Eike Schumacher ist Mitinhaber von Carolina Icon Ink in Mt. Holly, North Carolina. Seine Arbeiten in Black & Grey und Color Realism ziehen Kunden an, die großformatige Tattoos mit durchdachter Komposition, starken Kontrasten und langfristig guter Lesbarkeit suchen. Sleeves, Tattoos über den gesamten Oberschenkel, detailreiche Porträts – klein sind seine Arbeiten nur selten.
Seine ersten prägenden Erfahrungen sammelte er, als er fast ein Jahrzehnt lang die Farbfabrik in Deutschland führte: ein ausgebuchter Kalender, ein beständiger Stammkundenkreis, ein gut laufendes Unternehmen. 2024 zog er mit seiner Familie nach North Carolina und fing noch einmal von vorn an. Schon nach relativ kurzer Zeit belegte Carolina Icon Ink bei Charlotte's Best 2025 den 2. Platz in der Kategorie „Bestes Tattoostudio“, während Eike von Wettbewerbssiegen bei den Villain Arts Tattoo Arts Festivals an den Jurorentisch wechselte.
In diesem Gespräch erzählt er, was ihn zu diesem Umzug bewogen hat, wie der amerikanische Markt seine Arbeit verändert hat, worauf er bei der Bewertung eines Wettbewerbstattoos achtet und warum er Erfolg trotz allem noch immer genauso definiert: besser zu werden, als er gestern war.
Du hast fast zehn Jahre lang dein eigenes Tattoostudio in Deutschland geführt. Wo standest du als Künstler und als Studiobetreiber, als du beschlossen hast, dein etabliertes Unternehmen zurückzulassen und in die Vereinigten Staaten zu ziehen?
– Als ich beschloss, Deutschland zu verlassen, hatte ich mir ein sehr stabiles und erfolgreiches Unternehmen aufgebaut. Ich hatte mein eigenes Studio, die Farbfabrik, fast zehn Jahre lang geführt, verfügte über einen großen und stetig wachsenden Stammkundenkreis und war normalerweise etwa ein Jahr im Voraus ausgebucht.
Künstlerisch konzentrierte ich mich bereits vorwiegend auf Realism, obwohl ich damals noch in einer größeren Bandbreite von Stilen arbeitete. Rückblickend habe ich mich seitdem enorm weiterentwickelt, besonders nach meinem Umzug in die Vereinigten Staaten. Ich glaube nicht, dass man als Künstler jemals wirklich einen Punkt erreicht, an dem es nichts mehr zu verbessern gibt.
Als Unternehmen war die Farbfabrik erfolgreich, aber sie entsprach nicht unbedingt dem Ziel, das ich letztlich erreichen wollte. Ich wollte schon immer wachsen, neue Ideen entwickeln und herausfinden, wie weit ich sowohl meine Kunst als auch mein Unternehmen bringen kann. Ich hatte das Gefühl, dass ein solches Wachstum in Deutschland möglich war, aber deutlich schwieriger als hier in den Vereinigten Staaten.
Ich habe Deutschland also nicht verlassen, weil das Unternehmen nicht funktioniert hätte. Tatsächlich war das Gegenteil der Fall. Ich ließ ein etabliertes Studio und einen starken Kundenstamm zurück, weil ich mich einer neuen Herausforderung stellen und etwas mit noch größeren Möglichkeiten aufbauen wollte.
2024 bist du mit deiner Familie nach North Carolina gezogen und hast in einem völlig neuen Markt praktisch noch einmal von vorn angefangen. Was war beruflich und privat der schwierigste Teil dieses Übergangs?
– Ehrlich gesagt habe ich den Umzug nie wirklich unter dem Gesichtspunkt möglicher Probleme betrachtet. Ich denke eher lösungsorientiert. Wenn etwas nicht funktioniert, versuche ich normalerweise zuerst herauszufinden, welche nächsten Schritte nötig sind, statt mir lange darüber Sorgen zu machen.
