Blekanddots：色彩理论和构图如何塑造一位纹身艺术家

Macarena，也被称为 Maca 或 Blekanddots，是一位来自智利的纹身艺术家，目前在圣地亚哥工作。她的风格建立在抽象、图形思维和对色彩细腻的绘画手法的结合之上。通过几何形状、柔和的色调过渡和色彩，她创作的纹身无论是作为图像还是作为融入身体的形态，都显得构思精巧。

这种思维方式直接与她的艺术基础相关。在这次对话中，Macarena 反思了色彩理论、构图和材料知识在纹身艺术家养成过程中的作用。

她不将理论和实践分为两个不同的世界，而是将它们视为同一过程不可分割的部分——这个过程不仅塑造了艺术家如何学习，还塑造了他们如何成长、解决技术挑战，并取得经得起时间考验的成果。

——请您介绍一下自己。您来自哪里，目前在哪里生活和工作？

——大家好！我来自智利，在这里出生长大，现在也在这里工作。过去七年我在圣地亚哥的几家工作室工作过，但目前我拥有自己的私人空间。

——您将自己描述为一位多学科艺术家。在纹身之前，您从事过哪些艺术形式？

——如果我的童年也算在内的话，我从小就接触并学习了很多东西。

我是一个非常好奇的孩子，观察和思考周围的一切，提出无数问题，而我的母亲总是乐意在我问“你是怎么做到的？”时教我她所知道的，因为我想了解事物是如何完成的。她在我四岁时就教我读书写字，因为我对文字着迷；她还教我织布、刺绣、钩针编织，以及在我的衣服上画画。我只是通过观察我父亲，他把串珠作为一种休闲爱好，就学会了用玻璃珠串珠。

我从小就一直在画画和涂鸦，小学时学会了缝纫和棒针编织。我想那时，也许直到高中，我都没有觉得这些在我的生活中有多么重要或严肃。我把它看作一个简单的爱好，因为这在我的日常生活中是很正常的事情，我错了。

我学习了美术，专攻色彩理论和摄影。我的大学课程非常全面，前两年我必须学习所有技术：素描、绘画、版画、数字和模拟摄影、视频、混合媒体、陶瓷、雕塑、电弧焊等。这是强制性的。这有助于保持我的好奇心，后来这让我开始思考：“用针在皮肤上绘画会有多大的不同？”

我一毕业，就主要从事油画、摄影和纸模型创作，直到我开始纹身。

——据我们所知，您有艺术学术背景。您的学业如何影响您对纹身的态度？

——我相信我的学业让我对材料和工具，以及一般的创作过程，有了非常不同的关系和视角。它们也让我渴望将纹身变成绘画，忘记它们是独立的事物。我在脑海中将它们合二为一，所以我开始做我用油画颜料会做的事情，但通过纹身来实现。

多年来，我深入研究我的调色板，并将继续这样做：颜料的质量，它们在愈合过程后的稳定性等等。随着时间的推移，我修改了我的调色板，尝试了许多颜色和不同品牌，看看它们是否相似。有时，由于缺货，我最喜欢的颜色会用完，所以我发现了其他品牌中它们的等效品以备不时之需。我对颜料的了解也来自于我在绘画方面的具体研究，以及我毕业后的阅读和研究。

我认为绘画是颜色特性和属性及其所有理论被最深入探讨的地方，无论是从物理还是化学角度。今天，所有这些知识帮助我做出更好的决策，以保证客户期望的结果，并解释和沟通为什么一个结果会比另一个更好，以及颜色如何相互作用或与他们的肤色相互作用。

我的学术背景也让我把一切都看作是空间中的颜色和形状。它帮助我不仅从美学角度进行抽象，而且从过程本身进行抽象——我观察、思考和应用或修改任何技术中的方法的方式。所有这些都让我能够更有效地实现结果。

