Blekanddots: Come la teoria del colore e la composizione plasmano un tatuatore

Macarena, conosciuta anche come Maca o Blekanddots, è una tatuatrice cilena che lavora a Santiago. Il suo stile si basa su una combinazione di astrazione, pensiero grafico e un delicato approccio pittorico al colore. Attraverso forme geometriche, morbide transizioni tonali e colore, crea tatuaggi che risultano accuratamente composti sia come immagini che come forme integrate nel corpo.

Questo modo di pensare è direttamente collegato alla sua formazione artistica. In questa conversazione, Macarena riflette sul ruolo della teoria del colore, della composizione e della conoscenza dei materiali nella formazione di un tatuatore.

Non separa teoria e pratica in due mondi diversi, ma le vede come parti inseparabili dello stesso processo — un processo che plasma non solo il modo in cui un artista impara, ma anche come cresce, risolve sfide tecniche e raggiunge risultati che resistono alla prova del tempo.

— Raccontaci un po' di te. Da dove vieni e dove vivi e lavori attualmente?

— Ciao! Sono cilena, nata e cresciuta qui, e sono ancora qui. Ho lavorato in un paio di studi negli ultimi 7 anni a Santiago, ma attualmente ho il mio spazio privato.

— Ti descrivi come un'artista multidisciplinare. Con quali forme d'arte hai iniziato prima di tatuare?

— Se la mia infanzia può essere considerata, ho sperimentato e imparato molte cose fin da giovanissima.

Ero una bambina molto curiosa, contemplavo e osservavo tutto ciò che mi circondava, facevo innumerevoli domande, e mia madre era sempre disposta a insegnarmi ciò che sapeva ogni volta che chiedevo: "Come si fa?". Volevo capire come venivano fatte le cose. Mi ha insegnato a leggere e scrivere dall'età di quattro anni per la mia fascinazione per le parole, a tessere al telaio, a ricamare, a lavorare all'uncinetto e a dipingere sui miei vestiti. Ho imparato a tessere con perline di vetro semplicemente osservando mio padre, che lo faceva come hobby occasionale.

Ho disegnato e dipinto in continuazione fin da quando ricordo, e durante la scuola elementare ho imparato a cucire e a lavorare a maglia con gli aghi. Penso che allora, e probabilmente fino al liceo, non sentissi che tutto questo fosse molto rilevante o serio nella mia vita. Lo vedevo come un semplice hobby perché era qualcosa di molto normale nella mia routine quotidiana, e mi sbagliavo.

Ho studiato Belle Arti, dove mi sono specializzata in Teoria del Colore e Fotografia. Il mio programma universitario era molto completo, e per i primi due anni ho dovuto imparare tutte le tecniche: disegno, pittura, incisione, fotografia digitale e analogica, video, tecniche miste, ceramica, scultura, saldatura ad arco, ecc. Era obbligatorio. Questo ha contribuito a mantenere viva la mia curiosità, che in seguito mi ha portato a chiedermi: "Quanto può essere diverso dipingere sulla pelle con gli aghi?"

Appena laureata, ho lavorato principalmente con la pittura a olio, la fotografia e i modelli di carta fino a quando non ho iniziato a tatuare.

— Per quanto ne sappiamo, hai una formazione accademica in arte. Come hanno influenzato i tuoi studi il tuo approccio al tatuaggio?

— Credo che i miei studi mi abbiano preparato a una relazione e a una prospettiva molto diverse con i materiali e gli strumenti, e con il processo creativo in generale. Mi hanno anche dato il desiderio di trasformare il tatuaggio in pittura, di dimenticare che sono cose separate. Le ho rese una cosa sola nella mia mente, così ho iniziato a fare la stessa cosa che avrei fatto con la pittura a olio, ma attraverso il tatuaggio.

