그래피티 벽과 문신을 새긴 몸통 사이 어딘가에서, Lehel Nyeste는 자신의 매체를 발견했습니다. 헝가리 출신 아티스트는 스트리트 아트, 컴퓨터 그래픽 디자인, 그리고 자가 학습을 통한 홈 프랙티스를 거쳐 업계의 주목을 받기 시작했으며, 그의 피부에 새기는 모든 포화된 색감과 캐릭터 중심의 구성물에서 그 여정이 드러납니다.
Nyeste는 헝가리 북동부의 작은 마을인 메죄쾨베시드에서 자랐습니다. 어린 시절 그는 끊임없이 그림을 그렸고, 그 습관은 결국 그를 그래피티로 이끌었고 이후 컴퓨터 그래픽 디자인을 정식으로 공부하게 만들었습니다. 그 두 가지 흐름, 즉 훈련된 것과 야생적인 것은 이후 줄곧 그의 작업 속에서 나란히 흘러왔습니다.
그는 학업을 마치기도 전인 2009년에 타투 세계에 발을 들였습니다. 타투 키트를 구입하고 인조 피부와 흔쾌히 도와준 친구들을 상으로 집에서 연습했습니다. 먼저 독학으로, 그 다음 스튜디오에서 훈련받았습니다. 약 1년간의 그런 과정을 거친 후, 그는 에게르에 있는 사이코갱에서 견습생이 되었고, Joci라는 타투이스트가 그가 이 기술에 발을 디딜 수 있도록 도움을 주었습니다.
에게르에서 그는 미슈콜츠에 있는 스킨 워크샵으로 옮겼습니다. 바쁜 샵이었고, 주 6일 근무, 다양한 스타일을 다루는 환경은 당신을 무너뜨리거나 아니면 진지한 기술적 폭을 키워주는 곳이었습니다. 그것은 그의 기술을 키워주었습니다. 그는 결국 부다페스트로 이주해 퍼펙트 카오스 타투에 합류하기 전까지, 그곳에서 함께한 사람들이 자신의 발전을 밀어붙여준 덕분이라고 말합니다.
부다페스트는 다음 단계였고, 그 후에는 자신만의 프라이빗 스튜디오인 타투 퍼스펙티브가 생겼습니다. 각각의 이동은 의도적인 한 걸음이었습니다: 더 많은 자율성, 작업에 대한 더 많은 통제력, 그리고 그 초기 그래피티 시절부터 그가 그려오던 특정한 시각적 영역을 추구할 수 있는 더 넓은 공간을 의미했습니다.
"Joe Capobianco, Jesse Smith, Jime Litwalk 같은 몇몇을 예로 들자면, 타투 분야에서 실제로 이런 스타일로 작업하는 사람들이 있다는 걸 깨달았어요. 저는 이미 이것이 제 길이라는 걸 알고 있었죠."
뉴스쿨에 대한 끌림은 결코 선택이라기보다는 인식에 가까웠습니다. 그 스타일의 굵은 선과 색채의 농도는 그가 벽에서 이미 발전시켜 온 본능과 맞아떨어졌습니다. Joe Capobianco, Jesse Smith, Jime Litwalk 같은 아티스트들은 그 스타일이 타투에서 높은 수준으로 존재한다는 것을 보여주었습니다. 그는 그것을 보고 알게 되었습니다.
그 스타일 안에서 개인적인 시각 언어를 찾는 데에는 더 오랜 시간이 걸렸습니다. Nyeste는 지속적인 드로잉 연습, 형태와 형상에 대한 의도적인 실험, 그리고 영향력을 삼키지 않고 걸러내는 느린 과정을 포함해 약 5~6년이 걸렸다고 추정합니다. 그의 스타일은 그 이후로도 계속 진화해왔으며, 이는 아마도 어떤 단일한 돌파구보다는 그의 훈련된 자세에 대해 더 많은 것을 말해줍니다.
작업 자체는 캐릭터 중심에 생동감 있고 종종 유쾌하며, 일종의 통제된 열광을 중심으로 구축됩니다. 클라이언트는 '행복한 얼굴의 동물'이나 '야생의 존재'처럼 열린 주제를 가지고 오기도 하고, 그 출발점에서 Nyeste는 스케치를 하고, 연구하며, 그 디자인이 자리할 특정 신체 부위에 맞게 형태를 잡습니다. 클라이언트의 아이디어는 청사진이 아닌, 하나의 문입니다.
개념이 정립되면 거의 모든 그의 클라이언트들은 그에게 거의 완전한 창작의 자유를 줍니다. 맞춤 디자인은 주제가 가상의 생물이든 기존의 만화 캐릭터든 기본입니다. 그의 견해로는, 클라이언트가 한 걸음 물러나 과정을 신뢰할 때 최상의 결과가 나오며, 완성된 작업에서 그가 보는 바에 따르면, 그 신뢰는 꾸준히 잘 부여되고 있습니다.
“제 고객들은 아이디어만 제외하고 거의 100% 프리핸드로 맡겨주십니다. 그것이 가상의 것이든 기존의 만화 캐릭터든 말이죠.”
