23 anni nel tatuaggio: il realismo firmato Yevhen Dikov

L'artista del tatuaggio Yevhen Dikov è un artista con più di vent'anni di esperienza, la cui carriera lo ha portato da una piccola città della Crimea alla scena internazionale del tatuaggio. Avendo iniziato a lavorare all'inizio degli anni 2000, ha gradualmente sviluppato un approccio riconoscibile al realismo, combinandolo con una composizione espressiva, elementi di collage e un lavoro audace con il colore e la luce.

Nel corso degli anni, Yevhen ha partecipato a numerose convention di tatuaggi e ha ricevuto diversi premi professionali. Dal 2019 lavora attivamente come ospite in vari luoghi d'Europa, e oggi accoglie i clienti nel suo studio privato Dikovinktattoo a Kassel, in Germania, dove i clienti si rivolgono a lui per progetti di realismo su larga scala, ritratti e composizioni complesse.

In questa intervista abbiamo parlato con Yevhen del suo percorso nel tatuaggio, della ricerca del suo linguaggio visivo e di come l'esperienza delle convention, dei viaggi e del lavoro in diversi paesi abbia influenzato il suo stile e il suo approccio ai grandi progetti di tatuaggio.

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Yevhen, ciao! Come sei finito a Kassel? Da dove vieni?

— Sono cresciuto a Kerch, in Crimea — una piccola città dove il tatuaggio è gradualmente passato da hobby a professione per me. Sono passato da attrezzature fatte in casa e mancanza di informazioni a progetti di realismo serio, convention internazionali e premi professionali.

Dal 2019 ho iniziato a lavorare regolarmente come ospite in vari luoghi d'Europa. All'inizio erano viaggi brevi per fare esperienza e creare nuove connessioni, ma col tempo ho quasi smesso di tornare nella mia città natale e ho trascorso circa due anni viaggiando costantemente da un paese all'altro, osservando come la cultura del tatuaggio si sviluppava in diverse parti d'Europa.

Raccontaci come hai iniziato con i tatuaggi. Da quanto tempo lavori?

— Sono già passati 23 anni da quando ho fatto il mio primo tatuaggio. Ho sempre avuto una spinta creativa: ho studiato in una scuola d'arte, quindi il disegno è sempre stato parte della mia vita. Un'estate ho trovato un piccolo lavoro disegnando tatuaggi temporanei in spiaggia, ed è stato allora che il processo ha attirato per la prima volta la mia attenzione: lavorare mentre si gode veramente di ciò che si fa.

Da quel momento il mio interesse per il tatuaggio è cresciuto. Ho comprato libri e riviste tematiche, cataloghi stampati, e alla fine sono passato ai miei primi "esperimenti" con tatuaggi permanenti su amici e conoscenti. Più tardi ho trovato lavoro in un salone locale — inizialmente volevo solo lavorare lì per un po', ma man mano che mi sono coinvolto di più nella parte tecnica, ho completato una breve formazione in uno studio di tatuaggi e ho partecipato alla mia prima convention.

A quel punto è stato chiaro che il tatuaggio era molto più di un interesse temporaneo — era il desiderio di diventare parte di una cultura che stava appena iniziando a crescere su scala più ampia.

C'è stato un momento in cui hai realizzato che lavorare come artista del tatuaggio sarebbe stato un percorso a lungo termine per te?

— Non immediatamente. Per molto tempo ho ancora avuto la sensazione che fosse qualcosa di temporaneo — anche quando avevo già iniziato a lavorare a tempo pieno in uno studio.

Le persone intorno a me non prendevano sempre la cosa sul serio. Ma quando ho viaggiato in un'altra città per studiare in uno studio di tatuaggi (anche se era solo per un breve periodo), tutto è cambiato. Lasciare una piccola città ed entrare nell'atmosfera di uno studio professionale a tutti gli effetti in una grande città ha dissipato tutti i dubbi.

Ho visto un atteggiamento completamente diverso verso la professione – più serio e professionale, sia da parte degli artisti che dei clienti. È stato allora che ho capito che questa era la mia strada, e che l'industria avrebbe continuato a crescere e sarebbe diventata normale anche nelle città più piccole.