Ho studiato a fondo la mia tavolozza di colori per anni e continuo a farlo: la qualità dei pigmenti, quanto sono stabili dopo il processo di guarigione e così via. Ho modificato la mia tavolozza nel tempo, sperimentando molti colori e diverse marche per vedere se fossero simili o meno tra loro. A volte, a causa della mancanza di scorte, rimanevo senza i miei colori preferiti, così ho scoperto i loro equivalenti in altre marche per le emergenze. La mia conoscenza dei pigmenti deriva anche dai miei studi specifici in Pittura, oltre alle mie letture e ricerche personali dopo la laurea.

Credo che la pittura sia il campo in cui le caratteristiche e le proprietà del colore, e tutta la sua teoria, vengono esplorate più a fondo, sia da un punto di vista fisico che chimico. Oggi, tutta questa conoscenza mi aiuta a prendere decisioni migliori per garantire i risultati che i miei clienti si aspettano, oltre a insegnare e comunicare perché un risultato sarebbe migliore di un altro, e come i colori interagiscono tra loro o con i loro toni della pelle.

Il mio background accademico mi ha anche fatto vedere tutto come colori e forme all'interno di uno spazio. Mi ha aiutato ad astrarre non solo da una prospettiva estetica, ma anche dal processo stesso, ovvero il modo in cui vedo, penso e applico o modifico le metodologie in qualsiasi tecnica. Tutto questo mi permette di ottenere risultati in modo più efficiente.

— In quale momento il tatuaggio è diventato la tua professione? Raccontaci quando e come è avvenuta questa transizione.

— Un anno dopo essermi laureato all'università, ho fatto un apprendistato a tempo pieno in uno studio di tatuaggi durante le mie vacanze estive nel 2015. Questo mi ha permesso di praticare tutto, dall'allestimento del tavolo all'assemblaggio e smontaggio della mia macchinetta a bobina. Ho imparato a tatuare prima con una macchinetta.

Dopo aver iniziato a praticare il tatuaggio con e senza macchinetta, mi sono concentrato maggiormente sull'indipendenza dai miei genitori, quindi ho smesso di praticare regolarmente e ho cercato un lavoro stabile. All'inizio del 2016, ho lavorato per un mese come fotografo in una gioielleria, e il mese successivo sono stato assunto come Art Director in un'agenzia pubblicitaria, dove il mio lavoro consisteva nel creare modelli di carta, produrre animazioni stop-motion, video DIY, food styling e altri compiti. Ho lavorato lì per un anno e mezzo.

Durante quell'anno e mezzo, occasionalmente tatuavo un membro della famiglia o un amico, finché un giorno uno dei miei colleghi ha scoperto che sapevo tatuare e mi ha chiesto di tatuarlo. Quello è stato il primo passo che ha cambiato tutto, e onestamente, non l'avrei mai immaginato, perché ho anche scelto di tatuarlo senza macchinetta, il che significava riconnettermi con l'handpoke, una tecnica che avevo praticato meno in quel momento.

Il giorno dopo, la voce si è sparsa, e a poco a poco ho iniziato a ricevere nuove commissioni, così ho deciso di tatuare nei miei giorni liberi. In un paio di mesi, mi sono reso conto che mi piaceva molto tatuare, che mi mancava, e la verità è che non mi divertivo più al mio lavoro da un po'. Mi sentivo un po' bloccato in agenzia, molto limitato nel mio sviluppo creativo. Ricordo di tornare a casa costantemente pensando: "A cosa serve aver studiato arte se non la pratico? Non ho studiato per non fare questo. Lo stavo sprecando. Niente di tutto questo ha senso."

Ci ho pensato per un altro mese, quasi convinta di licenziarmi. Ne ho parlato prima con la mia cerchia ristretta: i miei migliori amici, uno dei miei fratelli e mia madre. Mio fratello mi ha detto: "Immagina lo scenario ideale per il tuo attuale lavoro, con idee entusiasmanti, più libertà e uno stipendio molto più alto. Saresti felice?" Ho detto di no. Poi ha detto: "E se ti pagassero dieci volte il tuo stipendio, sarebbe abbastanza per renderti felice?" La mia risposta è stata sempre no.

