Blekanddots: Como a Teoria das Cores e a Composição Moldam uma Tatuadora

Macarena, também conhecida como Maca ou Blekanddots, é uma tatuadora chilena que trabalha em Santiago. Seu estilo é construído sobre uma combinação de abstração, pensamento gráfico e uma abordagem delicada e pictórica à cor. Através de formas geométricas, transições tonais suaves e cores, ela cria tatuagens que parecem cuidadosamente compostas tanto como imagens quanto como formas integradas ao corpo.

Essa forma de pensar está diretamente conectada à sua formação artística. Nesta conversa, Macarena reflete sobre o papel da teoria das cores, da composição e do conhecimento dos materiais na formação de um tatuador.

Ela não separa teoria e prática em dois mundos diferentes, mas as vê como partes inseparáveis do mesmo processo — um processo que molda não apenas como um artista aprende, mas também como ele cresce, resolve desafios técnicos e alcança resultados que resistem ao teste do tempo.

---

— Conte-nos um pouco sobre você. De onde você é originalmente e onde você vive e trabalha atualmente?

— Olá! Sou do Chile, nasci e cresci aqui, e ainda estou baseada aqui. Trabalhei em alguns estúdios nos últimos 7 anos em Santiago, mas atualmente tenho meu próprio espaço privado.

— Você se descreve como uma artista multidisciplinar. Com quais formas de arte você começou antes de tatuar?

— Se minha infância conta, experimentei e aprendi muitas coisas desde muito jovem.

Eu era uma criança muito curiosa, contemplando e observando tudo ao meu redor, fazendo inúmeras perguntas, e minha mãe estava sempre disposta a me ensinar o que sabia sempre que eu perguntava: “Como você faz isso?”, porque eu queria entender como as coisas eram feitas. Ela me ensinou a ler e escrever desde os quatro anos por causa da minha fascinação por palavras, a tecer em um tear, a bordar, a fazer crochê e a pintar minhas roupas. Aprendi a tecer com contas de vidro simplesmente observando meu pai, que fazia isso como um hobby casual.

Eu desenhava e pintava o tempo todo desde que me lembro, e durante o ensino fundamental, aprendi a costurar e tricotar com agulhas. Acho que naquela época, e provavelmente até o ensino médio, eu não sentia que tudo isso era muito relevante ou sério na minha vida. Eu via como um simples hobby porque era algo muito normal na minha rotina diária, e eu estava errada.

Estudei Belas Artes, onde me especializei em Teoria das Cores e Fotografia. Meu programa universitário era muito abrangente, e nos dois primeiros anos tive que aprender todas as técnicas: desenho, pintura, gravura, fotografia digital e analógica, vídeo, mídia mista, cerâmica, escultura, soldagem a arco, etc. Era obrigatório. Isso ajudou a manter minha curiosidade viva, o que mais tarde me levou a perguntar: “Quão diferente pode ser pintar na pele com agulhas?”

Assim que me formei, trabalhei principalmente com pintura a óleo, fotografia e modelos de papel até começar a tatuar.

— Pelo que sabemos, você tem formação acadêmica em arte. Como seus estudos influenciaram sua abordagem à tatuagem?

— Acredito que meus estudos me prepararam para uma relação e perspectiva muito diferentes com os materiais e ferramentas, e com o processo criativo em geral. Eles também me deram o desejo de transformar a tatuagem em pintura, de esquecer que são coisas separadas. Eu as tornei uma em minha mente, então comecei a fazer a mesma coisa que faria com tinta a óleo, mas através da tatuagem.

Estudei profundamente minha paleta de cores por anos e continuo a fazê-lo: a qualidade dos pigmentos, quão estáveis eles são após o processo de cicatrização, e assim por diante. Modifiquei minha paleta ao longo do tempo, experimentando muitas cores e diferentes marcas para ver se são semelhantes ou não. Às vezes, devido à falta de estoque, ficava sem minhas cores favoritas, então descobri seus equivalentes em outras marcas para emergências. Meu conhecimento de pigmentos também vem dos meus estudos específicos em Pintura, além de minhas próprias leituras e pesquisas após a graduação.

