Blekanddots : Comment la théorie des couleurs et la composition façonnent une artiste tatoueuse

Macarena, également connue sous le nom de Maca ou Blekanddots, est une artiste tatoueuse chilienne travaillant à Santiago. Son style repose sur une combinaison d'abstraction, de pensée graphique et d'une approche picturale délicate de la couleur. À travers des formes géométriques, des transitions tonales douces et la couleur, elle crée des tatouages qui semblent soigneusement composés, à la fois en tant qu'images et en tant que formes intégrées au corps.

Cette façon de penser est directement liée à ses fondations artistiques. Dans cette conversation, Macarena réfléchit au rôle de la théorie des couleurs, de la composition et de la connaissance des matériaux dans la formation d'un artiste tatoueur.

Elle ne sépare pas la théorie et la pratique en deux mondes distincts, mais les considère comme des parties inséparables du même processus — un processus qui façonne non seulement la manière dont un artiste apprend, mais aussi comment il grandit, résout les défis techniques et obtient des résultats qui résistent à l'épreuve du temps.

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— Parlez-nous un peu de vous. D'où venez-vous, et où vivez-vous et travaillez-vous actuellement ?

— Bonjour ! Je suis originaire du Chili, j'y suis née et j'y ai grandi, et j'y suis toujours basée. J'ai travaillé dans quelques studios ces 7 dernières années à Santiago, mais j'ai actuellement mon propre espace privé.

— Vous vous décrivez comme une artiste multidisciplinaire. Quelles formes d'art avez-vous pratiquées avant le tatouage ?

— Si mon enfance compte, j'ai expérimenté et appris beaucoup de choses dès mon plus jeune âge.

J'étais une enfant très curieuse, contemplant et observant tout autour de moi, posant d'innombrables questions, et ma mère était toujours prête à m'enseigner ce qu'elle savait chaque fois que je demandais : « Comment fais-tu ça ? », parce que je voulais comprendre comment les choses étaient faites. Elle m'a appris à lire et à écrire dès l'âge de quatre ans en raison de ma fascination pour les mots, à tisser sur un métier à tisser, à broder, à crocheter et à peindre sur mes vêtements. J'ai appris à tisser avec des perles de verre simplement en observant mon père, qui le faisait comme un passe-temps occasionnel.

J'ai dessiné et peint tout le temps aussi loin que je me souvienne, et pendant l'école primaire, j'ai appris à coudre et à tricoter avec des aiguilles. Je pense qu'à l'époque, et probablement jusqu'au lycée, je n'avais pas l'impression que tout cela était très pertinent ou sérieux dans ma vie. Je le voyais comme un simple passe-temps parce que c'était quelque chose de très normal dans ma routine quotidienne, et je me trompais.

J'ai étudié les Beaux-Arts, où je me suis spécialisée en théorie des couleurs et en photographie. Mon programme universitaire était très complet, et pendant les deux premières années, j'ai dû apprendre toutes les techniques : dessin, peinture, gravure, photographie numérique et analogique, vidéo, techniques mixtes, céramique, sculpture, soudure à l'arc, etc. C'était obligatoire. Cela a contribué à maintenir ma curiosité en éveil, ce qui m'a ensuite amenée à me demander : « À quel point peut-il être différent de peindre sur la peau avec des aiguilles ? »

Dès que j'ai obtenu mon diplôme, j'ai travaillé principalement avec la peinture à l'huile, la photographie et les maquettes en papier jusqu'à ce que je commence le tatouage.

— Autant que nous sachions, vous avez une formation artistique académique. Comment vos études ont-elles influencé votre approche du tatouage ?

— Je crois que mes études m'ont préparée à une relation et une perspective très différentes sur les matériaux et les outils, et sur le processus créatif en général. Elles m'ont aussi donné le désir de transformer le tatouage en peinture, d'oublier que ce sont des choses séparées. Je les ai unifiées dans mon esprit, alors j'ai commencé à faire la même chose que je ferais avec de la peinture à l'huile, mais à travers le tatouage.