Mi sono licenziata nell'agosto 2017, senza risparmi, senza niente. Solo il mio desiderio di dipingere su ogni superficie possibile e di vivere d'arte. Ne è valsa la pena, ed eccoci qui.

— Molti artisti dicono che il tatuaggio si impara principalmente con la pratica. Secondo te, quanto è importante la conoscenza teorica — come la teoria del colore, la composizione e i fondamenti dell'arte — per un tatuatore?

— Anche se sono completamente d'accordo con questa affermazione, credo che ci sia anche un aspetto meno esplorato, o forse meno discusso, basato su stereotipi tradizionali su come una tecnica — non solo il tatuaggio — dovrebbe essere appresa. Penso che certi stereotipi siano a volte romanticizzati, il che impedisce una prospettiva completa sulle cose e sulle loro possibilità. Per qualche ragione, che mi infastidisce, nonostante quanto sia antica l'arte del tatuaggio, non è riconosciuta come una disciplina formale. Questo è stato perpetuato per secoli.

Per un po', io stessa ho mantenuto la mia mente compartimentata, come se tutto ciò che avevo studiato non avesse nulla a che fare con il tatuaggio, e in seguito mi sono sentita molto sciocca e vergognosa, perché ha tutto a che fare con esso. Il tatuaggio è pittorico, è illustrativo, e per me potrebbe persino essere considerato scultoreo — lavorare con un disegno bidimensionale su una superficie tridimensionale. È una disciplina completa, e nel momento in cui ho smesso di compartimentare la mia mente e ho applicato tutta la teoria e le tecnicalità a questa disciplina, il mio processo è cambiato e tutto il mio lavoro è cambiato.

Personalmente, credo che avere conoscenze tecniche e teoriche di una disciplina sia immensamente importante e renda l'intero processo più efficiente. Si prendono decisioni più intenzionali e consapevoli, e meno è lasciato al caso.

Penso che molti artisti applichino intuitivamente teoria e tecnica, e questo non rende la loro conoscenza meno valida, ma sapere il perché di ciò che si fa può persino cambiare il modo in cui si osserva e come si propongono o si sviluppano le proprie idee.

La pratica è una parte cruciale del processo — la pratica rende perfetti, giusto? — ma la teoria è anche essenziale, e non dovrebbero essere considerate separatamente. Sicuramente entrambe sono fondamentali per il nostro sviluppo.

A volte penso anche che forse c'è solo un'idea sbagliata di cosa sia la teoria e cosa non lo sia, e che forse stiamo parlando della stessa cosa, solo con un nome diverso. Capire come funzionano le cose e di cosa sono fatte — macchine, aghi, inchiostri, pelle — è pura teoria.

— In che modo la tua comprensione della teoria del colore influenza il modo in cui progetti i tatuaggi e scegli le palette per i diversi toni della pelle?

— È fondamentalmente una delle colonne portanti del mio lavoro, indipendentemente dallo stile o dagli elementi con cui voglio comporre, sia a colori che in bianco e nero.

Credo che rappresenti il 50% del mio lavoro. La uso dall'inizio alla fine; non è nemmeno qualcosa a cui devo più pensare o decidere. È naturale come respirare o battere le palpebre; esiste semplicemente come un'estensione di me. Ma ho dei passaggi da seguire.

Per ridurre al minimo il margine di errore nei progetti personalizzati, invio ai miei clienti una palette di colori con toni di riferimento in modo che possano determinare dove si colloca il loro tono di pelle. La loro risposta non è vincolante, né il colore è esatto, perché lo schermo proietta luce e la pelle la assorbe, ma mi aiuta a capire la gamma di luce con cui posso lavorare nello sviluppo di un disegno, prendere decisioni tecniche di conseguenza e, a seconda del caso, spiegare perché dovremmo cambiare alcuni colori per ottenere ciò che cercano.

Certo, se ricevo richieste di colori non adatti ai loro toni di pelle, non li illuderò, e spiegherò che non è una buona idea, che non risalterà, ecc., in modo che capiscano anche come la teoria funziona nella realtà, o spesso per sfatare miti sul colore nei tatuaggi o sui toni della pelle.