Acho que a pintura é onde as características e propriedades da cor, e toda a sua teoria, são exploradas mais profundamente, tanto do ponto de vista físico quanto químico. Hoje, todo esse conhecimento me ajuda a tomar melhores decisões para garantir os resultados que meus clientes esperam, bem como a ensinar e comunicar por que um resultado seria melhor que outro, e como as cores interagem entre si ou com seus tons de pele.

Minha formação acadêmica também me fez ver tudo como cores e formas dentro de um espaço. Isso me ajudou a abstrair não apenas de uma perspectiva estética, mas também do próprio processo – a maneira como vejo, penso e aplico ou modifico metodologias em qualquer técnica. Tudo isso me permite alcançar resultados com mais eficiência.

— Em que momento a tatuagem se tornou sua profissão? Conte-nos quando e como essa transição aconteceu.

— Um ano depois de me formar na universidade, fiz um estágio em tempo integral em um estúdio de tatuagem durante minhas férias de verão em 2015. Isso me permitiu praticar tudo, desde montar a mesa até montar e desmontar minha máquina de bobina. Aprendi a tatuar com máquina primeiro.

Depois de começar a praticar tatuagem com e sem máquina, foquei mais em me tornar independente dos meus pais, então parei de praticar regularmente e procurei um emprego estável. No início de 2016, trabalhei por um mês como fotógrafo em uma joalheria, e no mês seguinte fui contratado como Diretor de Arte em uma agência de publicidade, onde meu trabalho envolvia criar modelos de papel, produzir animações stop-motion, vídeos DIY, food styling e outras tarefas. Trabalhei lá por um ano e meio.

Durante esse ano e meio, ocasionalmente tatuei um membro da família ou amigo, até que um dia um dos meus colegas de equipe descobriu que eu sabia tatuar e me pediu para tatuá-lo. Esse foi o primeiro passo que mudou tudo, e honestamente, eu nunca teria imaginado, porque também escolhi tatuá-lo sem máquina, o que significava me reconectar com o handpoke, algo que eu menos havia praticado na época.

No dia seguinte, a notícia se espalhou, e pouco a pouco comecei a receber novas encomendas, então decidi tatuar nos meus dias de folga. Em apenas alguns meses, percebi que realmente gostava de tatuar, que sentia falta, e a verdade é que eu não estava gostando do meu trabalho há um tempo. Eu me sentia um pouco preso na agência, muito limitado no meu desenvolvimento criativo. Lembro-me de constantemente voltar para casa pensando: “Qual é o sentido de ter estudado arte se não estou praticando? Eu não estudei isso para não fazê-lo. Estou desperdiçando. Nada disso faz sentido.”

Pensei nisso por mais um mês, quase convencido a desistir. Conversei primeiro com meu círculo íntimo — meus melhores amigos, um dos meus irmãos e minha mãe. Meu irmão me disse: “Imagine o cenário ideal para o seu emprego atual, com ideias empolgantes, mais liberdade e um salário muito mais alto. Você seria feliz?” Eu disse que não. Então ele disse: “E se você recebesse dez vezes o seu salário, isso seria suficiente para te fazer feliz?” Para mim, a resposta sempre foi não.

Larguei meu emprego em agosto de 2017, sem economias, sem nada. Apenas meu desejo de pintar em todas as superfícies possíveis e viver da arte. Tudo valeu a pena, e aqui estamos.

— Muitos artistas dizem que a tatuagem é aprendida principalmente através da prática. Na sua opinião, qual a importância do conhecimento teórico — como teoria das cores, composição e fundamentos da arte — para um tatuador?

— Embora eu concorde plenamente com essa afirmação, acredito que há também um aspecto menos explorado, ou talvez menos discutido, baseado em estereótipos tradicionais sobre como uma técnica — não apenas a tatuagem — deve ser aprendida. Acho que certos estereótipos são às vezes romantizados, o que impede uma perspectiva completa das coisas e suas possibilidades. Por alguma razão, que me incomoda, apesar de quão antiga é a arte da tatuagem, ela não é reconhecida como uma disciplina formal. Isso tem sido perpetuado por séculos.

Por um tempo, eu mesma mantive minha mente compartimentada, como se tudo o que eu estudava não tivesse nada a ver com tatuagem, e me senti muito tola e envergonhada depois, porque tem tudo a ver. A tatuagem é pictórica, é ilustrativa, e poderia até ser considerada escultural para mim — trabalhar com um design bidimensional em uma superfície tridimensional. É uma disciplina completa, e no momento em que parei de compartimentar minha mente e apliquei toda a teoria e tecnicalidades a essa disciplina, meu processo mudou e todo o meu trabalho mudou.