C'è stato qualcuno o qualcosa all'inizio della tua carriera che ha influenzato di più il tuo gusto visivo?

— Il mio gusto visivo è stato plasmato da diversi artisti e risorse. Quando mi sono interessato per la prima volta ai tatuaggi, ho trovato una volta una rivista molto spessa. Presentava un enorme numero di tatuaggi colorati di artisti di tutto il mondo: tatuaggi sulla schiena, bodysuit in stile giapponese, grandi opere organiche. Ero affascinato dai colori vivaci e saturi, dalla plasticità delle forme e dall'alto livello di esecuzione.

In seguito ho scoperto il lavoro dell'artista H. R. Giger e il suo stile biomeccanico, che all'epoca spesso si intersecava con la cultura dei tatuaggi. Le tonalità monocromatiche scure, la palette cupa distintiva, l'atmosfera e le forme complesse hanno influenzato la mia percezione della composizione e della luce e dell'ombra.

Quali progetti o fasi della tua carriera consideri fondamentali per te?

— Per molto tempo all'inizio della mia carriera ho lavorato nello stesso salone nella mia città natale. La gente mi conosceva lì, e c'era un flusso costante di diversi lavori in vari stili – per lo più tatuaggi piccoli, a volte diversi clienti al giorno. Solo occasionalmente potevo dedicare una giornata a progetti veramente "creativi". Anche dopo importanti vittorie alle convention, ho continuato a lavorare nello stesso ritmo e nello stesso posto per un po' di tempo. Ma sempre più spesso mi sentivo bloccato a un livello e volevo qualcosa di più grande.

Il punto di svolta è arrivato quando ho deciso di aprire il mio studio e cambiare il mio approccio al lavoro. Mi sono concentrato su progetti seri, ho dedicato più tempo alle consulenze e ho incoraggiato i clienti a scegliere lavori veramente significativi. Con il tempo ci sono stati più progetti su larga scala e sono passato a sessioni stabili di almeno cinque o sei ore. In un anno la maggior parte dei miei clienti viaggiava da altre città appositamente per il realismo e i ritratti.

Durante quel periodo ho creato probabilmente il maggior numero di progetti significativi di cui sono ancora orgoglioso oggi.

La tua crescita come artista è chiaramente visibile nel tuo portfolio Instagram dal 2023: ci sono evidenti preferenze di colore e uno stile riconoscibile in tutto il tuo lavoro. Raccontaci come hai trovato il tuo "stile personale".

— Tutti questi cambiamenti sono il risultato dell'esperienza accumulata. Nella mia città natale, mi sono concentrato principalmente sul realismo classico, dove i tatuaggi completamente colorati e altamente realistici sono apprezzati sopra ogni cosa.

In seguito, lavorando in guest spot, ho dovuto lavorare più velocemente senza perdere qualità, spesso utilizzando una palette di grigi più contenuta con accenti vivaci. Questo ha portato a una maggiore stilizzazione: ho iniziato ad allontanarmi dai dettagli eccessivi e a fare affidamento maggiormente sul colore e sulle gradazioni tonali.

Ho anche lavorato a molti coperture complesse in cui le decisioni dovevano essere prese durante una singola sessione. In questi progetti la composizione è diventata lo strumento principale: il lavoro è stato costruito intorno a un tatuaggio esistente. Questo ha rafforzato i contrasti, reso i colori più audaci e reso il mio approccio alla forma più strutturato. Con il tempo è diventato importante per me non solo fare realismo, ma creare il mio spazio autoriale al suo interno.

Ora il mio approccio si basa sull'equilibrio: il realismo come base, ma con una composizione semplificata e leggibile in cui il colore funziona come strumento per la profondità e il contrasto.

Come trovi l'equilibrio tra realismo e elementi più liberi e decorativi in una composizione?