——纹身是什么时候成为你的职业的？告诉我们这个转变是何时以及如何发生的。

——大学毕业一年后，我在2015年暑假期间在一家纹身工作室全职学徒。这让我可以练习从摆桌子到组装和拆卸我的线圈机的一切。我首先学习了机器纹身。

在开始练习有机器和无机器纹身之后，我更专注于独立于我的父母，所以我停止了定期练习，并寻找一份稳定的工作。2016年初，我在一家珠宝店做了一个月的摄影师，下个月我被一家广告公司聘为艺术总监，我的工作包括制作纸模型、制作定格动画、DIY视频、食物造型和其他任务。我在那里工作了一年半。

在那一年半里，我偶尔会给家人或朋友纹身，直到有一天我的一个队友发现我会纹身并要求我给他纹身。那是改变一切的第一步，老实说，我从未想过会这样，因为我还选择不用机器给他纹身，这意味着重新接触手刺，那是我当时练习最少的东西。

第二天，消息传开了，我渐渐开始接到新的委托，所以我决定在休息日纹身。仅仅几个月，我意识到我真的很喜欢纹身，我很想念它，而且说实话，我已经有一段时间不喜欢我的工作了。我觉得自己在公司有点停滞不前，在创意发展方面非常受限。我记得我经常走回家时想：“如果我不去实践艺术，那我学艺术有什么意义呢？我学这个不是为了不去做。我正在浪费它。这一切都没有意义。”

我又考虑了一个月，差点就辞职了。我首先和我的核心圈子——我最好的朋友、我的一个兄弟和我的妈妈——谈了这件事。我的兄弟告诉我：“想象一下你目前工作的理想场景，拥有令人兴奋的想法、更多的自由和更高的薪水。你会开心吗？”我说不会。然后他说：“如果你拿到十倍的薪水，这足以让你开心吗？”对我来说，答案永远是不会。

我于2017年8月辞职，没有积蓄，一无所有。我只有在所有可能的表面上绘画并以艺术谋生的强烈愿望。这一切都是值得的，我们现在就在这里。

——许多艺术家说纹身主要是通过实践学习的。在你看来，理论知识——例如色彩理论、构图和艺术基础——对纹身艺术家来说有多重要？

——尽管我完全同意这个说法，但我认为还有一个较少被探索，或者说较少被讨论的方面，它基于关于一项技术——不仅仅是纹身——应该如何学习的传统刻板印象。我认为某些刻板印象有时会被浪漫化，这阻碍了对事物及其可能性的全面看法。由于某种原因，这让我很困扰，尽管纹身艺术历史悠久，但它并未被认可为一门正式学科。这种情况已经持续了几个世纪。

有一段时间，我自己也把思想划分开来，好像我所学的一切都与纹身无关，后来我感到非常愚蠢和羞愧，因为它与纹身息息相关。纹身是绘画性的，是插画性的，对我来说甚至可以被认为是雕塑性的——在三维表面上进行二维设计。它是一门完整的学科，当我停止将我的思想划分开来，并将所有的理论和技术应用于这门学科时，我的过程改变了，我的整个作品也改变了。

就我个人而言，我认为拥有学科的技术和理论知识非常重要，它能让你的整个过程更高效。你做出更有意图和更自觉的决定，减少了偶然性。

我认为许多艺术家凭直觉运用理论和技术，这并不会降低他们知识的有效性，但了解你为什么这样做，甚至可以改变你观察事物的方式以及你提出或发展想法的方式。

实践是过程的关键部分——熟能生巧，对吧？——但理论也至关重要，它们不应该被分开考虑。毫无疑问，两者都是我们发展的基础。

有时我也认为，也许只是对理论是什么和不是什么存在误解，也许我们谈论的是同一件事，只是名称不同。了解事物如何运作以及它们由什么构成——机器、针、墨水、皮肤——是纯粹的理论。

——你对色彩理论的理解如何影响你设计纹身和为不同肤色选择调色板的方式？

——无论我想要用什么风格或元素来构图，无论是彩色还是灰度，它基本上都是我工作的支柱之一。

我相信它占据了我工作量的50%。我从头到尾都在使用它；它甚至不再是我需要思考或决定的事情。它就像呼吸或眨眼一样自然；它只是我的一种延伸。但我确实有步骤要遵循。

为了尽量减少定制项目中的误差，我会向客户发送一个包含参考色调的调色板，以便他们确定自己的肤色属于哪个范围。他们的反馈并不能完全决定，颜色也不是完全精确的，因为屏幕会投射光线而皮肤会吸收光线，但这有助于我了解在设计时可以使用的光线范围，从而做出相应的技术决策，并根据具体情况解释为什么我们应该改变一些颜色以达到他们想要的效果。