La composizione gioca un ruolo cruciale nella pittura e nell'illustrazione. Come applichi i principi compositivi quando lavori con il corpo umano come tela?

— Compongo due volte: prima nel disegno, e poi sul corpo.

Seguo i principi base della composizione — unità ed equilibrio — oltre all'obiettivo di ogni disegno: se ci sarà dinamismo o meno, movimento, ritmo, virtualità (o illusione di movimento), staticità, ecc., e come mantenere la stessa sensazione quando lo si incorpora sul corpo. Le curve e i volumi del corpo influenzano il disegno; considero i movimenti dei muscoli e, naturalmente, se ci sono altri tatuaggi in quella zona, come tutti i fattori interagiscono tra loro in completa armonia.

Ogni volta che compongo un disegno e lo posiziono sul corpo, il mio obiettivo è che funzioni insieme a ciò che è già lì, ma anche separatamente. Voglio che i pezzi si completino a vicenda e che nessuno sminuisca gli altri, in modo che osservando la 'tela', la lettura visiva sia omogenea, come se fosse tutta una singola composizione sul corpo.

A seconda del disegno, a volte lavoro in modalità “collage”, dove ho diversi elementi stencil — linee, forme — che poi posiziono separatamente per farli adattare perfettamente allo spazio. E se il progetto lo richiede, faccio anche un mix di stencil e freehand.

Conoscere e saper usare i principi tecnici della composizione ti permette anche, al contrario, di creare disegni con punti di interesse specifici se vuoi rompere l'equilibrio. È tutto molto interessante.

— Il tatuaggio richiede anche una profonda conoscenza dei materiali e degli strumenti. Quali aspetti tecnici del mestiere pensi che i giovani tatuatori spesso sottovalutino?

— Questa è difficile. Direi lo stencil, e la qualità dei materiali, e come influenzano il risultato.

Non ho mai dimenticato una frase del mio mentore: “Il tuo stencil deve essere perfetto, altrimenti saper tatuare non serve a nulla.” E sì, ho tenuto a mente quel consiglio per sempre.

Se il tuo stencil non è ben fatto e poi non è applicato correttamente sulla pelle, può influenzare negativamente il risultato.

Anni di esperienza possono sempre darti il vantaggio di poter improvvisare quando qualcosa viene cancellato, o di correggere lo stencil a mano, o anche di regolare l'applicazione o la transizione di diversi toni all'interno delle aree disegnate, ma non è qualcosa che dovremmo tentare all'inizio se non abbiamo una solida padronanza di tutti gli aspetti di questa tecnica.

Inoltre, col tempo, a seconda del tuo stile, impari a creare i tuoi modi per differenziare le aree con sfumature, riempimenti o texture, e comprendi il tuo linguaggio di linee guida nello stencil.

E per quanto riguarda i materiali, so per esperienza personale che all'inizio non è sempre conveniente procurarsi strumenti o inchiostri migliori in base alla loro qualità, perché non sono economici quando si sta imparando come apprendista.

Ma vale la pena investire, e a lungo termine, quando si ha maggiore stabilità finanziaria, lesinare sulle spese invece di investire nei propri materiali non dovrebbe essere un'opzione.

Per me, la differenza più evidente risiede negli aghi e negli inchiostri: nella qualità del pigmento, nell'opacità del colore, nel suo flusso, o se perde saturazione durante il processo di guarigione. Il colore cambia mentre tatuo? Il colore cambia dopo il processo di guarigione? Quanto velocemente cambia e come? Diventa più caldo? Meno brillante? Ecc.

E con gli aghi, c'è la resistenza e la forza che hanno a seconda di ciò che devo farci, e anche l'affilatura. Quanto è consistente la dimensione del mio ago? Sono tutti simili al 90-99%, o alcuni sono più larghi di altri? Devo spingere l'ago più forte quando uso questa marca? Quanto spesso devo cambiarlo perché non inietta più l'inchiostro allo stesso modo? Questo ago danneggia la pelle più di un altro della stessa dimensione? Quanto è consistente la mia linea? Quanto è liscio il tratto?