Die größte Herausforderung bestand wahrscheinlich darin, zu lernen, wie in einem völlig anderen Land alles funktioniert. Bürokratie, Unternehmensvorschriften, das Finanzsystem und sogar einfache Dinge, die man für selbstverständlich hält, wenn man sein ganzes Leben an einem Ort verbracht hat, funktionieren plötzlich anders. Ohne eine bereits bestehende Finanzhistorie in den USA kann beispielsweise selbst die Wohnungssuche komplizierter sein, als man erwartet.
Natürlich musste ich mir beruflich von Grund auf einen neuen Kundenstamm und einen neuen Ruf aufbauen. Aber ich habe das nie wirklich als Problem betrachtet. Ich wusste, wozu ich fähig war, und war überzeugt, dass die Kundschaft kommen würde, wenn ich beständig gute Arbeit ablieferte. Genau so ist es im Grunde auch gekommen. Auch persönlich habe ich die Entscheidung nie wirklich infrage gestellt. North Carolina fühlte sich sehr schnell richtig an. Für mich ging es bei diesem Neuanfang daher weniger um die Frage, ob wir die richtige Entscheidung getroffen hatten, sondern vielmehr darum, herauszufinden, wie wir alles zum Laufen bringen konnten.
Wie sehr unterscheidet sich die amerikanische Tattooindustrie von der deutschen, wenn es um Kunden, die Haltung gegenüber großformatigen Projekten, die Preisgestaltung und die Arbeitsweise von Tattoostudios geht?
– Eines der ersten Dinge, die mir auffielen, war, wie offen, herzlich und freundlich die Menschen hier sind. Das ist mir sofort aufgefallen – nicht nur in der Tattooindustrie, sondern auch im Alltag.
Aus künstlerischer Sicht gehören die Möglichkeiten, die ich hier habe, zu den größten Unterschieden. Meine Kunden in den USA sind sehr offen für ungewöhnliche Konzepte, größere Projekte und Designs, bei denen ich mehr kreative Freiheit habe. Dadurch konnte ich mich viel stärker auf Realism und insbesondere Color Realism konzentrieren, und ich habe das Gefühl, dass sich meine Arbeit dadurch deutlich weiterentwickelt hat.
In Deutschland hatte ich einfach nicht dieselben Möglichkeiten, diesen Bereich meiner Arbeit weiterzuentwickeln. Hier kommen regelmäßig Kunden mit einer Idee zu mir, die bereit sind, mir bei der künstlerischen Ausarbeitung zu vertrauen und mich daraus etwas Einzigartiges machen zu lassen. Für einen Künstler schaffen dieses Vertrauen und diese Offenheit viel Raum, um sich weiterzuentwickeln.
Daneben gibt es auch kleinere kulturelle Unterschiede. Trinkgeld ist in der amerikanischen Tattooindustrie zum Beispiel deutlich üblicher als in Deutschland. Insgesamt liegt der größte Unterschied für mich jedoch in der Offenheit der Kunden und den kreativen Möglichkeiten, die sich daraus ergeben.
Als du Carolina Icon Ink gegründet hast, welche Erfahrungen aus fast zehn Jahren als Betreiber eines Studios in Deutschland hast du mitgebracht, und was wolltest du dieses Mal anders angehen?
– Der größte Unterschied ist wahrscheinlich, dass ich heute viel entspannter bin. Wenn man fast zehn Jahre lang ein Studio geführt hat, lernt man, worauf es wirklich ankommt und worüber man sich keinen Kopf machen muss. Viele dieser Erfahrungen sind in die Gründung von Carolina Icon Ink eingeflossen.
Unverändert sind meine Ansprüche an Zuverlässigkeit, freundliche Kommunikation, Akzeptanz und Offenheit. Ich möchte, dass sich die Menschen wohlfühlen, wenn sie das Studio betreten – unabhängig davon, wer sie sind oder welches Tattoo sie sich wünschen. Eine klare und ehrliche Kommunikation ist mir außerordentlich wichtig, sowohl mit den Kunden als auch innerhalb des Teams.