J'ai étudié ma palette de couleurs en profondeur pendant des années et je continue de le faire : la qualité des pigments, leur stabilité après le processus de guérison, et ainsi de suite. J'ai modifié ma palette au fil du temps, expérimentant de nombreuses couleurs et différentes marques pour voir si elles étaient similaires ou non. Parfois, en raison d'un manque de stock, je manquais de mes couleurs préférées, alors j'ai découvert leurs équivalents dans d'autres marques pour les urgences. Ma connaissance des pigments provient également de mes études spécifiques en Peinture, en plus de mes propres lectures et recherches après l'obtention de mon diplôme.

Je pense que la peinture est le domaine où les caractéristiques et les propriétés de la couleur, et toute sa théorie, sont explorées le plus profondément, tant d'un point de vue physique que chimique. Aujourd'hui, toutes ces connaissances m'aident à prendre de meilleures décisions pour garantir les résultats que mes clients attendent, ainsi qu'à enseigner et à communiquer pourquoi un résultat serait meilleur qu'un autre, et comment les couleurs interagissent entre elles ou avec les tons de leur peau.

Mon parcours académique m'a également fait voir tout comme des couleurs et des formes dans un espace. Cela m'a aidé à abstraire non seulement d'un point de vue esthétique, mais aussi du processus lui-même — la façon dont je vois, pense et applique ou modifie les méthodologies dans n'importe quelle technique. Tout cela me permet d'obtenir des résultats plus efficacement.

— À quel moment le tatouage est-il devenu votre profession ? Racontez-nous quand et comment cette transition s'est produite.

— Un an après avoir obtenu mon diplôme universitaire, j'ai fait un apprentissage à temps plein dans un studio de tatouage pendant mes vacances d'été en 2015. Cela m'a permis de pratiquer tout, de la mise en place de la table à l'assemblage et au démontage de ma machine à bobine. J'ai d'abord appris à tatouer avec une machine.

Après avoir commencé à pratiquer le tatouage avec et sans machine, je me suis davantage concentré sur mon indépendance vis-à-vis de mes parents, alors j'ai arrêté de pratiquer régulièrement et j'ai cherché un emploi stable. Début 2016, j'ai travaillé pendant un mois comme photographe dans une bijouterie, et le mois suivant, j'ai été embauché comme directeur artistique dans une agence de publicité, où mon travail consistait à créer des maquettes en papier, à produire des animations en stop-motion, des vidéos de bricolage, du stylisme culinaire et d'autres tâches. J'y ai travaillé pendant un an et demi.

Pendant cette année et demie, je tatouais occasionnellement un membre de ma famille ou un ami, jusqu'au jour où l'un de mes coéquipiers a découvert que je pouvais tatouer et m'a demandé de le tatouer. Ce fut le premier pas qui a tout changé, et honnêtement, je n'aurais jamais imaginé cela, car j'ai aussi choisi de le tatouer sans machine, ce qui signifiait renouer avec le handpoke, quelque chose que j'avais le moins pratiqué à l'époque.

Le lendemain, la nouvelle s'est répandue, et petit à petit, j'ai commencé à recevoir de nouvelles commandes, alors j'ai décidé de tatouer pendant mes jours de congé. En seulement quelques mois, j'ai réalisé que j'aimais vraiment tatouer, que cela me manquait, et la vérité est que je n'appréciais plus mon travail depuis un certain temps. Je me sentais un peu bloqué à l'agence, très limité dans mon développement créatif. Je me souviens de rentrer constamment chez moi en pensant : « À quoi bon avoir étudié l'art si je ne le pratique pas ? Je n'ai pas étudié cela juste pour ne pas le faire. Je le gâche. Rien de tout cela n'a de sens. »

J'y ai réfléchi pendant un mois de plus, presque convaincue d'arrêter. J'en ai d'abord parlé à mon cercle intime – mes meilleurs amis, un de mes frères et ma mère. Mon frère m'a dit : « Imagine le scénario idéal pour ton emploi actuel, avec des idées excitantes, plus de liberté et un salaire beaucoup plus élevé. Serais-tu heureuse ? » J'ai dit non. Puis il a dit : « Et si tu étais payée dix fois ton salaire, est-ce que ce serait suffisant pour te rendre heureuse ? » Pour moi, la réponse était toujours non.