Pessoalmente, acredito que ter conhecimento técnico e teórico de uma disciplina é imensamente importante e torna todo o seu processo mais eficiente. Você toma decisões mais intencionais e conscientes, e menos é deixado ao acaso.

Acho que muitos artistas aplicam a teoria e a técnica intuitivamente, e isso não torna o conhecimento deles menos válido, mas saber por que você faz o que faz pode até mudar a maneira como você observa e como você propõe ou desenvolve suas ideias.

A prática é uma parte crucial do processo — a prática leva à perfeição, certo? — mas a teoria também é essencial, e elas não devem ser consideradas separadamente. Definitivamente, ambas são fundamentais para o nosso desenvolvimento.

Às vezes também penso que talvez haja apenas um equívoco do que é teoria e do que não é, e que talvez estejamos falando da mesma coisa, apenas com um nome diferente. Entender como as coisas funcionam e do que são feitas — máquinas, agulhas, tintas, pele — é pura teoria.

— Como sua compreensão da teoria das cores influencia a maneira como você cria tatuagens e escolhe paletas para diferentes tons de pele?

— É basicamente uma das espinhas dorsais do meu trabalho, independentemente do estilo ou dos elementos com os quais quero compor, seja em cores ou em escala de cinza.

Acredito que representa 50% do meu trabalho. Eu a uso do começo ao fim; nem é algo em que eu precise pensar ou decidir mais. É tão natural quanto respirar ou piscar; simplesmente existe como uma extensão de mim. Mas eu tenho passos a seguir.

Para minimizar a margem de erro em projetos personalizados, envio aos meus clientes uma paleta de cores com tons de referência para que possam determinar onde o seu tom de pele se encaixa. A resposta deles não os exclui, nem a cor é exata, porque a tela projeta luz e a pele a absorve, mas ajuda-me a entender a gama de luz com a qual posso trabalhar ao desenvolver um design, tomar decisões técnicas de acordo e, dependendo do caso, explicar por que devemos mudar algumas cores para alcançar o que eles procuram.

Claro, se eu receber pedidos de cores que não são viáveis para os seus tons de pele, não vou mentir para eles, e vou explicar que não é uma boa ideia, que não vai se destacar, etc., para que eles também entendam como a teoria funciona na realidade, ou muitas vezes para desmistificar mitos sobre cores em tatuagens ou tons de pele.

A composição desempenha um papel crucial na pintura e na ilustração. Como você aplica os princípios composicionais ao trabalhar com o corpo humano como tela?

— Eu componho duas vezes: primeiro no design e depois no corpo.

Sigo os princípios básicos da composição — unidade e equilíbrio — além do objetivo de cada design: se haverá dinamismo ou não, movimento, ritmo, virtualidade, estática, etc., e como manter o mesmo sentimento ao incorporá-lo ao corpo. As curvas e volumes do corpo influenciam o design; considero os movimentos dos músculos e, claro, se há outras tatuagens naquela área, como todos os fatores interagem entre si em completa harmonia.

Cada vez que componho um design e o coloco no corpo, meu objetivo é que ele funcione junto com o que já está lá, mas também separadamente. Quero que as peças se complementem e que nenhuma prejudique as outras, para que, ao observar a “tela”, a leitura visual seja homogênea, como se fosse tudo uma única composição no corpo.

Dependendo do design, às vezes trabalho em modo “colagem”, onde tenho diferentes elementos estencilados — linhas, formas — que depois coloco separadamente para que se encaixem perfeitamente no espaço. E se o projeto exigir, também faço uma mistura de stencil e freehand.

Conhecer e ser capaz de usar os princípios técnicos da composição também permite, inversamente, criar designs com pontos de interesse específicos se você quiser quebrar o equilíbrio. É tudo muito divertido.

— A tatuagem também exige um profundo conhecimento de materiais e ferramentas. Que aspectos técnicos do ofício você acha que os jovens tatuadores costumam subestimar?

— Essa é difícil. Eu diria o stencil, e a qualidade dos materiais, e como eles influenciam o resultado.