Ich glaube, dieses Mal gelingt es mir besser, die Dinge sich auf natürliche Weise entwickeln zu lassen, anstatt jedes Detail kontrollieren zu wollen. Ich habe nach wie vor hohe Ansprüche an die Arbeit und an den Umgang mit den Kunden, aber ich habe gelernt, dass die Führung eines guten Studios nicht bedeutet, alles kompliziert zu machen. Oft funktioniert es am besten, die Dinge einfach zu halten, die richtigen Menschen um sich zu haben und ein Umfeld zu schaffen, in dem sich alle wohlfühlen.
Carolina Icon Ink wurde relativ schnell bekannt und belegte in der Kategorie „Bestes Tattoostudio“ bei Charlotte's Best 2025 Platz 2. Was hat deiner Meinung nach dazu beigetragen, dass du in einem neuen Umfeld so schnell Vertrauen gewinnen und dir einen guten Ruf aufbauen konntest?
– Ich denke, alles hat dazu beigetragen. Natürlich ist die Qualität der Arbeit wichtig, aber Vertrauen aufzubauen geht meiner Meinung nach weit über das Tattoo selbst hinaus.
Wir nehmen uns wirklich die Zeit, uns mit unseren Kunden zusammenzusetzen, ihren Ideen zuzuhören und zu verstehen, was sie sich wünschen, bevor wir mit dem Entwurf beginnen. Freundlichkeit, Akzeptanz, Verständnis und ein achtsamer Umgang mit dem Menschen, der vor einem sitzt, sind uns äußerst wichtig. Ein Tattoo kann etwas sehr Persönliches sein, und manchmal ist damit eine Geschichte verbunden, die dem Kunden viel bedeutet. Deshalb möchte ich nie, dass ein Kunde das Gefühl hat, nur der nächste Termin im Kalender zu sein.
Ich glaube, die Menschen merken, wenn man ihre Wünsche und Ideen wirklich ernst nimmt und sich darum bemüht, dass sie sich gut aufgehoben fühlen. Verbindet man das mit beständig hoher Qualität, kommen sie wieder und empfehlen einen weiter. Das hat uns geholfen, viel schneller als anfangs erwartet einen treuen Kundenstamm und einen hervorragenden Ruf hier vor Ort aufzubauen.
Du arbeitest gemeinsam mit deiner Frau Sophia und dem Team von Carolina Icon Ink. Wie teilt ihr die Aufgaben untereinander auf, und wie wichtig war diese Partnerschaft für den Aufbau des Studios?
– Sophia ist meine Geschäftspartnerin, aber unsere Aufgaben haben sich ganz natürlich in unterschiedliche Richtungen entwickelt. Ich kümmere mich bei Carolina Icon Ink um den Großteil des Tagesgeschäfts. Dazu gehören Social Media und Werbung, Kundenanfragen, die Terminplanung und die Verteilung der Kunden auf die Künstler, die Buchhaltung und der größte Teil der Verwaltung – und gleichzeitig tätowiere ich in Vollzeit.
Sophias Rolle ist eine andere, aber für alles, was wir aufbauen konnten, genauso wichtig. Sie übernimmt einen großen Teil der Aufgaben in der Familie und gibt mir die Unterstützung und den Freiraum, die ich brauche, um so viel Zeit und Energie in das Unternehmen zu investieren. Wann immer ich sie im Studio oder bei etwas anderem brauche, ist sie für mich da.
Wir sind gemeinsam mit unseren drei Töchtern in die Vereinigten Staaten gezogen und haben als Familie dieses neue Kapitel begonnen. In gewisser Weise teilen wir die Aufgaben danach auf, was für uns am besten funktioniert: Ich kümmere mich in erster Linie um das Unternehmen, sie vor allem um die Familie, und wir unterstützen einander überall dort, wo es nötig ist. Ich könnte all das nicht tun, wenn ich nicht wüsste, dass sie mir den Rücken freihält.
