línea? ¿Qué tan suave es el punto?

Por supuesto, lo mismo se aplica a las máquinas: su golpe, peso y potencia.

— ¿Crees que una formación teórica más sólida puede acelerar el progreso de un artista en el tatuaje? ¿De qué manera?

— Absolutamente. Es como una especie de atajo, no porque te saltes pasos en el proceso del tatuaje, sino porque el enfoque es diferente, menos abrumador quizás.

Siento que entender las leyes del dibujo, la composición, la disposición de las formas en el espacio y el uso del color, tanto teórica como prácticamente, te permite aplicar todo ese conocimiento a cualquier superficie bidimensional o tridimensional, independientemente del material, la técnica o el estilo.

Se vuelve un poco más fácil adaptarse a los cambios de superficie y a las inconsistencias de los diferentes materiales.

Toda esa preparación teórica y técnica te ayuda a resolver los desafíos del proceso más rápidamente, por así decirlo.

Pero claro, no es una fórmula perfecta ni la única manera, porque la piel no es papel ni tela, y eso solo se aprende tatuando, practicando y aprendiendo de personas con más años de experiencia que tú, haciendo preguntas e intercambiando información, que para mí es precisamente la teoría del tatuaje.

— Tus tatuajes son conocidos por sus colores vibrantes y su enfoque gráfico. ¿Cómo se desarrolló tu estilo visual a lo largo de los años?

— Creo que mi miedo a mostrar lo que realmente quería trabajar fue cambiando gradualmente, y mi confianza en lo que realmente sabía sobre el color y la pintura también cambió.

Cuando decidí poner todo eso sobre la mesa y confiar ciegamente en lo que sí sabía, comencé a prestar más atención y a estudiar lo que no sabía o no entendía: cómo se comporta el color en la piel, su reacción e interacción. Me enfoqué tanto en eso que el aspecto visual se desarrolló orgánicamente.

La pintura se volvió vital para mí; la luz ya era el elemento más importante de mi trabajo, y todo lo que quedaba era encontrar una manera de usar todos los elementos de una forma divertida, simbólica y a menudo íntima.

Revisité mi tesis universitaria de 2013-2014, que trataba sobre el proceso creativo, el uso de la memoria, los recuerdos, los sentidos, el tiempo y cómo traducir eso a un lenguaje visual. La tesis misma me recordó los escritos de Kandinsky sobre composición y color, que había utilizado en mi investigación.

Representar ideas de forma abstracta se siente como poesía visual para mí; de alguna manera, se trata de usar metáforas todo el tiempo. Un color o una forma pueden representar un lugar, un momento, un sentimiento o una persona.

Kandinsky fue, con mucho, la mejor inspiración para impulsar la búsqueda que temía comenzar, pero que estaba tan ansiosa por explorar. Esa es una de las razones por las que mi trabajo se volvió más gráfico.

— ¿Cómo ha evolucionado tu estilo a lo largo de tu carrera? ¿Hubo algún punto de inflexión que cambió significativamente tu dirección artística?

— Creo que fue algo así como una "presencia silenciosa" de mi estilo actual. Siempre he sido una gran admiradora de Claudio Bravo, la Bauhaus, Kandinsky, Yayoi Kusama, Edward Hopper, Monet, entre otros. Lo que más me gustaba de ellos era su uso de la luz, el equilibrio de sus composiciones y sus paletas de colores.

En 2013, cuando ni siquiera planeaba aprender a tatuar, me hice mi primer tatuaje, y quería que fuera un triángulo de pintura marmoleada, sin contornos, solo color. El tatuador me dijo que todo lo que pedía era imposible de hacer porque tenía demasiados detalles, y que no era normal hacer tatuajes sin contornos, que mi idea no era factible.

Después de negociar un rato, accedió a delinearla con el color más claro y simplificarla "un poco". Por supuesto, no obtuve nada parecido a lo que quería, jajaja, aunque no está mal.

Y bueno, no sabía nada de tatuajes, así que le creí. Y es una locura porque, dato curioso, seis o siete años después estaba tatuando ese efecto marmoleado que supuestamente era imposible.

Como siempre he pintado y dibujado en realismo e hiperrealismo, eso predominó en mi trabajo durante mucho tiempo, pero también siempre ha habido una tendencia a trabajar con geometría, teoría del color, minimalismo y arquitectura.

Desde que aprendí a tatuar, he diseñado y trabajado en todo tipo de estilos porque aprendí a la antigua, donde se supone que debes aprender a hacer todo bien, perfectamente. Pero a pesar de intentar ofrecer mis propuestas más minimalistas, abstractas o geométricas al principio, nunca despegaron. Solo tuve la oportunidad de trabajar con mis propias ideas o diseños muy brevemente, hasta 2018 o principios de 2019. En ese momento, los degradados eran lo más abstracto y popular en mi portafolio.

A pesar de querer encontrar nuevas formas de expresar mi arte, siempre he tenido esta dualidad de querer trabajar entre lo figurativo y lo abstracto. Me encanta el hiperrealismo, no puedo evitarlo, pero también amo inmensamente el arte abstracto, y estaba decidida a dedicar más espacio a la abstracción porque llevaba mucho tiempo esperando, queriendo salir a la superficie.

