L'artiste tatoueur Yevhen Dikov est un artiste avec plus de vingt ans d'expérience, dont la carrière l'a conduit d'une petite ville de Crimée à la scène internationale du tatouage. Ayant commencé à travailler au début des années 2000, il a progressivement développé une approche reconnaissable du réalisme, en le combinant avec une composition expressive, des éléments de collage et un travail audacieux avec la couleur et la lumière.
Au fil des ans, Yevhen a participé à de nombreuses conventions de tatouage et a reçu plusieurs prix professionnels. Depuis 2019, il travaille activement en tant qu'invité dans divers endroits en Europe, et aujourd'hui, il accueille les clients dans son propre studio privé Dikovinktattoo à Kassel, en Allemagne, où les clients viennent pour des projets de réalisme à grande échelle, des portraits et des compositions complexes.
Dans cette interview, nous avons parlé avec Yevhen de son parcours dans le tatouage, de la recherche de son propre langage visuel, et de la manière dont l'expérience des conventions, des voyages et du travail dans différents pays a influencé son style et son approche des grands projets de tatouage.
Yevhen, bonjour ! Comment avez-vous atterri à Kassel ? D'où venez-vous à l'origine ?
— J'ai grandi à Kerch, en Crimée — une petite ville où le tatouage est progressivement passé d'un hobby à une profession pour moi. Je suis passé de l'équipement fait maison et du manque d'information à des projets de réalisme sérieux, des conventions internationales et des prix professionnels.
Depuis 2019, j'ai commencé à travailler régulièrement dans des lieux d'accueil en Europe. Au début, il s'agissait de courts voyages pour l'expérience et de nouvelles connexions, mais avec le temps, j'ai presque arrêté de retourner dans ma ville natale et j'ai passé environ deux ans à voyager constamment d'un pays à l'autre, observant comment la culture du tatouage se développait dans différentes parties de l'Europe.
Racontez-nous comment vous vous êtes lancé dans le tatouage. Depuis combien de temps travaillez-vous ?
— Cela fait déjà 23 ans que j'ai fait mon premier tatouage. J'ai eu une fibre créative aussi loin que je m'en souvienne : j'ai étudié dans une école d'art, donc le dessin a toujours fait partie de ma vie. Un été, j'ai trouvé un petit boulot pour dessiner des tatouages temporaires sur la plage, et c'est là que le processus a attiré mon attention pour la première fois : travailler tout en appréciant ce que vous faites.
À partir de ce moment, mon intérêt pour le tatouage n'a cessé de croître. J'ai acheté des livres et des magazines thématiques, imprimé des catalogues, et je suis finalement passé à mes premières « expériences » avec des tatouages permanents sur des amis et des connaissances. Plus tard, j'ai obtenu un emploi dans un salon local — au début, je voulais simplement y travailler un moment, mais à mesure que je m'impliquais davantage dans la partie technique, j'ai suivi une courte formation dans un studio de tatouage et j'ai assisté à ma première convention.
À ce moment-là, il est devenu clair que le tatouage était bien plus qu'un intérêt temporaire — c'était un désir de faire partie d'une culture qui commençait tout juste à se développer à plus grande échelle.
Y a-t-il eu un moment où vous avez réalisé que travailler comme artiste tatoueur serait un parcours à long terme pour vous ?
— Pas immédiatement. Pendant longtemps, j'avais encore l'impression que c'était quelque chose de temporaire — même lorsque j'avais déjà commencé à travailler à temps plein dans un studio.
Les gens autour de moi ne prenaient pas toujours cela au sérieux. Mais quand j'ai voyagé dans une autre ville pour étudier dans un studio de tatouage (même si ce n'était que pour une courte période), tout a changé. Quitter une petite ville et entrer dans l'atmosphère d'un studio professionnel à part entière dans une grande ville a dissipé tous les doutes.
J'ai vu une attitude complètement différente envers la profession - plus sérieuse et professionnelle, tant de la part des artistes que des clients. C'est à ce moment-là que j'ai réalisé que c'était mon chemin, et que l'industrie continuerait de croître et finirait par devenir normale même dans les plus petites villes.
