타투 아티스트 예브헨 디코프는 20년 이상의 경력을 가진 아티스트로, 작은 크리미아 마을에서 국제 타투 씬까지 활동 영역을 넓혀온 인물입니다. 2000년대 초반부터 작업을 시작한 그는 점차 리얼리즘에 대한 독특한 접근 방식을 개발하며, 이를 표현적인 구성, 콜라주 요소, 대담한 색채와 빛의 활용과 결합해왔습니다.
수년간 예브헨은 수많은 타투 컨벤션에 참여하고 수상 경력도 쌓아왔습니다. 2019년부터 유럽 전역의 게스트 스팟에서 활동을 본격화했으며, 현재는 독일 카셀에 위치한 자신의 프라이빗 스튜디오 Dikovinktattoo에서 대형 리얼리즘 프로젝트, 초상화, 복잡한 구성의 작품을 원하는 고객들을 맞이하고 있습니다.
이 인터뷰에서는 예브헨에게 타투 아티스트로서의 진로, 자신만의 시각적 언어 탐구, 그리고 컨벤션과 여행, 다양한 국가에서의 작업 경험들이 그의 스타일과 대형 타투 프로젝트 접근 방식에 어떤 영향을 미쳤는지 이야기를 나누었습니다.
예브헨, 안녕하세요! 카셀에 오게 된 계기는 무엇인가요? 본래는 어디 출신인가요?
— 저는 크리미아의 페르셴에서 자랐습니다. 작은 도시에서 타투는 취미에서 점차 직업으로 발전하게 되었죠. 가정용 장비와 정보 부족에서부터 시작해 리얼리즘 대형 프로젝트, 국제 컨벤션, 수상 경력까지 이르게 되었습니다.
2019년부터 유럽 전역의 게스트 스팟에서 정기적으로 활동을 시작했습니다. 처음엔 경험과 새로운 인맥 확보를 위한 짧은 여행이었지만, 점점 고향으로 돌아가는 횟수가 줄어들어 약 2년간 국가를 이어가며 유럽 각지의 타투 문화 발전을 관찰하며 지내기도 했습니다.
타투 아티스트로서의 시작을 알려주세요. 지금까지 몇 년째 작업하고 있나요?
— 첫 번째 타투를 한 지 23년이 지났습니다. 저는 오래전부터 창의적인 욕구를 가지고 있었는데, 예술학교를 다녔기 때문에 그림 그리기는 삶의 일부였죠. 한 여름에 해변에서 일시 템퍼러리 타투를 그리는 일자리를 얻었고, 그때 작업하면서 실제로 즐거움을 느끼는 경험을 처음으로 하게 되었습니다.
그 순간부터 타투에 대한 관심이 점점 커졌습니다. 관련 서적과 잡지를 구입하고, 카탈로그를 출력하며, 결국 친구들과 지인들에게 영구 타투를 시도하는 단계에 이르렀습니다. 이후 지역 샤워에서 일하게 되었는데, 처음엔 일시적인 일자리로 시작했지만 기술적 측면에 점점 더 몰입하게 되었고, 타투 스튜디오의 짧은 교육 과정을 이수하고 첫 번째 컨벤션에 참가하게 되었습니다.
그 시점에서 타투는 단순한 일시적 관심사가 아니라, 더 넓게 성장하고 있는 문화에 참여하고 싶은 욕구로 바뀌었습니다.
타투 아티스트로서의 장기적인 진로를 결정하게 된 계기는 무엇이었나요?
— 바로 결정된 것은 아니었습니다. 오랫동안 스튜디오에서 전업으로 일하기 시작했음에도 불구하고, 여전히 일시적인 일이라고 느끼는 순간들이 있었습니다.
주변 사람들은 항상 진지하게 받아들이지 않았습니다. 하지만 다른 도시로 이주해 문신 스튜디오에서 공부했을 때(짧은 기간이었지만) 모든 것이 바뀌었습니다. 작은 도시를 떠나 큰 도시의 전문 스튜디오 분위기에 접하면서 의심이 사라졌습니다.
완전히 다른 전문가 태도를 보았습니다. 아티스트와 고객 모두가 더 진지하고 전문적이었죠. 그때 저는 이것이 제 길이라는 것을 깨달았고, 이 산업이 계속 성장해 결국 작은 도시에서도 정상화될 것이라고 느꼈습니다.
경력 초기에 시각적 취향에 가장 큰 영향을 준 인물이나 요소는 무엇이었나요?