Naturalmente, lo stesso vale per le macchinette: il loro tratto, peso e potenza.

— Credi che una formazione teorica più solida possa accelerare il progresso di un artista nel tatuaggio? In quali modi?

— Assolutamente. È come una specie di scorciatoia — non perché si saltino passaggi nel processo di tatuaggio, ma perché l'approccio è diverso, forse meno opprimente.

Sento che comprendere le leggi del disegno, della composizione, della disposizione delle forme nello spazio e dell'uso del colore sia a livello teorico che pratico ti permette di applicare tutta quella conoscenza a qualsiasi superficie bidimensionale o tridimensionale, indipendentemente dal materiale, dalla tecnica o dallo stile.

Diventa un po' più facile adattarsi ai cambiamenti della superficie e alle incongruenze dei diversi materiali.

Tutta quella preparazione teorica e tecnica ti aiuta a risolvere le sfide del processo più rapidamente, per così dire.

Ma ovviamente, non è una formula perfetta o l'unico modo, perché la pelle non è carta o tessuto, e lo impari solo tatuando, praticando e imparando da persone con più anni di esperienza di te, facendo domande e scambiando informazioni, che per me costituisce la vera teoria del tatuaggio.

— I tuoi tatuaggi sono noti per i loro colori vivaci e l'approccio grafico. Come si è sviluppato il tuo stile visivo nel corso degli anni?

— Credo che la mia paura di mostrare ciò su cui volevo davvero lavorare sia gradualmente diminuita, e la mia fiducia in ciò che sapevo davvero sul colore e sulla pittura è cresciuta.

Quando ho deciso di mettere tutto questo sul tavolo e fidarmi ciecamente di ciò che sapevo, ho iniziato a prestare maggiore attenzione e a studiare ciò che non sapevo o non capivo: come si comporta il colore sulla pelle, la sua reazione e interazione. Mi sono concentrato così tanto su questo che l'aspetto visivo si è sviluppato organicamente.

La pittura è diventata vitale per me; la luce era già l'elemento più importante del mio lavoro, e tutto ciò che restava era trovare un modo per usare tutti gli elementi in maniera divertente, simbolica e spesso intima.

Ho ripreso la mia tesi universitaria del 2013-2014, che trattava del processo creativo, dell'uso della memoria, dei ricordi, dei sensi, del tempo e di come tradurre tutto ciò in un linguaggio visivo. La tesi stessa mi ha riportato alla mente gli scritti di Kandinsky sulla composizione e il colore, che avevo utilizzato nella mia ricerca.

Rappresentare le idee in modo astratto mi sembra poesia visiva; in qualche modo, si tratta di usare metafore in continuazione. Un colore o una forma possono rappresentare un luogo, un momento, un sentimento o una persona.

Kandinsky è stato di gran lunga la migliore ispirazione per stimolare la ricerca che avevo paura di iniziare, ma che ero così desiderosa di esplorare. Questo è uno dei motivi per cui il mio lavoro è diventato più grafico.

— Come si è evoluto il tuo stile nel corso della tua carriera? Ci sono stati dei punti di svolta che hanno cambiato significativamente la tua direzione artistica?

— Penso che fosse qualcosa come una "presenza silenziosa" del mio stile attuale. Sono sempre stata una grande fan di Claudio Bravo, del Bauhaus, di Kandinsky, Yayoi Kusama, Edward Hopper, Monet, tra gli altri. Ciò che mi piaceva di più di loro era il loro uso della luce, l'equilibrio delle loro composizioni e le loro tavolozze di colori.

Nel 2013, quando non avevo nemmeno intenzione di imparare a tatuare, mi feci il mio primo tatuaggio, e volevo che fosse un triangolo di pittura marmorizzata, senza contorni, solo colore. Il tatuatore mi disse che tutto ciò che chiedevo era impossibile da realizzare perché aveva troppi dettagli, e che non era normale fare tatuaggi senza contorni, e che la mia idea non era fattibile.