J'ai quitté mon emploi en août 2017, sans économies, sans rien. Juste mon désir de peindre sur toutes les surfaces possibles et de vivre de l'art. Tout en valait la peine, et nous voilà.

— Beaucoup d'artistes disent que le tatouage s'apprend principalement par la pratique. Selon vous, quelle est l'importance des connaissances théoriques — comme la théorie des couleurs, la composition et les fondamentaux de l'art — pour un tatoueur ?

— Bien que je sois entièrement d'accord avec cette affirmation, je crois qu'il y a aussi un aspect moins exploré, ou peut-être moins discuté, basé sur les stéréotypes traditionnels sur la façon dont une technique — pas seulement le tatouage — devrait être apprise. Je pense que certains stéréotypes sont parfois romancés, ce qui empêche une perspective complète sur les choses et leurs possibilités. Pour une raison qui me dérange, malgré l'ancienneté de l'art du tatouage, il n'est pas reconnu comme une discipline formelle. Cela s'est perpétué pendant des siècles.

Pendant un certain temps, j'ai moi-même compartimenté mon esprit, comme si tout ce que j'avais étudié n'avait rien à voir avec le tatouage, et je me suis sentie très stupide et honteuse plus tard, parce que cela a tout à voir. Le tatouage est pictural, il est illustratif, et il pourrait même être considéré comme sculptural pour moi — travailler avec un dessin bidimensionnel sur une surface tridimensionnelle. C'est une discipline complète, et au moment où j'ai arrêté de compartimenter mon esprit et que j'ai appliqué toute la théorie et les aspects techniques à cette discipline, mon processus a changé et tout mon travail a changé.

Personnellement, je crois qu'avoir des connaissances techniques et théoriques d'une discipline est immensément important et rend tout votre processus plus efficace. Vous prenez des décisions plus intentionnelles et conscientes, et moins est laissé au hasard.

Je pense que de nombreux artistes appliquent intuitivement la théorie et la technique, et cela ne rend pas leurs connaissances moins valides, mais savoir pourquoi vous faites ce que vous faites peut même changer la façon dont vous observez et comment vous proposez ou développez vos idées.

La pratique est une partie cruciale du processus — la pratique rend parfait, n'est-ce pas ? — mais la théorie est également essentielle, et elles ne devraient pas être considérées séparément. Les deux sont absolument fondamentales pour notre développement.

Parfois, je pense aussi que peut-être il y a juste une idée fausse de ce qu'est la théorie et de ce qu'elle n'est pas, et que peut-être nous parlons de la même chose, juste avec un nom différent. Comprendre comment les choses fonctionnent et de quoi elles sont faites — machines, aiguilles, encres, peau — c'est de la pure théorie.

— Comment votre compréhension de la théorie des couleurs influence-t-elle la façon dont vous concevez les tatouages et choisissez les palettes pour les différentes carnations ?

— C'est fondamentalement l'une des pierres angulaires de mon travail, quel que soit le style ou les éléments avec lesquels je veux composer, que ce soit en couleur ou en niveaux de gris.

Je crois que cela représente 50% de mon travail. Je l'utilise du début à la fin ; ce n'est même plus quelque chose auquel je dois penser ou décider. C'est aussi naturel que de respirer ou de cligner des yeux ; cela existe simplement comme une extension de moi. Mais j'ai des étapes à suivre.

Pour minimiser la marge d'erreur dans les projets personnalisés, j'envoie à mes clients une palette de couleurs avec des tons de référence afin qu'ils puissent déterminer où se situe leur teint. Leur réponse ne les exclut pas, et la couleur n'est pas exacte, car l'écran projette de la lumière et la peau l'absorbe, mais cela m'aide à comprendre la gamme de lumière avec laquelle je peux travailler lors du développement d'un design, à prendre des décisions techniques en conséquence, et, selon le cas, à expliquer pourquoi nous devrions changer certaines couleurs pour obtenir ce qu'ils recherchent.