— 제 시각적 취향은 다양한 아티스트와 자료들에 의해 형성되었습니다. 문신에 처음 관심을 가질 때 매우 두꺼운 잡지를 발견한 적이 있습니다. 전 세계 아티스트들의 다채로운 문신이 실려 있었죠: 등 부분 문신, 일본 스타일의 바디 수트, 대형 유기적 작품들이었습니다. 밝고 포화된 색상, 형태의 플라스틱성, 그리고 높은 완성도에 매료되었습니다.
이후 H. R. Giger 아티스트의 작품과 생체기계적 스타일을 발견했습니다. 당시 문신 문화와 자주 교차하던 이 스타일은 흑백의 어두운 톤, 독특한 고요한 팔레트, 분위기, 복잡한 형태들이 제 구성과 빛과 그림자의 인식에 큰 영향을 주었습니다.
경력의 어떤 프로젝트나 단계를 가장 중요한 것으로 여기나요?
— 경력 초기 오랫동안 저는 고향의 동일한 샤롱에서 일했습니다. 거기서는 저를 아는 사람들이 있었고, 다양한 스타일의 일들이 꾸준히 들어왔습니다. 대부분 소형 문신이고 하루에 몇 명의 고객이 있었죠. 가끔씩만 진정한 "창의적" 프로젝트에 하루를 할애할 수 있었습니다. 중요한 컨벤션 우승 이후에도 일정 기간 동안은 동일한 리듬과 장소에서 일했습니다. 하지만 점점 더 자주 저는 한계에 부딪혀 더 큰 것을 원하게 되었습니다.
전환점은 제 스튜디오를 열고 일하는 방식을 바꾸기로 한 때였습니다. 저는 진지한 프로젝트에 집중하고, 상담 시간을 늘리며, 고객이 진정한 의미 있는 작품을 선택하도록 격려했습니다. 시간이 지나면서 대규모 프로젝트들이 늘어나고, 최소 5~6시간의 안정된 세션을 가지게 되었습니다. 1년 만에 대부분의 고객들이 리얼리즘과 초상화를 위해 다른 도시에서 특별히 찾아오게 되었습니다.
그 시기에는 지금까지도 자랑스럽게 여겨지는 중요한 프로젝트들을 가장 많이 창조했습니다.
2023년 이후 인스타그램 포트폴리오에서 아티스트로서의 성장이 분명히 보입니다. 색상 선호도와 일관된 스타일이 있습니다. "자신의 스타일"을 어떻게 찾았나요?
— 이러한 변화들은 축적된 경험의 결과입니다. 고향에서는 주로 클래식 리얼리즘에 집중했는데, 완전히 색칠된 고도의 리얼리즘 문신이 가장 중요시 되었습니다.
이후 객원 스튜디오에서 일할 때는 품질을 유지하면서 더 빠르게 작업해야 했고, 때로는 밝은 강조 색상과 함께 억눌린 회색 팔레트를 사용했습니다. 이는 더 큰 스타일화를 이끌었죠. 저는 과도한 디테일에서 벗어나 색상과 톤 그라데이션에 더 의존하게 되었습니다.
복잡한 커버업 작업을 여러 번 진행한 경험이 있습니다. 한 번의 세션 내에서 결정을 내려야 하는 상황이 많았죠. 이러한 프로젝트에서 구성은 주요 도구가 되었으며, 기존 문신을 중심으로 작업이 전개되었습니다. 이는 대비를 강화하고 색상을 더 선명하게 만들며, 형태에 대한 접근 방식을 구조화하게 했습니다. 시간이 지나면서 저는 단순히 리얼리즘을 구현하는 것 이상으로, 그 안에서 자신만의 창작 공간을 만드는 것이 중요하다는 것을 깨달았습니다.
현재 제 접근 방식은 균형에 기반합니다. 리얼리즘이 기반이 되지만, 색상이 깊이와 대비를 위한 도구로 활용되는 단순하고 읽기 쉬운 구성이 핵심입니다.
리얼리즘과 더 자유로운, 장식적인 요소를 하나의 구성에 어떻게 균형을 잡고 있나요?
— 먼저 문신 전체가 어떻게 읽히는지, 특히 대형 프로젝트에서 해부학적이고 역동적으로 몸에 어울리는지 살펴봅니다. 추상적인 요소는 형태를 더 유연하게 다루는 데 도움이 되며, 몸의 곡선에 더 잘 적응할 수 있습니다.