Dopo aver negoziato per un po', accettò di contornarlo con il colore più chiaro e di semplificarlo 'un po''. Certo, non ottenni nulla di simile a quello che volevo, ahah, anche se non è terribile.

E beh, non sapevo nulla di tatuaggi, quindi gli credetti. Ed è pazzesco perché, curiosità, sei o sette anni dopo stavo tatuando quell'effetto marmorizzato che si supponeva fosse impossibile.

Dato che ho sempre dipinto e disegnato con il realismo e l'iperrealismo, questo ha predominato nel mio lavoro per molto tempo, ma c'è sempre stata anche una tendenza a lavorare con la geometria, la teoria del colore, il minimalismo e l'architettura.

Da quando ho imparato a tatuare, ho progettato e lavorato in tutti i tipi di stili perché ho imparato alla vecchia maniera, dove si suppone che tu debba imparare a fare tutto bene, perfettamente. Ma nonostante all'inizio cercassi di proporre le mie idee più minimaliste, astratte o geometriche, non hanno mai riscosso successo. Ho avuto l'opportunità di lavorare con le mie idee o disegni solo per un breve periodo, fino al 2018 o all'inizio del 2019. In quel momento, le sfumature erano la cosa più astratta e popolare del mio portfolio.

Nonostante volessi trovare nuovi modi per esprimere la mia arte, ho sempre avuto questa dualità di voler lavorare tra il figurativo e l'astratto. Amo l'iperrealismo, non posso farne a meno, ma amo immensamente anche l'arte astratta, ed ero determinata a dedicare più spazio all'astrazione perché aspettava da molto tempo, desiderosa di emergere.

Durante la quarantena del 2020, ho avuto l'opportunità di trascorrere molto tempo nel mio studio — una stanza che ho convertito nel mio appartamento per dipingere — e mi sono concentrata sullo sviluppo di idee e schizzi che si erano accumulati nella mia mente e nei miei quaderni. Ho avuto anche molto tempo per rivedere i miei archivi, e nelle mie fotografie, che scatto quotidianamente da quando avevo 17 anni, ho trovato un modello: le mie fotografie quotidiane catturano dettagli astratti del mondo, composizioni minimaliste dove a volte il colore è protagonista, insieme ad angoli e luce. Tutto ha avuto un senso, perché in un modo o nell'altro, qualunque cosa io stia lavorando, certi fili conduttori rimangono nel mio lavoro.

Silenziosamente, senza paura né vergogna, ho iniziato a dipingere le mie idee a olio. Sentivo di doverle portare in vita, così ho iniziato a condividerle sul mio profilo Instagram, spiegando di cosa trattavano le composizioni, come interpretavo ogni elemento, e questo ha davvero aiutato le persone che seguivano il mio lavoro a capire l'astrazione nei miei disegni. Da quel momento in poi, ho deciso di dare spazio e priorità a quella prospettiva. Le persone mi hanno seguito e hanno abbracciato le mie proposte ogni volta che richiedevano un progetto personalizzato, e a poco a poco, lo stile figurativo è svanito.

La maggior parte di quelle idee iniziava in scala di grigi. Poi ho iniziato a incorporare dettagli di colore, ma quella palette continuava a cambiare e crescere. Il colore è diventato naturalmente il protagonista, anche su richiesta dei miei clienti, perché hanno iniziato a vedere i risultati, a vedere lavori che erano guariti nel corso degli anni, e questo ha aumentato la loro fiducia nel mio lavoro.

Senza dubbio, il lavoro di altri artisti mi ha anche ispirato a voler trovare la mia strada artistica. Ogni volta che incontravo un artista che faceva qualcosa di non convenzionale nel mondo del tatuaggio, prendevo appunti, studiavo e ammiravo i loro processi, indipendentemente dal loro stile o tecnica.