当然，如果我收到一些不适合他们肤色的颜色请求，我不会欺骗他们，我会解释说这不是一个好主意，它不会突出，等等，这样他们也能理解理论在现实中是如何运作的，或者通常是为了消除关于纹身颜色或肤色的误区。

构图在绘画和插画中扮演着至关重要的角色。当您以人体为画布进行创作时，如何运用构图原则？

— 我会构图两次：首先在设计中，然后是在身体上。

我遵循构图的基本原则——统一和平衡——此外还有每个设计的目的：是否会有动感、运动、节奏、虚拟性、静态等，以及如何在将其融入身体时保持相同的感受。身体的曲线和体积会影响设计；我考虑肌肉的运动，当然，如果该区域有其他纹身，所有因素如何和谐地相互作用。

每次我构图一个设计并将其放置在身体上时，我的目标是让它与已有的纹身协同工作，但也要独立存在。我希望这些作品能够相互补充，而不是相互削弱，这样在观察“画布”时，视觉阅读是同质的，就好像它都是身体上的一个单一构图。

根据设计，我有时会采用“拼贴”模式，我会有不同的模板元素——线条、形状——然后我将它们分开放置，使它们完美地适应空间。如果项目需要，我还会将模板和徒手绘制结合起来。

了解并能够运用构图的技术原则，反过来也允许你，如果你想打破平衡，创造出具有特定兴趣点的设计。这都非常有趣。

— 纹身还需要对材料和工具的深入了解。您认为年轻纹身师经常低估了这门手艺的哪些技术方面？

— 这个问题很难。我会说是模板，以及材料的质量，以及它们如何影响结果。

我永远不会忘记我的导师说的一句话：“你的模板必须完美，否则知道如何纹身是没用的。”是的，我永远记住了这条建议。

如果你的模板做得不好，然后没有正确地应用到皮肤上，它可能会对结果产生负面影响。

多年的经验总能让你在某些东西被擦除时即兴发挥，或者手工修正模板，甚至调整绘制区域内不同色调的应用或过渡，但如果我们一开始没有牢固掌握这项技术的所有方面，我们就不应该尝试这样做。

此外，随着时间的推移，根据您的风格，您会学会创造自己的方式来区分阴影、填充或纹理区域，并且您会理解自己模板中指导线的语言。

关于材料，我个人经验告诉我，一开始，根据质量购买更好的工具或墨水并不总是负担得起的，因为当你作为学徒学习时，它们并不便宜。

但投资是值得的，从长远来看，当你的财务状况更稳定时，不应该在开支上吝啬，而应该投资于优质材料。

对我来说，最显著的区别在于针头和墨水：颜料的质量、颜色的不透明度、其流动性，或者它在愈合过程中是否会失去饱和度。我在纹身时颜色会变吗？愈合过程后颜色会变吗？它变化的速度和方式如何？它会变得更暖吗？亮度更低吗？等等。

至于针头，它们根据我需要用它们做什么而具有的阻力和强度，以及锋利度。我的针头尺寸一致性如何？它们是否都90-99%相似，还是有些比其他的更宽？当我使用这个品牌时，我需要更用力地推针吗？我需要多久更换一次，因为它不再以同样的方式注入墨水？这根针比同尺寸的另一根针对皮肤的伤害更大吗？我的线条一致性如何？点刺的平滑度如何？

当然，机器也是如此：它们的行程、重量和功率。

— 您认为更强的理论培训能加速纹身师的进步吗？以何种方式？

— 绝对。这就像一种捷径——不是因为你跳过了纹身过程中的步骤，而是因为方法不同，也许没那么令人不知所措。

我觉得，无论是理论上还是实践上，理解绘画、构图、空间中形式的排列以及色彩的运用，都能让你将所有这些知识应用到任何二维或三维表面，无论材料、技术或风格如何。

适应表面变化和不同材料的不一致性会变得更容易一些。

所有这些理论和技术准备都能帮助你更快地解决过程中的挑战，可以说。

但当然，这并不是一个完美的公式或唯一的方法，因为皮肤不是纸或布，你只能通过纹身、练习、向比你经验更丰富的人学习、提问和交流信息来了解这一点，对我来说，这正是纹身理论。