Durante la cuarentena de 2020, tuve la oportunidad de pasar mucho tiempo en mi estudio —una habitación que convertí en mi apartamento para pintar— y me concentré en desarrollar ideas y bocetos que se habían acumulado en mi mente y en mis cuadernos. También tuve mucho tiempo para revisar mis archivos, y en mis fotografías, que he estado tomando diariamente desde que tenía 17 años, encontré un patrón: mis fotografías cotidianas capturan detalles abstractos del mundo, composiciones minimalistas donde a veces el color toma el protagonismo, junto con los ángulos y la luz. Todo encajó, porque de una forma u otra, no importa con qué esté trabajando, ciertos hilos conductores permanecen en mi trabajo.

Silenciosamente, sin miedo ni vergüenza, comencé a pintar mis ideas al óleo. Sentí que tenía que darles vida, así que empecé a compartirlas en mi perfil de Instagram, explicando de qué trataban las composiciones, cómo interpretaba cada elemento, y eso realmente ayudó a las personas que seguían mi trabajo a entender la abstracción en mis diseños. A partir de entonces, decidí dar espacio y prioridad a esa perspectiva. La gente se unió a mí y abrazó mis propuestas cada vez que solicitaban un proyecto personalizado, y poco a poco, el estilo figurativo se fue desvaneciendo.

La mayoría de esas ideas comenzaron en escala de grises. Luego comencé a incorporar detalles de color, pero esa paleta siguió cambiando y creciendo. El color se convirtió naturalmente en el protagonista, también a petición de mis clientes, porque comenzaron a ver los resultados, a ver trabajos que habían sanado con los años, y eso aumentó su confianza en mi trabajo.

Sin duda, el trabajo de otros artistas también me inspiró a querer encontrar mi propio camino. Cada vez que me encontraba con un artista haciendo algo poco convencional en el mundo del tatuaje, tomaba notas, estudiaba y admiraba sus procesos, independientemente de su estilo o técnica.

Recuerdo que en mis inicios, alrededor de 2015-2016, el trabajo de @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk y @dzo_lama me voló la cabeza. Todos estaban haciendo algo diferente, llevando diseños y conceptos más allá de los límites de cada estilo o técnica.

Estoy muy agradecido a todos los artistas que allanaron un camino más flexible para la experimentación.

— ¿Qué proyectos o tatuajes consideras los más importantes técnica o artísticamente en tu portafolio?

— Probablemente las “composiciones abiertas”, porque tienen la característica de funcionar en cualquier orientación sin perder unidad y equilibrio, adaptándose fácilmente a diferentes contextos corporales o tatuajes circundantes.

Es algo que realmente no notarás a menos que te tatúes conmigo o te lo diga, jajaja, pero cuando les muestro estos diseños a mis clientes el día de su cita, se los explico, y no siempre los tatuamos en la orientación original en la que los dibujé.

Crear estas piezas me ayuda a confiar en mi comprensión de las formas dentro de un espacio, y en la adaptabilidad y versatilidad de un diseño bien compuesto.

— ¿Viajas mucho como tatuador? ¿En qué países o estudios has tenido la oportunidad de trabajar?

— Más o menos. Intento viajar al menos una vez al año si es un viaje largo.

Hace cuatro años, tuve la oportunidad de estudiar un año en Barcelona, lo que me permitió ser artista residente en 19:28 Tattoo Parlour, así como visitar varios países de Europa en poco tiempo.

Desde esa experiencia, he intentado mantener un horario constante cada año.

He tenido el privilegio y la oportunidad de visitar Cucu Studio en Buenos Aires, Rayon Noir en París, Akurat Studio en Berlín, Blanco Roto en Barcelona, New Tattoo Studio en Beijing, Sasha Tattooing en París, entre otros.

— ¿Has participado en convenciones de tatuajes? Si es así, ¿cuáles fueron las más memorables para ti?

— Sí. A lo largo de mi carrera, he participado en tres convenciones —Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 y Summer Ink 2024—, pero solo he competido en una, y creo que puedo sacar algo memorable de más de una experiencia por diferentes razones.

Reñaca Ink fue mi primera experiencia en una convención, donde participé “accidentalmente”. Usé el puesto de una amiga porque ella no pudo asistir a último momento, @marialeontattoo. Así que oficialmente no fui parte del line-up de artistas, pero tuve la oportunidad de conocer a grandes artistas chilenos a quienes admiro mucho y que me recibieron cálidamente como parte de su equipo. Le tengo mucho cariño al equipo de Nomade Tattoo Studio de Viña del Mar, Chile.

Y Summer Ink fue mi primera vez participando en una competencia. Estaba muy nerviosa, pero también muy emocionada de poder mostrar la técnica handpoke en una convención tan importante, y gané el 2º lugar en la categoría Tiny Tattoo. ¡Fue una experiencia increíble!

— Finalmente, ¿en qué estás trabajando actualmente y cuáles son tus planes para el futuro cercano?

— Ummm... Bueno, siento que mi trabajo en general está en constante progreso. Siempre estoy investigando, estudiando, imaginando, y cada día pienso, “¿Qué hago ahora?”, “¿Qué viene después?”, “¿Cómo puedo hacerlo diferente?” Pero creo que lo que más destaca ahora mismo es que estoy buscando trabajar en piezas más grandes y en áreas del cuerpo más complejas en las que no estoy acostumbrada a trabajar, y por esa razón he empezado a publicar composiciones más grandes y complejas para mí.

¿Y planes? Por el momento, me gustaría volver a visitar Asia, ojalá regresar a Europa, y quizás añadir algunos destinos nuevos este año, pero vamos paso a paso.