— 중심 부분에는 디테일과 리얼리즘에 더 많은 주의를 기울이며, 간단한 장식적인 섹션과 대비를 만듭니다. 이렇게 하면 구성이 쉽게 감지되도록 유지되며, 시선이 즉시 주요 주제로 이동하게 됩니다.
대형 문신에서 전체 이미지와 문신을 조각으로 읽을 수 있는 능력 중 무엇이 더 중요하나요?
— 하나의 대규모 오브젝트가 있고, 배경에 작은 조각이 있는 경우 전체 이미지와 그 디테일 수준이 더 중요합니다.
하지만 여러 조각으로 구성된 작품에서는 조각들이 두 가지 수준에서 작동하는 것이 필수적입니다. 조각들이 서로의 형태와 움직임을 지원하면서, 연결 요소가 큰 부분을 구분하고 전체적인 리듬을 만듭니다.
저는 문신이 멀리서나 움직일 때도 명확하게 읽히는 것이 좋습니다. 일본 스타일처럼 모든 것이 하나의 덩어리가 되지 않으면서도, 리얼리즘처럼 조각별로 탐색할 수 있도록 주의가 하나의 장면에서 다른 장면으로 이동하게 하는 것이 중요합니다.
콜라지 효과를 자주 사용하십니다. 무엇이 매력적이며, 구성상 어떤 문제를 해결해 주나요?
— 콜라지는 저에게는 주로 자유입니다. 스타일과 형태를 결합하고, 전통적인 구성에서 만나지 않는 요소들을 연결할 수 있는 능력이죠.
리얼리즘, 만화 요소, 어린이 그림, 간단한 선들이 하나의 문신 속에서 공존하는 프로젝트를 대담하고 심지어 혼란스럽게 구현하는 예술가들을 존경합니다. 하지만 저에게 콜라지는 주로 도구입니다.
특히 복잡한 프로젝트에서는 효과적인 솔루션을 더 빠르게 찾는 데 도움이 됩니다. 필요한 조각을 분리하고 불필요한 디테일을 제거한 후, 큰 요소만 남깁니다. 이는 조각의 구조를 더 쉽게 제어하고, 특히 여러 이야기가 포함된 경우 통일성을 유지하는 데 유용합니다.
가끔은 조각을 중복해서 사용하기도 합니다. 이는 색상 대비를 강화하고 긴장을 유발하여 구성이 더 표현력 있게 만듭니다.
문신에서 종종 긴장과 에너지의 감정을 전달합니다. 작품에서 어떤 감정을 전달하려고 하나요?
— 저는 작품에 특정 사전 정의된 감정을 의도적으로 담으려 하지 않습니다. 제 프로젝트에서는 종종 톤 변화와 색 온도를 조합합니다. 예를 들어 회색-파란 계열의 그라디언트와 따뜻한 노랑-오렌지 톤을 결합하는 방식입니다. 이미지의 역학을 통해 이는 특정한 리듬을 만들어냅니다.
이러한 방식은 구성 내에서 부피와 표현력을 강화하는 데 도움이 됩니다. 이후 작업은 직관적인 수준에서 작동하며, 모두가 자신만의 방식으로 받아들입니다.
왜 인물부터 공포까지 다양한 주제에 관심이 있나요?
— 저는 팝 문화 속 공포 미학에 항상 끌렸습니다. 제 첫 인물 작품들이 사실 그 방향으로 나아갔습니다. 공포는 예술적 자유와 표현력을 제공합니다. 즉, 클래식 인물화에서 흔히 받아들여지지 않는 더러운 톤과 대담한 색 조합을 작업할 수 있는 능력을 줍니다.
반면 인물 작업은 항상 책임감과 사실주의의 집중이 한 작품 안에서 요구됩니다. 빛, 부피, 비율을 묘사하는 정확성과紀律이 필요합니다. 그래서 다양한 주제의 범위가 흥미로운 것입니다. 다른 주제는 다른 도전을 가져오지만 사실주의는 여전히 기반으로 남아 있으며, 저는 그 공간에서 계속 성장하고 있습니다.
반복적으로 다루는 주제가 있나요?
— 물론, 클리셰처럼 들릴 수 있지만 인물, 뼈, 영화에서 영감을 받은 주제들이 있습니다.
하지만 제게 더 매력적인 것은 구체적인 주제 자체나 직접 복사하는 것이 아니라 구성 내에서 작업하는 것입니다. 최근에는 초현실주의 미학을 점점 더 많이 다루고 있습니다. 이는 왜곡과 스케일 조작에 더 많은 자유를 줍니다.