Y a-t-il eu quelqu'un ou quelque chose au début de votre carrière qui a le plus influencé votre goût visuel ?
— Mon goût visuel a été façonné par différents artistes et ressources. Lorsque je me suis intéressé pour la première fois au tatouage, j'ai un jour découvert un magazine très épais. Il présentait un très grand nombre de tatouages colorés d'artistes du monde entier : des pièces de dos, des combinaisons de style japonais, de grandes œuvres organiques. J'étais fasciné par les couleurs vives et saturées, la plasticité des formes et le haut niveau d'exécution.
Plus tard, j'ai découvert le travail de l'artiste H. R. Giger et son style biomécanique, qui à l'époque croisait souvent la culture du tatouage. Les tons monochromes sombres, la palette distinctive et sombre, l'atmosphère et les formes complexes ont influencé ma perception de la composition et de la lumière et de l'ombre.
Quels projets ou étapes de votre carrière considérez-vous comme clés pour vous ?
— Pendant longtemps au début de ma carrière, j'ai travaillé dans le même salon dans ma ville natale. Les gens me connaissaient, et il y avait un flux constant de différents travaux dans divers styles - principalement de petits tatouages, parfois plusieurs clients par jour. Je ne pouvais consacrer une journée qu'à des projets véritablement "créatifs" que rarement. Même après des victoires importantes en convention, j'ai continué à travailler dans le même rythme et au même endroit pendant un certain temps. Mais de plus en plus souvent, je me sentais bloqué à un certain niveau et voulais quelque chose de plus grand.
Le tournant est venu lorsque j'ai décidé d'ouvrir mon propre studio et de changer mon approche du travail. Je me suis concentré sur des projets sérieux, j'ai passé plus de temps en consultations, et j'ai encouragé les clients à choisir des travaux vraiment significatifs. Avec le temps, il y a eu plus de projets à grande échelle, et je suis passé à des séances stables d'au moins cinq à six heures. En un an, la plupart de mes clients voyageaient d'autres villes spécifiquement pour le réalisme et les portraits.
Pendant cette période, j'ai probablement créé le plus grand nombre de projets significatifs dont je suis encore fier aujourd'hui.
Votre croissance en tant qu'artiste est clairement visible dans votre portfolio Instagram depuis 2023 : il y a des couleurs préférées évidentes et un style reconnaissable à travers vos travaux. Dites-nous comment vous avez trouvé votre "propre style".
— Tous ces changements sont le résultat d'une expérience accumulée. Dans ma ville natale, je me suis principalement concentré sur le réalisme classique, où les tatouages entièrement colorés et très réalistes sont plus que tout valorisés.
Plus tard, en travaillant dans des spots invités, j'ai dû travailler plus vite sans perdre en qualité, en utilisant souvent une palette de gris plus restreinte avec des accents vifs. Cela a conduit à une plus grande stylisation : j'ai commencé à m'éloigner des détails excessifs et à m'appuyer davantage sur la couleur et les dégradés tonaux.
J'ai également travaillé sur de nombreuses couvertures complexes où des décisions devaient être prises en une seule séance. Dans de tels projets, la composition est devenue l'outil principal - le travail était construit autour d'un tatouage existant. Cela a renforcé les contrastes, rendu les couleurs plus vives et rendu mon approche de la forme plus structurée. Avec le temps, il est devenu important pour moi non seulement de faire du réalisme, mais de créer mon propre espace d'auteur à l'intérieur.
Maintenant, mon approche est construite sur l'équilibre : le réalisme comme base, mais avec une composition simplifiée et lisible où la couleur sert d'outil pour la profondeur et le contraste.
Comment trouvez-vous l'équilibre entre le réalisme et des éléments plus libres et décoratifs dans une composition ?
— Tout d'abord, je regarde comment le tatouage se lit dans son ensemble et comment il s'adapte anatomiquement et dynamiquement au corps, surtout dans les grands projets. Les éléments abstraits aident à travailler plus souplement avec la forme - ils sont plus faciles à adapter aux courbes du corps.