Carolina Icon Ink bietet eine große Bandbreite an Tattoo-Stilen, während deine eigene Arbeit vor allem mit Realism verbunden wird. Wie wichtig ist es dir, dass das Studio eine eigene Identität besitzt und nicht einfach nur ein gemeinsam genutzter Raum für einzelne Künstler ist?
– Beides ist mir sehr wichtig. Ich möchte, dass Carolina Icon Ink eine starke eigene Identität besitzt, aber diese Identität soll die Künstler, die mit uns arbeiten, niemals einschränken. Jeder Künstler hat andere Stärken und Interessen sowie eine eigene kreative Handschrift, und ich finde, sie sollten die Freiheit haben, diese weiterzuentwickeln. Gleichzeitig geht meine langfristige Vision für Carolina Icon Ink über ein einzelnes Tattoostudio hinaus. Ich arbeite derzeit daran, daraus eine bekannte Marke zu entwickeln – mit Kleidung, unseren eigenen Pflegeprodukten und später auch weiteren Standorten. Ich möchte, dass die Menschen den Namen Carolina Icon Ink wiedererkennen und ihn mit einem bestimmten Anspruch an Qualität und Professionalität sowie mit unserem Umgang mit den Kunden verbinden.
Für mich stehen diese beiden Vorstellungen nicht im Widerspruch zueinander. Carolina Icon Ink kann eine starke Identität haben, während die einzelnen Künstler zugleich ihre eigene bewahren. Im Idealfall bietet die Marke das Fundament und setzt den Qualitätsmaßstab, während jeder Künstler die Freiheit hat, innerhalb dieses Rahmens seinen eigenen Stil und Ruf zu entwickeln.
Was zeichnet für dich heute ein wirklich starkes Realism-Tattoo aus? Was unterscheidet eine technisch beeindruckende Arbeit von einem Tattoo, das darüber hinaus Persönlichkeit und Wirkung besitzt?
– Wenn ich mir ein starkes Realism-Tattoo ansehe, besonders ein großformatiges Motiv, zoome ich tatsächlich gern hinein und betrachte die technische Ausführung ganz genau. Ich möchte sehen, wie sauber die Details gearbeitet sind und ob der Künstler wirklich jedem Teil des Tattoos Aufmerksamkeit geschenkt hat – nicht nur den Bereichen, die sofort ins Auge fallen.
„Ein Realism-Tattoo wird nicht allein dadurch ausdrucksstärker, dass man mehr Elemente und Details hinzufügt.“
Gleichzeitig fesseln mich meist gerade die Tattoos, die mich nicht mit Eindrücken überladen. Ein Realism-Tattoo wird nicht allein dadurch ausdrucksstärker, dass man mehr Elemente und Details hinzufügt. Wenn alles um Aufmerksamkeit konkurriert, kann das Gesamtdesign schnell überladen wirken. Meiner Meinung nach braucht ein starkes Motiv einen klaren Fokus, eine gute Komposition und genügend Raum, damit die wichtigen Elemente ihre Wirkung entfalten können.
Noch interessanter finde ich es, das abgeheilte Tattoo zu sehen. Hat es immer noch starke Kontraste? Hat es nach dem Abheilen seinen Charakter bewahrt? Sind die Details weiterhin klar und gut erkennbar oder beginnen bestimmte Bereiche bereits ineinander überzugehen? Solche Dinge sagen mir viel mehr über die Qualität der Arbeit als ein perfektes Foto, das direkt nach der Fertigstellung des Tattoos aufgenommen wurde.
Für mich sollte ein großartiges Realism-Tattoo sowohl frisch als auch abgeheilt diesen Wow-Effekt haben. Es sollte optisch beeindrucken, doch hinter dem sichtbaren Eindruck sollte auch solides handwerkliches Können stehen.