이 스타일은 다양한 기술을 결합하고 색상 범위를 확장하여 분위기를 강화하고 이미지에 깊이를 더합니다. 결과적으로 익숙한 모티프들이 여전히 고전적 기반을 유지하면서도 더 개별적인 형태를 띱니다.
빛(특히 불꽃)은 귀하의 타투에서 어떤 역할을 하나요?
— 저는 항상 깨끗하고 밝은 색조를 도입하는 방법을 찾습니다. 조명 효과는 이를 자연스럽게 할 수 있게 해줍니다. 이러한 요소들은 즉시 시청자의 주의를 끕니다.
"번쩍이는" 요소인 불꽃을 조명 원천으로 사용하는 것은 구성 전체를 단일 이미지로 통합하고 주요 대상에 반사를 더해 더 입체적으로 보이게 합니다. 종합적으로 이는 타투에 깊이와 표현력을 더해줍니다.
작업 흐름은 보통 어떻게 되나요? 예를 들어 소매 타투의 상담에서 완성까지의 과정.
— 소매 작업의 경우 모든 것이 고객과의 상세한 논의에서 시작됩니다. 우리는 아이디어, 핵심 요소, 프로젝트의 규모를 분석합니다. 작업이 단계별로 계획되더라도 전체 소매의 초안을 만들어 구성과 주제 분포를 이해합니다.
일반적으로 우리는 작업을 시작할 주요 요소를 정의합니다. 가장 자주 어깨 부위입니다. 이는 규모와 주제 계층을 설정하는 가장 큰 공간이기 때문입니다. 때로는 고객이 선호하는 경우 팔뚝부터 시작하기도 합니다. 참조 이미지에 동의한 후 선택된 영역에 대한 여러 옵션을 준비하며, 항상 제 시각에 기반한 옵션 하나를 포함합니다.
고객의 팔 사진에 스케치를 찍을 때 해부학과 위치 옵션을 고려합니다. 과정 중 구성에 도움이 된다면 강조점을 조정하거나 특정 해결책을 간소화하거나 강화하기도 합니다. 주요 계획은 미리 존재하지만, 항상 개선의 여지를 남깁니다.
조명과 색상은 전체적인 구성에서 계획되고 문신 과정 중에 테스트되며 — 멀리서 보거나 움직이는 상황에서 일부 강조점을 강화하고 다른 일부는 간소화합니다.
여러 컨벤션에 참여하셨는데, 가장 기억에 남는 경험은 무엇인가요?
— 초기 문신 컨벤션은 저에게 모든 것이었습니다. 당시 온라인 정보가 거의 없었고, 다른 아티스트들과의 실제 대화가 주요 지식의 원천이었습니다. 일년 동안 많은 질문이 쌓이곤 했죠 — 색상 작업부터 장비의 세부 사항까지 — 그리고 컨벤션이 바로 이 문제들을 직접 논의하고 진정으로 영감을 주는 환경에 몰입할 수 있는 장소였습니다.
컨벤션 참여는 여전히 자신의 수준과 성장을 이해하는 데 중요합니다. 제 커리어 초기에는 생체 기계적, 초상화, 리얼리즘 부문에서 상을 수상했습니다. 특히 2013년 Kyiv Tattoo Convention에서 Grand Prix를 수상한 것이 큰 의미가 있었죠 — 내부적 의심을 해소시키고 저에게 더 높은 기준을 제시해 주었습니다.
이후 2018년 St. Petersburg Tattoo Show에서 리얼리즘 부문 Best of Day 상을 두 번 받았습니다. 이들이 제 마지막 승리가 아닐 것이라 믿으며 곧 컨벤션에 다시 돌아가기를 기대하고 있습니다. 아마도 이번엔 독일에서 참여할 수 있을 것입니다.
Kassel에 있는 스튜디오에 대해 소개해 주세요. 이 공간에서 중요한 것은 무엇인가요?
— 개인 작업 형식입니다. 스튜디오 공간은 무엇보다 불필요한 것을 제거하고 완전히 과정에 집중할 수 있는 기회입니다.
이러한 독립성은 일정을 스스로 조절하고 조용한 환경에서 작업하며 수량을 쫓지 않는 것을 가능하게 합니다. 특히 대형 구성이나 긴 세션에서는 품질이 요구하는 만큼 정확한 시간을 프로젝트에 할애할 수 있습니다.
작업에 방해가 되는 요소가 없고, 외부 상황이 아닌 프로젝트 자체의 리듬에 따라 움직일 수 있다는 점이 중요합니다.
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