Nunca esqueci uma frase do meu mentor: “Seu stencil deve ser perfeito, caso contrário, saber tatuar é inútil.” E sim, guardei esse conselho para sempre.

Se o seu stencil não estiver bem feito e depois não for aplicado corretamente na pele, pode afetar negativamente o resultado.

Anos de experiência sempre podem dar a vantagem de poder improvisar quando algo é apagado, ou de corrigir o stencil à mão, ou mesmo de ajustar a aplicação ou transição de diferentes tons dentro das áreas desenhadas, mas não é algo que devemos tentar no início se não tivermos um domínio firme de todos os aspectos dessa técnica.

Além disso, com o tempo, dependendo do seu estilo, você aprende a criar suas próprias maneiras de diferenciar áreas com sombreamento, preenchimento ou textura, e você entende sua própria linguagem de diretrizes em seu estêncil.

E sobre materiais, sei por experiência própria que no início nem sempre é acessível conseguir ferramentas ou tintas melhores com base na sua qualidade, porque não são baratas quando você está aprendendo como aprendiz.

Mas vale a pena investir, e a longo prazo, quando você tiver mais estabilidade financeira, economizar em despesas em vez de investir em seus materiais não deve ser negociável.

Para mim, a diferença mais notável reside nas agulhas e nas tintas: na qualidade do pigmento, na opacidade da cor, no seu fluxo, ou se perde saturação durante o processo de cicatrização. A cor muda enquanto estou tatuando? A cor muda após o processo de cicatrização? Com que rapidez muda e como? Fica mais quente? Menos brilhante? Etc.

E com as agulhas, há a resistência e a força que elas têm dependendo do que preciso fazer com elas, e também a nitidez. Quão consistente é o tamanho da minha agulha? São todas 90-99% semelhantes, ou algumas são mais largas que outras? Preciso empurrar a agulha com mais força quando estou usando esta marca? Com que frequência preciso trocá-la porque ela não injeta a tinta da mesma forma? Esta agulha danifica a pele mais do que outra do mesmo tamanho? Quão consistente é minha linha? Quão suave é o ponto?

Claro, o mesmo se aplica às máquinas: seu curso, peso e potência.

— Você acredita que um treinamento teórico mais forte pode acelerar o progresso de um artista na tatuagem? De que maneiras?

— Absolutamente. É como um tipo de atalho — não porque você pula etapas no processo de tatuagem, mas porque a abordagem é diferente, talvez menos avassaladora.

Sinto que compreender as leis do desenho, da composição, da disposição das formas no espaço e do uso da cor, tanto teórica quanto praticamente, permite aplicar todo esse conhecimento a qualquer superfície bidimensional ou tridimensional, independentemente do material, técnica ou estilo.

Torna-se um pouco mais fácil adaptar-se às mudanças de superfície e às inconsistências de diferentes materiais.

Toda essa preparação teórica e técnica ajuda a resolver os desafios do processo mais rapidamente, por assim dizer.

Mas, claro, não é uma fórmula perfeita ou a única maneira, porque a pele não é papel ou tecido, e você só aprende isso tatuando, praticando e aprendendo com pessoas com mais anos de experiência do que você, fazendo perguntas e trocando informações, o que para mim é precisamente a teoria da tatuagem.

— Suas tatuagens são conhecidas por suas cores vibrantes e abordagem gráfica. Como seu estilo visual se desenvolveu ao longo dos anos?

— Acho que meu medo de mostrar o que eu realmente queria trabalhar mudou gradualmente, e minha confiança no que eu realmente sabia sobre cor e pintura também mudou.

Quando decidi colocar tudo isso em jogo e confiar cegamente no que eu sabia, comecei a prestar mais atenção e a estudar o que eu não sabia ou não entendia: como a cor se comporta na pele, sua reação e interação. Eu me concentrei tanto nisso que o aspecto visual se desenvolveu organicamente.

A pintura tornou-se vital para mim; a luz já era o elemento mais importante do meu trabalho, e tudo o que restava era encontrar uma maneira de usar todos os elementos de uma forma divertida, simbólica e muitas vezes íntima.