Du arbeitest sowohl mit Black & Grey als auch mit Color Realism. Wie unterscheidet sich dein Ansatz bei den beiden Stilen, insbesondere im Hinblick auf Komposition, Kontrast und visuelle Gesamtwirkung?
– Ich gehe bei Black & Grey und Color Realism unterschiedlich vor, wobei die genaue Technik immer vom Motiv, von der Platzierung und von der Haut des Kunden abhängt.
Für Black & Grey mische ich meine Greywash-Töne mit einer kleinen Menge deckender grauer Tattoofarbe. Meiner Erfahrung nach erziele ich damit eine bessere Sättigung und kann zugleich sehr weiche Übergänge und sanfte Verläufe schaffen. Ich arbeite überwiegend mit größeren Magnum-Shadern, weil ich damit die Verläufe gleichmäßig aufbauen und das gesamte Tattoo stimmig halten kann. Auch bei Color Realism verwende ich häufig Magnums, arbeite aber ebenso gern mit Round Shadern, besonders wenn ich bei kleineren Details, Highlights und in Bereichen, in denen Präzision besonders gefragt ist, mehr Kontrolle brauche. Außerdem mische ich viele meiner Farben selbst, statt mich ausschließlich auf Farben direkt aus der Flasche zu verlassen. So kann ich genau die gewünschten Farbübergänge erzeugen und habe mehr Kontrolle über die Ausgewogenheit und die visuelle Wirkung des Tattoos.
Bei beiden Stilen sind Kontrast und langfristige Lesbarkeit von Anfang an Teil der Komposition. Realism verleitet dazu, so viele Details wie möglich in einem Tattoo unterzubringen, doch mehr Details ergeben nicht automatisch ein besseres Tattoo. Man braucht genügend Kontrast, ausreichend Freiraum zwischen wichtigen Elementen und ein Verständnis dafür, welche Details zum Motiv beitragen und welche ihm mit zunehmendem Alter des Tattoos irgendwann entgegenwirken können. Manchmal ist es ebenso wichtig, etwas wegzulassen, wie etwas hinzuzufügen.
Letztlich halte ich nichts davon, bei jedem Tattoo nach einer festen Formel vorzugehen. Das Motiv, die Platzierung und der Hauttyp beeinflussen, welche Nadelkonfiguration, Farbkombination und Technik ich wähle. Das Ziel besteht immer darin, genau die Kombination einzusetzen, die für gerade dieses Tattoo und gerade diese Haut das stärkste Ergebnis liefert.
Wenn du auf deine bisherige Karriere zurückblickst: Welche Tattoos oder Projekte waren für dich persönlich am bedeutungsvollsten oder wertvollsten, und warum stechen gerade diese Arbeiten hervor?
– Mir fallen sofort zwei Projekte ein, die für ganz unterschiedliche Phasen meiner Karriere stehen.
Das erste war das allererste Porträt, das ich je tätowiert habe, vor mehr als acht Jahren. Mein Kunde wollte ein Porträt seiner Enkelin auf dem Unterarm. Damals musste ich mich als Realism-Künstler noch beweisen, und ich weiß noch, wie unglaublich dankbar ich dafür war, dass mir jemand genug vertraute, um mir die Gelegenheit zu geben, zu zeigen, dass ich ein menschliches Gesicht auf die Haut übertragen konnte. Wenn ich dieses Tattoo heute betrachte, sehe ich natürlich, wie enorm sich meine Arbeit seitdem weiterentwickelt hat. Doch dieses Tattoo wird mir immer wichtig bleiben, weil mir jemand dieses Vertrauen schenkte, bevor ich jahrelange Erfahrung mit Porträts hatte.