— 您的纹身以其鲜艳的色彩和图形化手法而闻名。您的视觉风格是如何随着时间的推移而发展的？

— 我认为我害怕展示我真正想做的事情的恐惧逐渐消退了，我对色彩和绘画的实际了解的信心也发生了变化。

当我决定把所有这些都摆上台面，盲目地相信我所知道的，我开始更密切地关注和研究我不知道或不理解的东西：颜色在皮肤上的表现，它的反应和相互作用。我如此专注于此，以至于视觉方面自然而然地发展起来。

绘画对我来说变得至关重要；光线已经是我作品中最重要的元素，剩下的就是找到一种有趣、象征性且通常是私密的方式来运用所有元素。

我重温了2013-2014年的大学论文，该论文探讨了创作过程、记忆的运用、回忆、感官、时间以及如何将其转化为视觉语言。这篇论文本身让我想起了康定斯基关于构图和色彩的著作，我在研究中曾使用过这些著作。

抽象地表达思想对我来说就像视觉诗歌；在某种程度上，它一直在使用隐喻。一种颜色或一个形状可以代表一个地方、一个时刻、一种感觉或一个人。

康定斯基是迄今为止最好的灵感来源，它促使我开始了我曾害怕开始但又渴望探索的探索。这也是我的作品变得更具图形感的原因之一。

——在您的职业生涯中，您的风格是如何演变的？是否有任何转折点显著改变了您的艺术方向？

——我认为这就像我当前风格的一种“无声的存在”。我一直都是克劳迪奥·布拉沃、包豪斯、康定斯基、草间弥生、爱德华·霍珀、莫奈等人的忠实粉丝。我最喜欢他们的是他们对光线的运用、构图的平衡以及他们的调色板。

2013年，当我甚至还没打算学习纹身时，我纹了我的第一个纹身，我想要一个大理石纹理的颜料三角形，没有轮廓，只有颜色。纹身师告诉我，我所要求的一切都不可能实现，因为它细节太多，而且没有轮廓的纹身不正常，我的想法不可行。

经过一番协商，他同意用最浅的颜色勾勒轮廓并“稍微”简化一下。当然，我得到的和我想要的完全不一样，哈哈哈。虽然也不是很糟糕。

嗯，我对纹身一无所知，所以我相信了他。这很疯狂，因为，有趣的是，六七年后我竟然在纹那个据说不可能实现的大理石效果。

由于我一直以写实主义和超写实主义绘画和素描，这在我的作品中占据了很长时间的主导地位，但一直以来也有一种倾向于几何学、色彩理论、极简主义和建筑学。

自从我学会纹身以来，我设计并尝试了各种风格，因为我学习的是老派的方式，即你应该学会把所有事情都做得很好，完美无缺。但尽管我一开始尝试提供我更极简主义、抽象或几何的方案，它们从未成功。我只有很短的时间有机会用我自己的想法或设计来创作，直到2018年或2019年初。在那时，渐变是我作品集中最抽象和最受欢迎的东西。

尽管我一直想寻找新的方式来表达我的艺术，但我始终存在着一种在具象与抽象之间创作的两难境地。我热爱超写实主义，情不自禁，但我也无比热爱抽象艺术，我决心为抽象艺术留出更多空间，因为它已经等待了很久，渴望浮出水面。

在2020年隔离期间，我有机会在我的工作室里度过了大量时间——那是我在公寓里改造的一个房间，用于绘画——我专注于发展那些在我脑海和速写本中积累的想法和草图。我也有充足的时间回顾我的档案，在我从17岁起每天拍摄的照片中，我发现了一个模式：我的日常照片捕捉到了世界的抽象细节，极简主义的构图，有时色彩成为焦点，伴随着角度和光线。一切都水到渠成，因为无论我创作什么，我的作品中总会保留某些共同的线索。