Ricordo che nei miei primi giorni, intorno al 2015-2016, il lavoro di @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk e @dzo_lama mi ha lasciato a bocca aperta. Tutti facevano qualcosa di diverso, portando disegni e concetti oltre i confini di ogni stile o tecnica.

Sono molto grato a tutti gli artisti che hanno aperto una strada più flessibile per la sperimentazione.

— Quali progetti o tatuaggi consideri i più importanti tecnicamente o artisticamente nel tuo portfolio?

— Probabilmente le "composizioni aperte", perché hanno la caratteristica di funzionare in qualsiasi orientamento senza perdere unità ed equilibrio, adattandosi facilmente a diversi contesti corporei o tatuaggi preesistenti.

È qualcosa che non noterai davvero a meno che tu non ti faccia un tatuaggio da me o te lo dica io, ahah, ma quando mostro questi disegni ai miei clienti il giorno dell'appuntamento, li spiego, e non sempre li tatuiamo nell'orientamento originale in cui li ho disegnati.

Creare questi pezzi mi aiuta a rafforzare la mia fiducia nella comprensione delle forme all'interno di uno spazio, e nell'adattabilità e versatilità di un design ben composto.

— Viaggi molto come tatuatore? In quali paesi o studi hai avuto l'opportunità di lavorare?

— Più o meno. Cerco di viaggiare almeno una volta all'anno se è un viaggio lungo.

Quattro anni ago, ho avuto l'opportunità di studiare per un anno a Barcellona, il che mi ha permesso di essere un artista residente presso il 19:28 Tattoo Parlour, oltre a visitare diversi paesi in Europa in poco tempo.

Da quell'esperienza, ho cercato di mantenere un programma coerente ogni anno.

Ho avuto il privilegio e l'opportunità di visitare Cucu Studio a Buenos Aires, Rayon Noir a Parigi, Akurat Studio a Berlino, Blanco Roto a Barcellona, New Tattoo Studio a Pechino, Sasha Tattooing a Parigi, tra gli altri.

— Hai partecipato a convention di tatuaggi? Se sì, quali sono state le più memorabili per te?

— Sì. Nel corso della mia carriera, ho partecipato a tre convention — Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 e Summer Ink 2024 — ma ho gareggiato solo in una, e penso di poter trarre qualcosa di memorabile da più di un'esperienza per diverse ragioni.

Reñaca Ink è stata la mia prima esperienza in una convention, dove ho partecipato “accidentalmente”. Ho preso il posto di un'amica perché all'ultimo minuto non poteva partecipare, @marialeontattoo. Quindi ufficialmente non facevo parte della lista degli artisti, ma ho avuto l'opportunità di incontrare alcuni grandi artisti cileni che ammiro molto e che mi hanno accolto calorosamente come parte del loro team. Ho un grande affetto per il team di Nomade Tattoo Studio di Viña del Mar, Cile.

E Summer Ink è stata la prima volta che ho partecipato a una competizione. Ero molto nervosa, ma anche molto entusiasta di poter mostrare la tecnica handpoke in una convention così importante, e ho vinto il 2° posto nella categoria Tiny Tattoo. È stata un'esperienza incredibile!

— Infine, a cosa stai lavorando attualmente e quali sono i tuoi piani per il prossimo futuro?

— Mmm... Beh, sento che il mio lavoro è generalmente in costante progresso. Sono sempre alla ricerca, studio, immagino, e ogni giorno penso: "Cosa faccio adesso?", "Cosa viene dopo?", "Come posso farlo in modo diverso?". Ma penso che ciò che spicca di più in questo momento è che sto cercando di lavorare su pezzi più grandi e su aree del corpo più complesse su cui non sono abituata a lavorare, e per questo ho iniziato a pubblicare composizioni più grandi e complesse che mi riguardano.

E i piani? Per il momento, mi piacerebbe visitare di nuovo l'Asia, spero di tornare in Europa, e magari aggiungere alcune nuove destinazioni quest'anno, ma stiamo andando un passo alla volta.