Ein wesentlich jüngeres Projekt war ein großer, vollfarbiger realistischer Drache, der sich von der Schulter meiner Kundin bis zu ihrem Ellbogen erstreckte. Von Anfang an erklärte ich ihr, dass die Idee eine großflächige Komposition und mehrere Sitzungen erfordern würde, um sie angemessen umzusetzen. Sie vertraute meiner Erfahrung vollkommen und ließ mir völlige kreative Freiheit. Wir arbeiteten über mehrere Monate daran, bis das gesamte Werk fertig war.
Besonders erfüllend an diesem Projekt ist für mich, zu sehen, wie die Menschen heute darauf reagieren. Sie hat mir erzählt, dass die Leute sie anhalten, um sich das Tattoo anzusehen, fragen, ob sie es fotografieren dürfen und wer es geschaffen hat, und ihr ständig Komplimente dafür machen. Als Künstler macht mich das glücklich, denn es zeigt, dass das Tattoo über die handwerkliche Seite der Arbeit hinaus Wirkung entfaltet.
In gewisser Weise stehen diese beiden Tattoos für meinen Weg. Das eine entstand, weil mir jemand die Chance gab, zu beweisen, was ich konnte. Das andere entstand, weil jemand dem, was ich bereits bewiesen hatte, so sehr vertraute, dass ich völlige kreative Freiheit bekam.
Viele deiner Projekte sind großflächige Arbeiten und vollständige Sleeves. Entwickelst du bei der Planung solcher Arbeiten zunächst jedes einzelne Element, oder denkst du von Anfang an über die gesamte Komposition und ihr Zusammenspiel mit dem Körper nach?
– Ich plane immer von Anfang an das gesamte Projekt, selbst wenn wir es über mehrere Sitzungen hinweg Stück für Stück umsetzen. Bevor ich mit dem ersten Teil beginne, möchte ich wissen, wohin sich das Projekt entwickeln soll.
Gerade bei Sleeves und anderen großflächigen Arbeiten muss das Tattoo für mich passend zum Körper entworfen sein, statt einfach nur auf ihm platziert zu werden. Ich achte sehr genau auf die Form des Körperbereichs, die Platzierung und Größe der einzelnen Elemente und darauf, wie alles harmonisch ineinander übergeht.
Sobald die Gesamtkomposition feststeht, kann ich sie Stück für Stück ausarbeiten, bis das Projekt abgeschlossen ist. Auch wenn zwischen dem Tätowieren einzelner Bereiche mehrere Monate liegen, wurden sie von Anfang an als Teile desselben Designs geplant.
Wenn alles fertig ist, soll man darin keine Ansammlung einzelner Tattoos sehen. Es soll wie ein zusammenhängendes Werk wirken, das eigens für diesen Körperbereich geschaffen wurde.
Nach deinem Umzug in die USA hast du bei den Villain Arts Tattoo Arts Festivals erste Plätze gewonnen und wurdest später als Juror eingeladen. Was bedeutete es dir, nicht mehr selbst am Wettbewerb teilzunehmen, sondern das Vertrauen zu erhalten, die Arbeiten anderer Künstler zu bewerten?
– Ich war auf jeden Fall stolz und dankbar. Villain Arts ist eine bedeutende Organisation in der Tattoo-Branche, daher war es für mich eine große Ehre, dass man mir die Bewertung der Arbeiten anderer professioneller Künstler anvertraute.
Ich glaube an meine Fähigkeiten und weiß, wozu ich als Künstler in der Lage bin. Doch wenn andere angesehene Persönlichkeiten der Branche das anerkennen, ist das noch einmal etwas ganz anderes. Die Einladung in die Jury empfand ich als Würdigung all der Jahre harter Arbeit, des Lernens und der beständigen Weiterentwicklung, durch die ich an diesen Punkt gelangt war.
Es war auch deshalb besonders bedeutsam, weil es relativ kurz nach unserem Umzug in die Vereinigten Staaten geschah. Wir haben hier praktisch noch einmal von vorn angefangen, und innerhalb recht kurzer Zeit baute ich mir zunächst einen neuen Kundenstamm auf, gewann dann Wettbewerbe und wurde schließlich eingeladen, die Rollen zu wechseln und selbst als Juror tätig zu sein.