我默默地、毫无畏惧和羞耻地开始用油画描绘我的想法。我觉得我必须让它们活起来，所以我开始在我的Instagram个人资料上分享它们，解释这些构图是关于什么的，我如何诠释每个元素，这确实帮助了那些关注我作品的人理解我设计中的抽象。从那时起，我决定给这种视角留出空间和优先权。每次他们要求定制项目时，人们都会加入我并接受我的提议，渐渐地，具象风格逐渐消失了。

这些想法大多始于灰度。然后我开始加入色彩细节，但那个调色板不断变化和增长。色彩自然而然地成为了主角，这也是应我的客户要求，因为他们开始看到效果，看到多年来愈合的作品，这增加了他们对我作品的信心。

毫无疑问，其他艺术家的作品也激励我寻找自己的道路。每当我遇到一位在纹身界做着非传统事情的艺术家时，我都会做笔记，研究，并欣赏他们的过程，无论他们的风格或技术如何。

我记得在我职业生涯早期，大约在2015-2016年，@baka.tat、@chenjie.newtattoo、@ida.minimal、@mariusztrubisz、@tattooist_doy、@evakrbdk和@dzo_lama的作品让我大开眼界。他们都在做着不同的事情，将设计和概念超越了每种风格或技术的界限。

我非常感谢所有为实验铺平了更灵活道路的艺术家。

——在您的作品集中，您认为哪些项目或纹身在技术或艺术上最为重要？

——可能是“开放式构图”，因为它们具有在任何方向上都能保持统一和平衡的特点，很容易适应不同的身体背景或周围的纹身。

除非你找我纹身或者我告诉你，否则你不会真正注意到这一点，哈哈哈。但是当我在预约当天向客户展示这些设计时，我会向他们解释，而且我们并不总是按照我最初绘制的方向来纹身。

创作这些作品有助于我信任我对空间内形式的理解，以及一个精心构图的设计的适应性和多功能性。

——作为一名纹身艺术家，您经常旅行吗？您有机会在哪些国家或工作室工作过？

——算是吧。如果是一次长途旅行，我每年至少会尝试旅行一次。

四年前，我有机会在巴塞罗那学习了一年，这让我得以在19:28 Tattoo Parlour担任常驻艺术家，并在短时间内访问了欧洲的几个国家。

从那次经历之后，我每年都努力保持一个固定的日程。

我有幸访问了布宜诺斯艾利斯的Cucu Studio、巴黎的Rayon Noir、柏林的Akurat Studio、巴塞罗那的Blanco Roto、北京的New Tattoo Studio、巴黎的Sasha Tattooing等。

——您参加过纹身展会吗？如果有，哪些展会给您留下了最深刻的印象？

——是的。在我的职业生涯中，我参加了三次展会——2019年的Reñaca Ink、2019年的Comic Ink和2024年的Summer Ink——但我只参加了一次比赛，我认为我可以从不止一次的经历中汲取一些难忘的东西，原因各不相同。

Reñaca Ink 是我的第一次展会体验，我“偶然”参加了。我使用了朋友的位置，因为她临时不能参加（@marialeontattoo）。所以严格来说我不是艺术家阵容的一部分，但我有机会见到一些我非常钦佩的智利伟大艺术家，他们热情地欢迎我成为他们团队的一员。我对来自智利 Viña del Mar 的 Nomade Tattoo Studio 团队充满感情。

而 Summer Ink 是我第一次参加比赛。我非常紧张，但也非常兴奋能在如此重要的展会上展示手刺技术，我获得了微型纹身类别的第二名。这是一次不可思议的经历！

— 最后，你目前在忙些什么，近期有什么计划？

— 嗯……我觉得我的作品总体上处于不断进步的状态。我总是在研究、学习、构思，每天都在想，“我现在该做什么？”、“接下来是什么？”、“我怎样才能做得不同？” 但我认为目前最突出的是我正在寻求创作更大的作品，以及我还不习惯工作的更复杂的身体部位，因此我开始为自己发布更大、更复杂的构图。

那计划呢？目前，我想再次访问亚洲，希望能回到欧洲，今年也许会增加一些新的目的地，但我们正在一步一步地进行。