Revisitei minha tese universitária de 2013-2014, que tratava do processo criativo, do uso da memória, das recordações, dos sentidos, do tempo e de como traduzir isso para uma linguagem visual. A própria tese me lembrou dos escritos de Kandinsky sobre composição e cor, que eu havia usado em minha pesquisa.

Representar ideias abstratamente parece poesia visual para mim; de certa forma, trata-se de usar metáforas o tempo todo. Uma cor ou uma forma pode representar um lugar, um momento, um sentimento ou uma pessoa.

Kandinsky foi de longe a melhor inspiração para impulsionar a busca que eu tinha medo de começar, mas estava tão ansiosa para explorar. Essa é uma das razões pelas quais meu trabalho se tornou mais gráfico.

— Como seu estilo evoluiu ao longo de sua carreira? Houve algum ponto de virada que mudou significativamente sua direção artística?

— Acho que foi algo como uma “presença silenciosa” do meu estilo atual. Sempre fui um grande fã de Claudio Bravo, da Bauhaus, Kandinsky, Yayoi Kusama, Edward Hopper, Monet, entre outros. O que mais gostava neles era o uso da luz, o equilíbrio de suas composições e suas paletas de cores.

Em 2013, quando nem pensava em aprender a tatuar, fiz minha primeira tatuagem, e queria que fosse um triângulo de tinta marmorizada, sem contornos, apenas cor. O tatuador me disse que tudo o que eu pedia era impossível de fazer porque tinha muitos detalhes, e que não era normal fazer tatuagens sem contornos, que minha ideia não era viável.

Depois de negociar por um tempo, ele concordou em contornar com a cor mais clara e simplificar “um pouco”. Claro, não consegui nada parecido com o que queria, hahaha, embora não seja terrível.

E bem, eu não sabia nada sobre tatuagens, então acreditei nele. E é louco porque, curiosamente, seis ou sete anos depois eu estava tatuando aquele efeito marmorizado que supostamente era impossível.

Como sempre pintei e desenhei em realismo e hiperrealismo, isso predominou em meu trabalho por muito tempo, mas também sempre houve uma tendência a trabalhar com geometria, teoria das cores, minimalismo e arquitetura.

Desde que aprendi a tatuar, projetei e trabalhei em todos os tipos de estilos porque aprendi da maneira antiga, onde você deve aprender a fazer tudo bem, perfeitamente. Mas, apesar de tentar oferecer minhas propostas mais minimalistas, abstratas ou geométricas no início, elas nunca decolaram. Só tive a oportunidade de trabalhar com minhas próprias ideias ou designs muito brevemente, até 2018 ou início de 2019. Naquele momento, os gradientes eram a coisa mais abstrata e popular em meu portfólio.

Apesar de querer encontrar novas formas de expressar minha arte, sempre tive essa dualidade de querer trabalhar entre o figurativo e o abstrato. Amo o hiperrealismo, não consigo evitar, mas também amo imensamente a arte abstrata, e estava determinada a dedicar mais espaço à abstração porque ela estava esperando há muito tempo, querendo vir à tona.

Durante a quarentena de 2020, tive a oportunidade de passar muito tempo em meu estúdio — um cômodo que converti em meu apartamento para pintar — e me concentrei em desenvolver ideias e esboços que haviam se acumulado em minha mente e em cadernos. Também tive bastante tempo para revisar meus arquivos, e em minhas fotografias, que tiro diariamente desde os 17 anos, encontrei um padrão: minhas fotografias cotidianas capturam detalhes abstratos do mundo, composições minimalistas onde às vezes a cor assume o centro do palco, junto com ângulos e luz. Tudo se encaixou, porque de uma forma ou de outra, não importa com o que eu esteja trabalhando, certos fios condutores permanecem em meu trabalho.

Silenciosamente, sem medo ou vergonha, comecei a pintar minhas ideias a óleo. Senti que tinha que trazê-las à vida, então comecei a compartilhá-las no meu perfil do Instagram, explicando sobre o que eram as composições, como eu interpretava cada elemento, e isso realmente ajudou as pessoas que seguiam meu trabalho a entender a abstração em meus desenhos. A partir de então, decidi dar espaço e prioridade a essa perspectiva. As pessoas se juntaram a mim e abraçaram minhas propostas cada vez que solicitavam um projeto personalizado, e pouco a pouco, o estilo figurativo foi desaparecendo.