Bien sûr, si je reçois des demandes de couleurs qui ne sont pas viables pour leur teint, je ne leur mentirai pas, et j'expliquerai que ce n'est pas une bonne idée, que ça ne ressortira pas, etc., afin qu'ils comprennent aussi comment la théorie fonctionne en réalité, ou souvent pour démystifier les mythes sur la couleur dans les tatouages ou les teints de peau.

La composition joue un rôle crucial en peinture et en illustration. Comment appliquez-vous les principes de composition lorsque vous travaillez avec le corps humain comme toile ?

— Je compose deux fois : d'abord dans le design, puis sur le corps.

Je suis les principes de base de la composition — unité et équilibre — en plus de l'objectif de chaque design : s'il y aura du dynamisme ou non, du mouvement, du rythme, de la virtualité, de la statique, etc., et comment maintenir la même sensation en l'incorporant sur le corps. Les courbes et les volumes du corps influencent le design ; je prends en compte les mouvements des muscles et, bien sûr, s'il y a d'autres tatouages dans cette zone, comment tous les facteurs interagissent les uns avec les autres en parfaite harmonie.

Chaque fois que je compose un design et que je le place sur le corps, mon objectif est qu'il fonctionne avec ce qui est déjà là, mais aussi séparément. Je veux que les pièces se complètent et qu'aucune ne nuise aux autres, de sorte que, lorsque l'on observe la « toile », la lecture visuelle soit homogène, comme si tout était une seule composition sur le corps.

Selon le design, je travaille parfois en mode « collage », où j'ai différents éléments pochoir — lignes, formes — que je place ensuite séparément pour qu'ils s'adaptent parfaitement à l'espace. Et si le projet l'exige, je fais aussi un mélange de pochoir et de main levée.

Connaître et pouvoir utiliser les principes techniques de composition permet aussi, inversement, de créer des designs avec des points d'intérêt spécifiques si l'on veut rompre l'équilibre. C'est très amusant.

— Le tatouage exige également une connaissance approfondie des matériaux et des outils. Quels aspects techniques du métier pensez-vous que les jeunes tatoueurs sous-estiment souvent ?

— C'est une question difficile. Je dirais le pochoir, et la qualité des matériaux, et comment ils influencent le résultat.

Je n'ai jamais oublié une phrase de mon mentor : « Ton pochoir doit être parfait, sinon savoir tatouer est inutile. » Et oui, j'ai gardé ce conseil à l'esprit pour toujours.

Si votre pochoir n'est pas bien fait et qu'il n'est pas correctement appliqué sur la peau, cela peut affecter négativement le résultat.

Des années d'expérience peuvent toujours vous donner l'avantage de pouvoir improviser lorsque quelque chose s'efface, ou de corriger le pochoir à la main, ou même d'ajuster l'application ou la transition de différents tons dans les zones dessinées, mais ce n'est pas quelque chose que nous devrions tenter au début si nous ne maîtrisons pas tous les aspects de cette technique.

De plus, avec le temps, selon votre style, vous apprenez à créer vos propres façons de différencier les zones avec des ombres, des remplissages ou des textures, et vous comprenez votre propre langage de lignes directrices dans votre pochoir.

Et en ce qui concerne le matériel, je sais par expérience personnelle qu'au début, il n'est pas toujours abordable d'obtenir de meilleurs outils ou encres en fonction de leur qualité, car ils ne sont pas bon marché lorsque vous apprenez en tant qu'apprenti.

Mais cela vaut la peine d'investir, et à long terme, lorsque vous avez plus de stabilité financière, lésiner sur les dépenses au lieu d'investir dans votre matériel ne devrait pas être négociable.

Pour moi, la différence la plus notable réside dans les aiguilles et les encres : dans la qualité du pigment, l'opacité de la couleur, son flux, ou si elle perd de sa saturation pendant le processus de guérison. La couleur change-t-elle pendant que je tatoue ? La couleur change-t-elle après le processus de guérison ? À quelle vitesse change-t-elle, et comment ? Devient-elle plus chaude ? Moins lumineuse ? Etc.