— J'accorde plus d'attention aux zones centrales en termes de détails et de réalisme, créant un contraste avec des sections décoratives plus simples. Cela permet de garder la composition facile à percevoir, tandis que l'œil du spectateur est immédiatement attiré par le sujet principal.
Qu'est-ce qui compte le plus pour vous dans les grands tatouages - l'image globale ou la capacité à "lire" le tatouage en fragments ?
— Si c'est un seul objet à grande échelle, éventuellement avec de petits fragments de fond, alors l'image globale et son niveau de détail sont plus importants.
Mais dans les œuvres avec de nombreux fragments, il devient essentiel qu'ils fonctionnent sur deux niveaux : les fragments soutiennent la forme et le mouvement les uns des autres, tandis que les éléments de connexion séparent les parties plus grandes et créent le rythme global.
J'aime quand un tatouage se lit clairement de loin et en mouvement - similaire au style japonais - sans que tout ne fusionne en une seule masse, tout en permettant au spectateur de l'explorer en fragments, comme dans le réalisme, en déplaçant l'attention d'une scène à l'autre.
Vous travaillez souvent avec des effets de collage. Qu'est-ce qui vous attire dans le collage et quels problèmes de composition cela aide-t-il à résoudre ?
— Pour moi, le collage est avant tout la liberté - la capacité de combiner des styles et des formes, de connecter des choses qui ne se croiseraient normalement pas dans une composition classique.
J'admire les artistes qui utilisent le collage de manière audacieuse et même chaotique, créant des projets où le réalisme, les éléments de dessin animé, les dessins d'enfants et les lignes simples peuvent coexister dans un seul tatouage. Mais pour moi, c'est surtout un outil.
Surtout dans les projets complexes, cela aide à trouver des solutions de travail plus rapidement : isoler le fragment nécessaire, supprimer les détails inutiles et ne laisser que l'élément principal. Cela facilite le contrôle de la structure de la pièce et le maintien de son intégrité, surtout lorsqu'il y a beaucoup de sujets impliqués.
Parfois, j'utilise des fragments dupliqués - cela ajoute un contraste de couleur et crée une tension, rendant la composition plus expressive.
Vos tatouages portent souvent un sentiment de tension et d'énergie. Quelles émotions essayez-vous de transmettre dans votre travail ?
— Je n’essaie pas intentionnellement d’intégrer une émotion prédéfinie spécifique dans mon travail. Dans mes projets, je joue souvent avec les variations tonales et la température des couleurs — par exemple, des dégradés de nuances gris-bleu combinés avec des tons chauds jaune-orange. Grâce à la dynamique de l’image, cela crée un certain rythme.
Cela m’aide à renforcer le volume et l’expressivité au sein de la composition. Ensuite, cela fonctionne à un niveau intuitif — et chacun le perçoit à sa manière.
Pourquoi êtes-vous intéressé par des thèmes aussi différents — des portraits à l’horreur ?
— J’ai toujours été attiré par l’esthétique de l’horreur dans la culture populaire. Mes premières œuvres de portraits étaient d’ailleurs dans cette direction. L’horreur m’a donné une liberté artistique et une expression — la capacité de travailler avec des tons plus “sales” et des combinaisons de couleurs audacieuses qui sont rarement acceptables dans le portrait classique.
En même temps, travailler sur des portraits est toujours une question de responsabilité et de concentration du réalisme dans une seule pièce : discipline, précision dans la rendu de la lumière, du volume et des proportions. C’est pourquoi la gamme m’intéresse — différents thèmes apportent différents défis, mais le réalisme reste la base et l’espace où je continue de grandir.
Y a-t-il des thèmes auxquels vous revenez sans cesse ?
— Bien sûr, aussi cliché que cela puisse paraître, les portraits, les crânes et les sujets inspirés du cinéma.
Mais ce qui m’attire davantage, ce n’est pas le sujet spécifique lui-même ou la copie directe, mais le travail avec celui-ci au sein de la composition. Récemment, je me suis de plus en plus tourné vers l’esthétique surréaliste — elle permet une plus grande liberté avec la distorsion et le jeu sur l’échelle.