A maioria dessas ideias começou em tons de cinza. Depois comecei a incorporar detalhes de cor, mas essa paleta continuou mudando e crescendo. A cor naturalmente se tornou a protagonista, também a pedido dos meus clientes, porque eles começaram a ver os resultados, a ver trabalhos que haviam cicatrizado ao longo dos anos, e isso aumentou a confiança deles no meu trabalho.

Sem dúvida, o trabalho de outros artistas também me inspirou a querer encontrar meu próprio caminho. Cada vez que encontrava um artista fazendo algo não convencional no mundo da tatuagem, eu anotava, estudava e admirava seus processos, independentemente do seu estilo ou técnica.

Lembro que nos meus primeiros dias, por volta de 2015-2016, o trabalho de @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk e @dzo_lama me surpreendeu. Todos eles estavam fazendo algo diferente, levando designs e conceitos além dos limites de cada estilo ou técnica.

Sou muito grato a todos os artistas que abriram um caminho mais flexível para a experimentação.

— Quais projetos ou tatuagens você considera os mais importantes técnica ou artisticamente em seu portfólio?

— Provavelmente as "composições abertas", porque elas têm a característica de funcionar em qualquer orientação sem perder a unidade e o equilíbrio, adaptando-se facilmente a diferentes contextos corporais ou tatuagens circundantes.

É algo que você realmente não notará a menos que faça uma tatuagem comigo ou eu te diga, hahaha, mas quando mostro esses designs aos meus clientes no dia do agendamento, eu os explico, e nem sempre os tatuamos na orientação original em que os desenhei.

Criar essas peças me ajuda a confiar na minha compreensão das formas dentro de um espaço, e na adaptabilidade e versatilidade de um design bem composto.

— Você viaja muito como tatuador? Em quais países ou estúdios você teve a oportunidade de trabalhar?

— Mais ou menos. Tento viajar pelo menos uma vez por ano se for uma viagem longa.

Há quatro anos, tive a oportunidade de estudar por um ano em Barcelona, o que me permitiu ser um artista residente no 19:28 Tattoo Parlour, além de visitar vários países da Europa em pouco tempo.

Desde essa experiência, tenho tentado manter uma agenda consistente a cada ano.

Tive o privilégio e a oportunidade de visitar o Cucu Studio em Buenos Aires, o Rayon Noir em Paris, o Akurat Studio em Berlim, o Blanco Roto em Barcelona, o New Tattoo Studio em Pequim, o Sasha Tattooing em Paris, entre outros.

— Você já participou de convenções de tatuagem? Se sim, quais foram as mais memoráveis para você?

— Sim. Ao longo da minha carreira, participei de três convenções — Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 e Summer Ink 2024 — mas só competi em uma, e acho que posso tirar algo memorável de mais de uma experiência por diferentes razões.

Reñaca Ink foi minha primeira experiência em convenção, onde participei “acidentalmente”. Usei o lugar de uma amiga porque ela não pôde comparecer de última hora, @marialeontattoo. Então, oficialmente, eu não fazia parte da lista de artistas, mas tive a oportunidade de conhecer alguns grandes artistas chilenos que admiro muito e que me acolheram calorosamente como parte de sua equipe. Tenho muito carinho pela equipe do Nomade Tattoo Studio de Viña del Mar, Chile.

E Summer Ink foi a primeira vez que participei de uma competição. Eu estava muito nervosa, mas também muito animada para poder mostrar a técnica handpoke em uma convenção tão importante, e ganhei o 2º lugar na categoria Tiny Tattoo. Foi uma experiência incrível!

— Finalmente, no que você está trabalhando atualmente e quais são seus planos para o futuro próximo?

— Ummm... Bem, sinto que meu trabalho está geralmente em constante progresso. Estou sempre pesquisando, estudando, imaginando, e todo dia penso: “O que faço agora?”, “O que vem a seguir?”, “Como posso fazer diferente?” Mas acho que o que mais se destaca agora é que estou procurando trabalhar em peças maiores e áreas mais complexas do corpo que não estou acostumada a trabalhar, e por isso comecei a postar composições maiores e mais complexas para mim.

E planos? Por enquanto, gostaria de visitar a Ásia novamente, espero voltar à Europa e talvez adicionar alguns novos destinos este ano, mas estamos indo um passo de cada vez.