Et avec les aiguilles, il y a la résistance et la force qu'elles ont selon ce que je dois faire avec elles, et aussi le tranchant. Quelle est la cohérence de la taille de mon aiguille ? Sont-elles toutes similaires à 90-99%, ou certaines sont-elles plus larges que d'autres ? Dois-je pousser l'aiguille plus fort lorsque j'utilise cette marque ? À quelle fréquence dois-je la changer parce qu'elle n'injecte plus l'encre de la même manière ? Cette aiguille endommage-t-elle la peau plus qu'une autre de la même taille ? Quelle est la cohérence de ma ligne ? À quel point le point est-il lisse ?

Bien sûr, il en va de même pour les machines : leur course, leur poids et leur puissance.

— Croyez-vous qu'une formation théorique plus solide peut accélérer les progrès d'un artiste en tatouage ? De quelles manières ?

— Absolument. C'est comme une sorte de raccourci — non pas parce que vous sautez des étapes dans le processus de tatouage, mais parce que l'approche est différente, moins accablante peut-être.

J'ai le sentiment que comprendre les lois du dessin, de la composition, de l'arrangement des formes dans l'espace et de l'utilisation de la couleur, tant théoriquement que pratiquement, permet d'appliquer toutes ces connaissances à n'importe quelle surface bidimensionnelle ou tridimensionnelle, quels que soient le matériau, la technique ou le style.

Il devient un peu plus facile de s'adapter aux changements de surface et aux incohérences des différents matériaux.

Toute cette préparation théorique et technique vous aide à résoudre plus rapidement les défis du processus, pour ainsi dire.

Mais bien sûr, ce n'est pas une formule parfaite ou la seule voie, car la peau n'est pas du papier ou du tissu, et on n'apprend cela qu'en tatouant, en pratiquant et en apprenant des personnes ayant plus d'années d'expérience que vous, en posant des questions et en échangeant des informations, ce qui pour moi est précisément la théorie du tatouage.

— Vos tatouages sont connus pour leurs couleurs vibrantes et leur approche graphique. Comment votre style visuel a-t-il évolué au fil des ans ?

— Je pense que ma peur de montrer ce sur quoi je voulais vraiment travailler a progressivement changé, et ma confiance en ce que je savais réellement sur la couleur et la peinture a également évolué.

Lorsque j'ai décidé de mettre tout cela sur la table et de faire aveuglément confiance à ce que je savais, j'ai commencé à prêter plus d'attention et à étudier ce que je ne savais pas ou ne comprenais pas : comment la couleur se comporte sur la peau, sa réaction et son interaction. Je me suis tellement concentré là-dessus que l'aspect visuel s'est développé organiquement.

La peinture est devenue essentielle pour moi ; la lumière était déjà l'élément le plus important de mon travail, et il ne restait plus qu'à trouver un moyen d'utiliser tous les éléments de manière amusante, symbolique et souvent intime.

J'ai revisité ma thèse universitaire de 2013-2014, qui traitait du processus créatif, de l'utilisation de la mémoire, des souvenirs, des sens, du temps, et de la manière de traduire cela dans un langage visuel. La thèse elle-même m'a rappelé les écrits de Kandinsky sur la composition et la couleur, que j'avais utilisés dans mes recherches.

Représenter des idées de manière abstraite me semble être de la poésie visuelle ; d'une certaine manière, il s'agit d'utiliser constamment des métaphores. Une couleur ou une forme peut représenter un lieu, un moment, un sentiment ou une personne.

Kandinsky a été de loin la meilleure inspiration pour stimuler la recherche que j'avais peur de commencer, mais que j'étais si désireux d'explorer. C'est l'une des raisons pour lesquelles mon travail est devenu plus graphique.

— Comment votre style a-t-il évolué au cours de votre carrière ? Y a-t-il eu des tournants qui ont significativement changé votre direction artistique ?

— Je pense que c'était comme une « présence silencieuse » de mon style actuel. J'ai toujours été un grand fan de Claudio Bravo, du Bauhaus, de Kandinsky, de Yayoi Kusama, d'Edward Hopper, de Monet, entre autres. Ce que j'aimais le plus chez eux, c'était leur utilisation de la lumière, l'équilibre de leurs compositions et leurs palettes de couleurs.

