Eike Schumacher est copropriétaire de Carolina Icon Ink à Mt. Holly, en Caroline du Nord, où ses créations en Black & Grey et Color Realism attirent une clientèle à la recherche de pièces de grande envergure, conçues autour de la composition, du contraste et d’une lisibilité durable. Manchettes, cuisses entières, portraits détaillés : les projets de petite taille sont rares.
Il a fait ses armes en dirigeant Farbfabrik en Allemagne pendant près de dix ans : un carnet de rendez-vous rempli, une clientèle fidèle et une entreprise qui fonctionnait bien. En 2024, il s’est installé en Caroline du Nord avec sa famille et a tout recommencé. Assez rapidement, Carolina Icon Ink a décroché la deuxième place dans la catégorie du meilleur salon de tatouage du palmarès Charlotte's Best 2025, tandis qu’Eike, après avoir remporté plusieurs concours lors des Villain Arts Tattoo Arts Festivals, a été invité à faire partie du jury.
Dans cet entretien, il évoque les raisons qui l’ont poussé à partir, la manière dont le marché américain a fait évoluer son travail, les critères qu’il examine lorsqu’il évalue une pièce en compétition et pourquoi, après tout ce parcours, il définit toujours la réussite de la même façon : devenir meilleur qu’il ne l’était la veille.
Vous avez possédé et dirigé votre propre salon de tatouage en Allemagne pendant près de dix ans. Où en étiez-vous, à la fois comme artiste et comme propriétaire de salon, lorsque vous avez décidé de quitter une entreprise bien établie pour vous installer aux États-Unis ?
– Lorsque j’ai décidé de quitter l’Allemagne, j’avais bâti une entreprise très stable et prospère. Je dirigeais mon propre salon, Farbfabrik, depuis près de dix ans, je disposais d’une vaste clientèle fidèle qui ne cessait de croître, et mon carnet de rendez-vous était généralement rempli environ un an à l’avance.
Sur le plan artistique, je me consacrais déjà principalement au Realism, même si je pratiquais encore à l’époque un éventail de styles plus large. Avec le recul, j’ai énormément progressé depuis, surtout après mon installation aux États-Unis. Je ne pense pas qu’un artiste atteigne un jour un stade où il n’a plus rien à améliorer.
Farbfabrik était une réussite commerciale, mais ce n’était pas nécessairement mon objectif final. J’ai toujours souhaité progresser, développer de nouvelles idées et voir jusqu’où je pouvais mener à la fois mon art et mon entreprise. Je sentais qu’une telle évolution était possible en Allemagne, mais qu’elle y serait bien plus difficile qu’ici, aux États-Unis.
Je n’ai donc pas quitté l’Allemagne parce que mon entreprise ne fonctionnait pas. C’était même tout le contraire. J’ai laissé derrière moi un salon bien établi et une solide clientèle parce que je voulais me lancer un nouveau défi et construire quelque chose offrant encore davantage de possibilités.
En 2024, vous vous êtes installé en Caroline du Nord avec votre famille et avez pratiquement tout recommencé sur un marché entièrement nouveau. Quel a été l’aspect le plus difficile de cette transition, sur les plans professionnel et personnel ?
– Honnêtement, je n’ai jamais vraiment envisagé ce déménagement sous l’angle des problèmes. J’ai tendance à chercher des solutions. Quand quelque chose ne fonctionne pas, ma première réaction consiste généralement à déterminer ce qu’il faut faire ensuite, plutôt qu’à passer trop de temps à m’en inquiéter.
Le plus grand défi a probablement été de comprendre comment tout fonctionne dans un pays complètement différent. La bureaucratie, la réglementation des entreprises, le système financier et même les choses simples qui semblent évidentes quand on a toujours vécu au même endroit fonctionnent soudain autrement. Sans antécédents financiers établis aux États-Unis, par exemple, même trouver un logement peut s’avérer plus compliqué que prévu.
Sur le plan professionnel, j’ai bien sûr dû me constituer une nouvelle clientèle et bâtir ma réputation en partant de zéro. Mais je n’ai jamais vraiment considéré cela comme un problème. Je savais ce dont j’étais capable et j’étais convaincu que, si je fournissais constamment un travail de qualité, les clients viendraient. C’est précisément ce qui s’est passé. Sur le plan personnel, je n’ai jamais vraiment remis cette décision en question non plus. Je me suis très vite senti à ma place en Caroline du Nord. Pour moi, la transition consistait donc moins à nous demander si nous avions fait le bon choix qu’à trouver comment faire fonctionner l’ensemble.