Ce style permet de combiner différentes techniques et d’élargir la gamme de couleurs, renforçant l’atmosphère et ajoutant de la profondeur à l’image. Ainsi, les motifs familiers deviennent plus individuels tout en conservant leur fondement classique.
Quel rôle joue la lumière (surtout le feu) dans vos tatouages ?
— Je cherche toujours des moyens d’introduire des nuances claires et lumineuses, et les effets de lumière me permettent de le faire naturellement. Ces éléments attirent également immédiatement l’attention du spectateur.
L’utilisation d’“éléments brûlants” comme le feu en tant que source de lumière aide à unir la composition en une seule image et à ajouter des reflets sur le sujet principal, le rendant encore plus volumineux. Globalement, cela donne au tatouage plus de profondeur et d’expressivité.
Comment se déroule généralement votre processus de travail ? Par exemple, travailler sur une manche, de la consultation à la finalisation.
— Dans le cas d’une manche, tout commence par une discussion détaillée avec le client : nous analysons l’idée, les éléments clés et l’ampleur du projet. Même si le travail est prévu en plusieurs étapes, je crée toujours une ébauche de l’ensemble de la manche pour comprendre la composition globale et la distribution des sujets.
Généralement, nous définissons l’élément principal où le travail commence. Le plus souvent, il s’agit de l’épaule — la plus grande zone qui établit l’échelle et la hiérarchie du thème. Parfois, nous commençons par l’avant-bras si le client le préfère. Après avoir convenu des références, je prépare plusieurs options pour la zone sélectionnée, incluant toujours une option basée entièrement sur ma propre vision.
Je crée l'esquisse sur une photo du bras du client, en tenant compte de l'anatomie et des options de placement. Pendant le processus, je peux ajuster les accents, simplifier ou renforcer certaines solutions si cela améliore la composition. Le plan principal existe à l'avance, mais je laisse toujours de la place pour l'affinage.
La lumière et la couleur sont prévues dans le schéma général, puis testées pendant le processus de tatouage - vues de loin et en mouvement, en renforçant certains accents et en simplifiant d'autres.
Vous avez participé à de nombreuses conventions. Parlez-nous de votre expérience principale.
— À un stade précoce, les conventions de tatouage représentaient tout pour moi. À l'époque, il y avait peu d'informations en ligne, et la communication en direct avec d'autres artistes était la principale source de connaissances. Au cours d'une année, de nombreuses questions s'accumulaient - de la gestion des couleurs aux nuances de l'équipement - et les conventions étaient l'endroit où vous pouviez discuter de ces choses en personne et vous immerger dans un environnement vraiment inspirant.
La participation aux conventions est toujours importante pour comprendre votre niveau et votre croissance. Au début de ma carrière, j'ai remporté des prix dans les catégories biomécanique, portrait et réalisme. Un moment particulièrement significatif a été la victoire du Grand Prix au Kyiv Tattoo Convention en 2013 - cela a éliminé les doutes internes et a fixé une norme plus élevée pour moi.
Plus tard, j'ai reçu deux prix Best of Day en réalisme au Tattoo Show St. Petersburg 2018. J'espère que ce ne seront pas mes dernières victoires et que bientôt je reviendrai aux conventions, peut-être déjà en Allemagne.
Parlez-nous de votre studio à Kassel - qu'est-ce qui est important pour vous dans cet espace ?
— Il s'agit d'un format de travail privé. Pour moi, l'espace du studio est avant tout une opportunité d'éliminer tout ce qui est superflu et de se concentrer entièrement sur le processus.
Cette indépendance me permet de contrôler mon emploi du temps, de travailler dans un environnement calme et d'éviter de courir après la quantité. Je peux consacrer exactement autant de temps à chaque projet que la qualité l'exige - surtout lorsqu'il s'agit de grandes compositions et de longues sessions.
Il est important pour moi que rien ne distraie du travail et que le rythme soit dicté par le projet lui-même, et non par des circonstances externes.
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