En 2013, alors que je n'avais même pas l'intention d'apprendre à tatouer, j'ai eu mon premier tatouage, et je voulais que ce soit un triangle de peinture marbrée, sans contours, juste de la couleur. Le tatoueur m'a dit que tout ce que je demandais était impossible à réaliser parce qu'il y avait trop de détails, et qu'il n'était pas normal de faire des tatouages sans contours, que mon idée n'était pas réalisable.

Après avoir négocié un moment, il a accepté de le délimiter avec la couleur la plus claire et de le simplifier « un peu ». Bien sûr, je n'ai rien obtenu de ce que je voulais, hahaha, même si ce n'est pas terrible.

Et bon, je ne connaissais rien aux tatouages, alors je l'ai cru. Et c'est fou parce que, anecdote amusante, six ou sept ans plus tard, je tatouais cet effet marbré qui était soi-disant impossible.

Comme j'ai toujours peint et dessiné dans le réalisme et l'hyperréalisme, cela a prédominé dans mon travail pendant longtemps, mais il y a aussi toujours eu une tendance à travailler avec la géométrie, la théorie des couleurs, le minimalisme et l'architecture.

Depuis que j'ai appris à tatouer, j'ai conçu et travaillé dans toutes sortes de styles parce que j'ai appris à l'ancienne, où l'on est censé tout faire bien, parfaitement. Mais malgré mes tentatives de proposer mes propositions plus minimalistes, abstraites ou géométriques au début, elles n'ont jamais décollé. Je n'ai eu l'occasion de travailler avec mes propres idées ou designs que très brièvement, jusqu'en 2018 ou début 2019. À ce moment-là, les dégradés étaient la chose la plus abstraite et la plus populaire de mon portfolio.

Malgré mon désir de trouver de nouvelles façons d'exprimer mon art, j'ai toujours eu cette dualité de vouloir travailler entre le figuratif et l'abstrait. J'adore l'hyperréalisme, je n'y peux rien, mais j'aime aussi immensément l'art abstrait, et j'étais déterminé à consacrer plus d'espace à l'abstraction car elle attendait depuis longtemps, voulant faire surface.

Pendant la quarantaine de 2020, j'ai eu l'occasion de passer beaucoup de temps dans mon atelier — une pièce que j'ai aménagée dans mon appartement pour peindre — et je me suis concentré sur le développement d'idées et d'esquisses qui s'étaient accumulées dans mon esprit et dans mes carnets de croquis. J'ai également eu amplement le temps de revoir mes archives, et dans mes photographies, que je prends quotidiennement depuis mes 17 ans, j'ai trouvé un motif : mes photographies quotidiennes capturent des détails abstraits du monde, des compositions minimalistes où parfois la couleur occupe le devant de la scène, ainsi que les angles et la lumière. Tout a cliqué, car d'une manière ou d'une autre, peu importe ce sur quoi je travaille, certains fils conducteurs demeurent dans mon travail.

Silencieusement, sans peur ni honte, j'ai commencé à peindre mes idées à l'huile. J'ai senti que je devais leur donner vie, alors j'ai commencé à les partager sur mon profil Instagram, expliquant le sujet des compositions, comment j'interprétais chaque élément, et cela a vraiment aidé les personnes qui suivaient mon travail à comprendre l'abstraction de mes créations. À partir de là, j'ai décidé de donner de l'espace et de la priorité à cette perspective. Les gens m'ont rejoint et ont adhéré à mes propositions chaque fois qu'ils demandaient un projet personnalisé, et petit à petit, le style figuratif s'est estompé.

La plupart de ces idées ont commencé en niveaux de gris. Puis j'ai commencé à incorporer des détails de couleur, mais cette palette n'a cessé de changer et de grandir. La couleur est naturellement devenue le protagoniste, également à la demande de mes clients, car ils ont commencé à voir les résultats, à voir un travail qui avait guéri au fil des ans, et cela a augmenté leur confiance en mon travail.

Sans aucun doute, le travail d'autres artistes m'a également inspiré à vouloir trouver ma propre voie. Chaque fois que je rencontrais un artiste faisant quelque chose de non conventionnel dans le monde du tatouage, je prenais des notes, j'étudiais et j'admirais leurs processus, quel que soit leur style ou leur technique.