Quelles différences avez-vous constatées entre le milieu du tatouage américain et celui de l’Allemagne en ce qui concerne les clients, leur attitude envers les projets de grande envergure, les tarifs et le fonctionnement des salons de tatouage ?
– L’une des premières choses que j’ai remarquées, c’est à quel point les gens sont ouverts, accueillants et chaleureux ici. Cela m’a immédiatement frappé, non seulement dans le milieu du tatouage, mais aussi dans la vie quotidienne.
D’un point de vue artistique, les possibilités qui s’offrent à moi ici constituent l’une des principales différences. Aux États-Unis, mes clients sont très réceptifs aux concepts inhabituels, aux projets de grande envergure et aux créations qui me laissent davantage de liberté artistique. Cela m’a permis de me consacrer beaucoup plus au Realism, notamment au Color Realism, et j’ai le sentiment que mon travail a considérablement évolué grâce à cela.
En Allemagne, je n’avais tout simplement pas les mêmes possibilités d’explorer cet aspect de mon travail. Ici, je reçois régulièrement des clients qui viennent me voir avec une idée, mais qui sont prêts à me faire confiance pour la direction artistique et à me laisser la transformer en quelque chose d’unique. Pour un artiste, ce degré de confiance et d’ouverture offre beaucoup de possibilités d’évolution.
Il existe aussi de petites différences culturelles. Par exemple, le pourboire est beaucoup plus courant dans le milieu du tatouage américain qu’en Allemagne. Mais dans l’ensemble, la principale différence réside pour moi dans l’ouverture d’esprit des clients et les possibilités créatives qui en découlent.
Lorsque vous avez commencé à développer Carolina Icon Ink, quelles leçons tirées de près de dix années à la tête d’un salon en Allemagne avez-vous mises à profit, et qu’avez-vous décidé d’aborder différemment cette fois-ci ?
– La principale différence tient probablement au fait que je suis beaucoup plus détendu aujourd’hui. Après avoir dirigé un salon pendant près de dix ans, on apprend à distinguer ce qui compte vraiment de ce qui ne mérite pas qu’on s’en préoccupe. J’ai mis une grande partie de cette expérience à profit lorsque nous avons créé Carolina Icon Ink.
Ce qui n’a pas changé, ce sont mes exigences en matière de fiabilité, de bienveillance dans les échanges, d’accueil de tous et d’ouverture d’esprit. Je veux que les gens se sentent à l’aise lorsqu’ils entrent dans le salon, quels qu’ils soient et quel que soit le tatouage qu’ils souhaitent. Une communication claire et honnête est extrêmement importante à mes yeux, aussi bien avec les clients qu’au sein de l’équipe.
Cette fois-ci, je pense être davantage capable de laisser les choses évoluer naturellement au lieu d’essayer d’en contrôler chaque détail. Je reste très exigeant quant à la qualité du travail et à la manière dont les clients sont traités, mais j’ai appris que bien gérer un salon ne signifie pas qu’il faille tout compliquer. Le mieux est parfois de faire simple, de s’entourer des bonnes personnes et de créer un environnement où chacun se sent à l’aise.
Carolina Icon Ink s’est fait connaître assez rapidement et a obtenu la 2e place dans la catégorie « Meilleur salon de tatouage » de Charlotte's Best 2025. Selon vous, qu’est-ce qui vous a permis de gagner la confiance des habitants et de vous forger si vite une solide réputation dans cette nouvelle communauté ?
– Je pense que chaque aspect a joué un rôle. Bien sûr, la qualité du travail est importante, mais je crois que gagner la confiance des clients va bien au-delà du tatouage lui-même.
Nous prenons vraiment le temps de nous asseoir avec nos clients, d’écouter leurs idées et de comprendre ce qu’ils souhaitent avant de commencer la conception. La bienveillance, l’acceptation, la compréhension et l’attention portée à la personne qui se trouve devant vous sont extrêmement importantes à nos yeux. Un tatouage peut être très personnel et parfois porter une histoire chargée de sens. Je ne veux donc jamais qu’un client ait l’impression de n’être qu’un rendez-vous de plus dans notre emploi du temps.