— Prima di tutto guardo come il tatuaggio si legge nel suo complesso e come si adatta anatomicamente e dinamicamente al corpo, soprattutto nei progetti di grandi dimensioni. Gli elementi astratti aiutano a lavorare in modo più flessibile con la forma: sono più facili da adattare alle curve del corpo.

— Do più attenzione alle aree centrali in termini di dettaglio e realismo, creando un contrasto con le sezioni decorative più semplici. Questo mantiene la composizione facile da percepire, mentre l'occhio dell'osservatore è immediatamente attirato dal soggetto principale.

Cosa conta di più per te nei tatuaggi di grandi dimensioni: l'immagine complessiva o la capacità di "leggere" il tatuaggio in frammenti?

— Se si tratta di un oggetto di grandi dimensioni, possibilmente con piccoli frammenti di sfondo, allora l'immagine complessiva e il suo livello di dettaglio sono più importanti.

Ma nelle opere con molti frammenti diventa essenziale che funzionino su due livelli: i frammenti supportano la forma e il movimento reciproco, mentre gli elementi di collegamento separano le parti più grandi e creano il ritmo complessivo.

Mi piace quando un tatuaggio si legge chiaramente da lontano e in movimento: simile allo stile giapponese, senza che tutto si fonda in una massa unica, ma permettendo allo stesso tempo all'osservatore di esplorarlo in frammenti, come nel realismo, spostando l'attenzione da una scena all'altra.

Spesso lavori con effetti di collage. Cosa ti attrae in esso e quali problemi compositivi aiuta a risolvere?

— Per me il collage è principalmente libertà: la capacità di combinare stili e forme, di collegare cose che normalmente non si intersecano nella composizione classica.

Ammiro gli artisti che usano il collage in modo audace e persino caotico, creando progetti in cui il realismo, gli elementi dei fumetti, i disegni dei bambini e le linee semplici possono coesistere in un unico tatuaggio. Ma per me è principalmente uno strumento.

In particolare nei progetti complessi aiuta a trovare soluzioni di lavoro più velocemente: isolare il frammento necessario, rimuovere i dettagli superflui e lasciare solo l'elemento grande. Questo rende più facile controllare la struttura dell'opera e mantenere la sua integrità, soprattutto quando ci sono molti soggetti coinvolti.

A volte uso frammenti duplicati: questo aggiunge contrasto di colore e crea tensione, rendendo la composizione più espressiva.

I tuoi tatuaggi spesso trasmettono un senso di tensione ed energia. Quali emozioni cerchi di trasmettere nel tuo lavoro?

— Non cerco intenzionalmente di incorporare una specifica emozione predefinita nel lavoro. Nei miei progetti spesso gioco con i cambiamenti tonali e la temperatura dei colori — ad esempio, gradienti da tonalità grigio-blu combinate con tonalità calde giallo-arancio. Attraverso la dinamica dell'immagine questo crea un certo ritmo.

Questo mi aiuta a migliorare il volume e l'espressività all'interno della composizione. Dopo di che funziona a livello intuitivo — e ognuno lo percepisce a modo suo.

Perché sei interessato a temi così diversi — dai ritratti all'horror?

— Sono sempre stato attratto dall'estetica horror nella cultura pop. Le mie prime opere di ritratto erano effettivamente in quella direzione. L'horror mi ha dato libertà artistica ed espressione — la possibilità di lavorare con tonalità più "sporche" e combinazioni di colori audaci che raramente sono accettabili nel ritratto classico.

Allo stesso tempo, lavorare con i ritratti è sempre una questione di responsabilità e concentrazione del realismo in un'unica opera: disciplina, precisione nella resa della luce, del volume e delle proporzioni. È per questo che la gamma è interessante per me — temi diversi portano diverse sfide, ma il realismo rimane la base e lo spazio in cui continuo a crescere.

Ci sono temi a cui torni di nuovo e di nuovo?

— Certo, banale come può sembrare, ritratti, teschi e soggetti ispirati al cinema.

Ma ciò che mi attrae di più non è il soggetto specifico stesso o la copia diretta, ma lavorare con esso all'interno della composizione. Recentemente torno sempre più all'estetica surrealista — permette una maggiore libertà con la distorsione e il gioco di scala.