대규모 프로젝트야말로 그의 접근 방식이 가장 잘 드러나는 곳입니다. 주요 신체 부위 전체에 걸친 완전한 구성은 일반적으로 5회에서 8회의 세션을 거치며, 각 세션은 실제 타투 작업으로 약 5~6시간 정도 소요됩니다. 세션은 길고, 피부 관리는 신중하며, 만족감은 부분적으로 이미지가 세션마다 축적되어, 그 대상이 스스로의 모습을 갖추어 가는 것을 지켜보는 데서 비롯됩니다.
기술적으로, Nyeste는 한 작품에 담아내는 색상 혼합의 밀도에 비해 빠르게 작업합니다. 그는 그 차이에 대해 신중합니다. 피부를 보호하는 속도지, 핵심을 생략하는 속도는 아닙니다. 그는 수년간 Starbrite Colors와 함께 작업해 왔으며, 이 스폰서십은 그의 팔레트의 일관성을 형성하는 데 기여했습니다. 밝고, 대비가 강하며, 생동감 있는 그의 색상 선택은 우연이 아닙니다.
다른 타투이스트들과의 협업은 솔로 스튜디오 작업으로는 완전히 재현할 수 없는 방식으로 그의 발전에 기여했습니다. 그는 그런 경험들이 진정으로 형성에 도움이 되었다고 말합니다. 그러나 타투의 진정한 평가는 나중에 이루어집니다. 완전히 치유된 작품은 새로 찍힌 작품이 알려줄 수 없는 것들을 그에게 알려주며, 그는 그 정보를 사용해 다음 프로젝트를 조정합니다.
“저에게 진정한 피드백은 타투가 완전히 치유된 모습을 볼 때 오는 것입니다. 그때 다음 번에는 개선하거나 다르게 할 수 있는 점을 알 수 있기 때문이죠.”
그래피티는 멈추지 않았습니다. Nyeste는 여전히 정기적으로 그림을 그리며, 주로 Miskolc에서 활동하지만 합법적인 벽면은 작품들이 순환되도록 합니다. 그는 독일에서 광범위하게 그림을 그렸고 지난해에는 이탈리아를 방문했습니다. 스트리트 아트가 요구하는 독창적이고 알아볼 수 있는 시각적 정체성을 발전시키는 훈련은 그의 타투 작업에 대한 사고방식에 직접적으로 이어집니다.
그가 그린 가장 중요한 벽은 약 10년 전 부다페스트에 있었다: '도시와 물' 축제 기간 동안 3일 동안 교각 기둥에 그린 대형 작품이다. 그것은 아직도 그곳에 있다. 날씨와 페인트 아래에서 종종 사라지는 예술 형식으로서, 그런 종류의 영속성은 의미가 있다.
그의 컨벤션 기록은 상당하다. 암스테르담, 밀라노, 파리, 크라쿠프, 브뤼셀의 행사에서 그는 여러 상을 수집했다: 2015년부터 2017년까지 부다페스트 타투 컨벤션에서 3년 연속 '베스트 오브 컬러' 우승, 2017년 타투페스트 크라쿠프에서 '여성 구성', 그리고 2018년, 2019년, 2024년 에비앙 타투 쇼에서 '베스트 오브 데이'. 파리의 몽디알 뒤 타투아주는 여전히 그의 최애 행사로, 장소의 규모, 분위기, 그리고 그곳에 모인 재능의 밀도 때문이다.
컨벤션 타투는 다른 분야다. 제한된 장비, 낯선 환경, 현장에서 내리는 결정들. 니에스테는 이러한 제약들이 그의 결과물을 훼손하기보다는 그의 효율성을 높여준다고 느낀다. 준비는 늘어나고, 완성된 디자인이 더 많아지며, 준비된 스텐실이 더 많아지지만, 조용한 스튜디오의 하루와는 다른 방식으로 환경의 압박이 그를 밀어붙인다.
"제가 가장 좋아했던 것은 파리의 '몽디알 뒤 타투아주'였습니다. 거대한 장소, 분위기, 그리고 전 세계에서 온 거의 400명의 타투 아티스트들과 함께 작업할 수 있었기 때문입니다."
타투 산업 밖에서, 그는 올해 계획된 전시를 위해 프린트를 제작하고, 티셔츠, 토트백, 스티커를 포함한 상품을 출시하며 나아가고 있다. 그는 의류 브랜드나 밴드와의 협업에 열려 있으며, 흥미로운 프로젝트가 있는 사람이라면 lehel.chaos@gmail.com으로 연락할 수 있다. 작업은 바깥으로 확장되고 있다.
벽, 피부, 프린트, 컨벤션 플로어, 이 모든 것을 하나로 묶는 것은 항상 그래왔던 것과 같은 것이다: 인식될 만큼 충분히 구체적이고 성장을 계속할 만큼 충분히 유연한 시각적 정체성에 대한 헌신이다. 니에스테는 헝가리의 작은 마을에서 처음 스프레이 캔을 집어든 이후로 그 정체성을 구축해왔다. 그는 아직도 그것을 구축하고 있다.