Diese Erfahrung hat mir erneut vor Augen geführt, was ich am Aufbau meiner Karriere hier besonders schätze: Ich habe das Gefühl, dass harte Arbeit und Hingabe neue Möglichkeiten eröffnen. Was wir in so kurzer Zeit aufbauen und erreichen konnten, habe ich persönlich vor meinem Umzug in die Vereinigten Staaten nie in vergleichbarem Maße erlebt.
Worauf achtest du zuerst, wenn du ein Wettbewerbstattoo bewertest? Welche Merkmale heben außergewöhnliche Tätowierungen sofort von den übrigen ab?
– Das hängt immer von der Kategorie ab, die ich bewerte. Ein kleines Black & Grey-Tattoo muss anders beurteilt werden als ein großes Farbtattoo, und bei Traditional, Neo-Traditional oder Fine Line muss man auf andere technische Aspekte achten als bei Realism.
„Nicht die Geschichte war der Grund, weshalb es den ersten Platz verdient hatte. Den hatte sich das Tattoo selbst verdient.“
Bei Stilen, die stark von der Linienführung leben, achte ich genau auf die Gleichmäßigkeit der Linien. Sind sie sauber und bewusst gesetzt oder zittrig beziehungsweise unbeabsichtigt unterbrochen? Bei Farbe achte ich auf die Sättigung, die Übergänge zwischen den Farben und darauf, ob die Flächen gleichmäßig ausgefüllt sind. Oft erkennt man, wenn ein Tattoo unter Zeitdruck entstanden ist, weil manche Bereiche einfach nicht mit derselben Sorgfalt ausgearbeitet wurden wie andere.
Auch ob das Tattoo frisch oder verheilt ist, macht einen großen Unterschied. Eines meiner liebsten Beispiele aus meiner Zeit als Juror war ein kleinformatiges Realism-Tattoo, dem ich den ersten Platz verlieh, obwohl es bereits mehr als fünf Jahre alt war. Es zeigte ein Porträt von zwei Jungen direkt oberhalb der Armbeuge. Trotz seines Alters und der schwierigen Platzierung waren die Details noch immer klar erkennbar, der Kontrast war erhalten geblieben und die Schattierungen wirkten weiterhin weich, ohne dass Bereiche ineinander verschwammen oder auseinanderfielen. Man konnte sofort erkennen, dass der Künstler genau wusste, was er tat.
Später erfuhr ich, dass der Künstler kurz nach der Fertigstellung des Tattoos verstorben war. Deshalb war es nie nachgearbeitet oder aufgefrischt worden. Die Frau, die es trug, hatte es unter anderem zu seinen Ehren für den Wettbewerb angemeldet. Für mich verlieh die Geschichte diesem Moment eine besondere Bedeutung, doch nicht sie war der Grund, weshalb das Tattoo den ersten Platz verdient hatte. Den hatte sich das Tattoo selbst verdient. Auch nach mehr als fünf Jahren war es noch immer eine außergewöhnliche Arbeit.
Genau danach suche ich letztlich bei der Bewertung: nicht nur nach etwas, das auf den ersten Blick beeindruckend wirkt, sondern nach Belegen für herausragendes handwerkliches Können. Technik, Komposition, Umsetzung und – wenn ich die Gelegenheit habe, verheilte Arbeiten zu sehen – die Frage, wie gut sich diese Entscheidungen im Laufe der Zeit bewährt haben.
Seit Kurzem schreibst du auch lehrreiche Artikel über Realism-Tattoos und deinen persönlichen Ansatz bei diesem Handwerk. Warum wolltest du dein Wissen auch über deine Arbeit als Tätowierer hinaus mit anderen Künstlern teilen?