Questo stile rende possibile combinare diverse tecniche e ampliare la gamma di colori, rafforzando l'atmosfera e aggiungendo profondità all'immagine. Di conseguenza, i motivi familiari diventano più individuali pur mantenendo la loro base classica.

Quale ruolo gioca la luce (soprattutto il fuoco) nei tuoi tatuaggi?

— Cerco sempre modi per introdurre tonalità pulite e luminose, e gli effetti di illuminazione mi permettono di farlo in modo naturale. Questi elementi attirano immediatamente l'attenzione dell'osservatore.

Utilizzare elementi "brucianti" come il fuoco come fonte di luce aiuta a unire la composizione in un'unica immagine e ad aggiungere riflessi sul soggetto principale, facendolo apparire ancora più volumetrico. Nel complesso, questo dà al tatuaggio più profondità ed espressività.

Come procede di solito il tuo flusso di lavoro? Ad esempio, lavorare a una manica dal consulto alla conclusione.

— Nel caso di una manica tutto inizia con una discussione dettagliata con il cliente: analizziamo l'idea, gli elementi chiave e la scala del progetto. Anche se il lavoro è pianificato in fasi, creo comunque una bozza grezza di tutta la manica per capire la composizione complessiva e la distribuzione dei soggetti.

Di solito definiamo l'elemento principale da cui iniziare il lavoro. Più spesso è la spalla — la zona più grande che stabilisce la scala e la gerarchia del tema. A volte iniziamo con l'avambraccio se il cliente lo preferisce. Dopo aver concordato i riferimenti, preparo diverse opzioni per l'area selezionata, includendo sempre un'opzione interamente basata sulla mia visione.

Creo lo schizzo su una foto del braccio del cliente, tenendo conto dell'anatomia e delle opzioni di posizionamento. Durante il processo posso modificare gli accenti, semplificare o rafforzare alcune soluzioni se migliorano la composizione. Il piano principale esiste in anticipo, ma lascio sempre spazio per il perfezionamento.

La luce e il colore sono pianificati nello schema generale e poi testati durante il processo di tatuaggio — visti da una distanza e in movimento, rafforzando alcuni accenti e semplificando altri.

Hai partecipato a molte convention. Raccontaci la tua esperienza principale.

— In una fase iniziale le convention di tatuaggi significavano tutto per me. All'epoca c'erano poche informazioni online e la comunicazione dal vivo con altri artisti era la principale fonte di conoscenza. Nel corso di un anno si accumulavano molte domande — dal lavoro con i colori alle sfumature dell'attrezzatura — e le convention erano il posto dove potevi discutere queste cose di persona e immergerti in un ambiente veramente ispirazionale.

La partecipazione alle convention è ancora importante per comprendere il proprio livello e la propria crescita. All'inizio della mia carriera ho vinto premi nelle categorie biomeccaniche, ritratto e realismo. Un momento particolarmente significativo è stata la vittoria del Gran Premio alla Kyiv Tattoo Convention nel 2013 — ha eliminato i dubbi interiori e ha fissato un benchmark più alto per me.

In seguito ho ricevuto due premi Best of Day nel realismo al Tattoo Show St. Petersburg 2018. Spero che questi non siano le mie ultime vittorie e che presto tornerò alle convention, possibilmente già in Germania.

Raccontaci del tuo studio a Kassel — cosa è importante per te in questo spazio?

— È un formato di lavoro privato. Per me lo spazio dello studio è prima di tutto un'opportunità per eliminare tutto ciò che è superfluo e concentrarmi interamente sul processo.

Questa indipendenza mi permette di controllare il mio programma, lavorare in un ambiente tranquillo e evitare di inseguire la quantità. Posso dedicare esattamente il tempo necessario a ogni progetto come la qualità richiede — soprattutto quando si tratta di composizioni grandi e sessioni lunghe.

È importante per me che nulla distragga dal lavoro e che il ritmo sia dettato dal progetto stesso, non dalle circostanze esterne.