Je me souviens qu'à mes débuts, vers 2015-2016, le travail de @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk et @dzo_lama m'a époustouflé. Ils faisaient tous quelque chose de différent, poussant les designs et les concepts au-delà des limites de chaque style ou technique.

Je suis très reconnaissant à tous les artistes qui ont ouvert une voie plus flexible à l'expérimentation.

— Quels projets ou tatouages considérez-vous comme les plus importants techniquement ou artistiquement dans votre portfolio ?

— Probablement les « compositions ouvertes », car elles ont la caractéristique de fonctionner dans n'importe quelle orientation sans perdre d'unité et d'équilibre, s'adaptant facilement à différents contextes corporels ou tatouages environnants.

C'est quelque chose que vous ne remarquerez pas vraiment à moins de vous faire tatouer par moi ou que je vous le dise, hahaha, mais quand je montre ces dessins à mes clients le jour de leur rendez-vous, je les explique, et nous ne les tatouons pas toujours dans l'orientation originale dans laquelle je les ai dessinés.

La création de ces pièces m'aide à faire confiance à ma compréhension des formes dans un espace, et à l'adaptabilité et la polyvalence d'un design bien composé.

— Voyagez-vous beaucoup en tant que tatoueur ? Dans quels pays ou studios avez-vous eu l'occasion de travailler ?

— En quelque sorte. J'essaie de voyager au moins une fois par an si c'est un long voyage.

Il y a quatre ans, j'ai eu l'occasion d'étudier pendant un an à Barcelone, ce qui m'a permis d'être artiste résident au 19:28 Tattoo Parlour, ainsi que de visiter plusieurs pays d'Europe en peu de temps.

Depuis cette expérience, j'ai essayé de maintenir un emploi du temps cohérent chaque année.

J'ai eu le privilège et l'opportunité de visiter Cucu Studio à Buenos Aires, Rayon Noir à Paris, Akurat Studio à Berlin, Blanco Roto à Barcelone, New Tattoo Studio à Pékin, Sasha Tattooing à Paris, entre autres.

— Avez-vous participé à des conventions de tatouage ? Si oui, lesquelles ont été les plus mémorables pour vous ?

— Oui. Tout au long de ma carrière, j'ai participé à trois conventions — Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 et Summer Ink 2024 — mais je n'ai concouru qu'à une seule, et je pense que je peux retenir quelque chose de mémorable de plus d'une expérience pour différentes raisons.

Reñaca Ink a été ma première expérience de convention, où j'ai participé "accidentellement". J'ai utilisé la place d'une amie parce qu'elle ne pouvait pas y assister à la dernière minute, @marialeontattoo. Donc officiellement, je ne faisais pas partie de la liste des artistes, mais j'ai eu l'occasion de rencontrer de grands artistes chiliens que j'admire beaucoup et qui m'ont chaleureusement accueillie au sein de leur équipe. J'ai beaucoup d'affection pour l'équipe du Nomade Tattoo Studio de Viña del Mar, Chili.

Et Summer Ink a été ma première participation à un concours. J'étais très nerveuse, mais aussi très excitée de pouvoir présenter la technique du handpoke lors d'une convention aussi importante, et j'ai remporté la 2ème place dans la catégorie Tiny Tattoo. Ce fut une expérience incroyable !

— Enfin, sur quoi travaillez-vous actuellement et quels sont vos projets pour un avenir proche ?

— Ummm... Eh bien, je sens que mon travail est généralement en constante évolution. Je fais toujours des recherches, j'étudie, j'imagine, et chaque jour je me dis : "Qu'est-ce que je fais maintenant ?", "Qu'est-ce qui vient après ?", "Comment puis-je le faire différemment ?" Mais je pense que ce qui ressort le plus en ce moment, c'est que je cherche à travailler sur des pièces plus grandes et des zones du corps plus complexes sur lesquelles je n'ai pas l'habitude de travailler, et pour cette raison, j'ai commencé à publier des compositions plus grandes et plus complexes pour moi-même.

Et des projets ? Pour le moment, j'aimerais visiter à nouveau l'Asie, j'espère retourner en Europe, et peut-être ajouter de nouvelles destinations cette année, mais nous y allons pas à pas.