– Es hat mir schon immer Freude bereitet, Wissen weiterzugeben und Menschen zu helfen, die diese Unterstützung wirklich zu schätzen wissen. Tätowieren ist ein Handwerk, bei dem man nie auslernt, und ich halte es für sehr wertvoll, wenn Künstler bereit sind, ihre Erfahrungen weiterzugeben, anstatt alles für sich zu behalten.
Außerdem experimentiere ich gern mit verschiedenen Techniken. Ich probiere unterschiedliche Ansätze aus, passe sie an und arbeite so lange damit weiter, bis ich verstehe, was bei mir zuverlässig funktioniert und warum. Ich kann nicht sagen, ob andere Tätowierer manche der von mir verwendeten Techniken schon vor mir unabhängig entwickelt haben, und ich würde auch nicht behaupten, sie erfunden zu haben. Ich bin lediglich durch eigenes Experimentieren und die kontinuierliche Verbesserung meiner Arbeit darauf gekommen.
Wenn ich etwas finde, das meine Ergebnisse wirklich verbessert, teile ich es gern. Wenn ein Ansatz für mich funktioniert und ein anderer Tätowierer etwas daraus mitnehmen, es an seine eigene Arbeitsweise anpassen und damit seine Ergebnisse verbessern kann, halte ich das für eine gute Sache.
Durch das Schreiben kann ich mehr vermitteln als nur das fertige Tattoo. Meist sehen die Menschen nur das Endergebnis, nicht aber unbedingt die Entscheidungen, Experimente und Erkenntnisse, die dahinterstehen. In Artikeln kann ich einen Teil dieses Prozesses erläutern und anderen Tätowierern hoffentlich etwas Nützliches mitgeben, das sie bei ihrer eigenen Arbeit anwenden können.
Nachdem du fast ein Jahrzehnt lang ein Studio in Deutschland geführt und anschließend deine Karriere und dein Unternehmen in den Vereinigten Staaten neu aufgebaut hast: Wie definierst du heute Erfolg für dich? Sind es Auszeichnungen, ein erfolgreiches Studio, ein unverkennbares Gesamtwerk, die Weiterbildung anderer Tätowierer – oder etwas ganz anderes?
– Ich denke, Erfolg sieht für jeden anders aus, und für mich gehört all das dazu. Im Kern bedeutet Erfolg für mich jedoch, besser zu werden, als ich gestern war. Ich brauche immer neue Ziele. Es macht mir wirklich Freude, sie mir zu setzen, auf sie hinzuarbeiten und schließlich zu sehen, wie aus einer Idee Wirklichkeit wird.
Erfolg bedeutet für mich auch, meiner Familie eine Zukunft zu ermöglichen, in der sie sich keine Sorgen machen muss, während ich Carolina Icon Ink weiterentwickle und sehe, wie weit wir es bringen können. Doch mit dem Wachstum des Unternehmens sollen auch Chancen für andere Menschen entstehen. Ich möchte einen Ort bieten, an dem Tätowierer gut verdienen können, sich respektiert und wertgeschätzt fühlen und die Freiheit haben, sich weiterzuentwickeln und sich durch ihre Kunst auszudrücken.
Auszeichnungen, Anerkennung und der Aufbau eines unverkennbaren Gesamtwerks sind mir wichtig, weil sie für Fortschritt stehen. Doch nichts davon betrachte ich als endgültiges Ziel. Sobald ich ein Ziel erreicht habe, habe ich meist schon das nächste im Kopf.
Und vielleicht gehört es zu den wichtigsten Aspekten des Erfolgs, weiterhin Freude an dem zu haben, was man tut. Ich möchte nie, dass sich meine Arbeit wie eine Belastung anfühlt. Auch nach all den Jahren tätowiere ich noch immer gern, entwickle das Unternehmen weiter, probiere Neues aus und bin gespannt, wohin mich das nächste Ziel führt. Solange ich mich weiterentwickle, meine Familie absichere, Chancen für andere schaffe und weiterhin Freude an diesem Weg habe, ist das für mich Erfolg.