Je pense que les gens remarquent quand vous vous souciez sincèrement de leur expérience et de leurs idées. Lorsque cela s’accompagne d’un travail toujours de grande qualité, ils reviennent et vous recommandent à leur entourage. Cela nous a permis de fidéliser notre clientèle et de nous forger ici une solide réputation bien plus rapidement que je ne l’avais imaginé au départ.
Vous travaillez aux côtés de votre femme Sophia et de l’équipe de Carolina Icon Ink. Comment vous répartissez-vous les responsabilités, et quelle importance ce partenariat a-t-il eue dans la création du salon ?
– Sophia est mon associée, mais nos responsabilités ont naturellement évolué dans des directions différentes. Je m’occupe de la majeure partie des activités quotidiennes de Carolina Icon Ink. Cela comprend les réseaux sociaux et la publicité, les demandes des clients, la gestion des rendez-vous et leur répartition entre les artistes, la comptabilité ainsi que l’essentiel des tâches administratives, tout en tatouant à temps plein.
Le rôle de Sophia est différent, mais tout aussi important dans ce que nous avons réussi à construire. Elle assume une grande partie des responsabilités familiales et m’apporte le soutien et la liberté dont j’ai besoin pour consacrer autant de temps et d’énergie à l’entreprise. Chaque fois que j’ai besoin d’elle au salon ou d’aide pour quoi que ce soit, elle est là.
Nous nous sommes installés ensemble aux États-Unis avec nos trois filles et avons entamé ce nouveau chapitre en famille. D’une certaine manière, nous répartissons les responsabilités en fonction de ce qui nous convient le mieux : je m’occupe principalement de l’entreprise, elle prend surtout en charge la famille, et nous nous soutenons mutuellement dès que cela est nécessaire. Je ne pourrais pas faire ce que je fais sans savoir que je peux compter sur elle.
Carolina Icon Ink propose un large éventail de styles de tatouage, tandis que votre propre travail est principalement associé au Realism. À quel point est-il important pour vous que le salon possède sa propre identité, au lieu d’être simplement un espace partagé par plusieurs artistes ?
– Ces deux aspects sont très importants pour moi. Je veux que Carolina Icon Ink ait une identité forte, mais je ne veux jamais que celle-ci limite les artistes qui travaillent avec nous. Chaque artiste possède des points forts, des centres d’intérêt et une voix créative qui lui sont propres, et je pense que chacun doit être libre de les développer. Parallèlement, ma vision à long terme pour Carolina Icon Ink va au-delà d’un simple salon de tatouage. Je travaille actuellement à en faire une marque reconnaissable, avec notamment des vêtements, nos propres produits de soin après tatouage et, à terme, d’autres établissements. Je veux que le public reconnaisse le nom Carolina Icon Ink et l’associe à un certain niveau de qualité, de professionnalisme et d’attention envers nos clients.
À mes yeux, ces deux idées ne s’opposent pas. Carolina Icon Ink peut posséder une identité forte, tout en laissant chaque artiste conserver la sienne. Dans l’idéal, la marque fournit le socle et fixe le niveau d’exigence, tandis que chaque artiste reste libre de développer son propre style et sa propre réputation dans ce cadre.
Qu’est-ce qui caractérise aujourd’hui, à vos yeux, un tatouage Realism vraiment réussi ? Qu’est-ce qui distingue un travail techniquement impressionnant d’un tatouage qui possède également de la personnalité et de la force ?
– Lorsque j’observe un tatouage Realism réussi, en particulier une pièce de grand format, j’aime agrandir l’image pour examiner de près son exécution technique. Je veux voir si les détails sont nets et si l’artiste a réellement prêté attention à chaque partie du tatouage, et pas seulement aux zones qui attirent immédiatement le regard.
« Un tatouage réaliste ne gagne pas en force simplement parce que vous y ajoutez davantage d’éléments et de détails. »
En même temps, les tatouages qui retiennent vraiment mon attention sont généralement ceux qui ne me submergent pas. Un tatouage réaliste ne gagne pas en force simplement parce que vous y ajoutez davantage d’éléments et de détails. Si tout cherche à attirer le regard, la composition générale peut vite devenir surchargée. Je pense qu’une pièce forte doit avoir un point focal clair, une bonne composition et suffisamment d’espace pour que les éléments importants produisent tout leur effet.
Ce qui m’intéresse encore davantage, c’est de voir le tatouage une fois cicatrisé. Le contraste reste-t-il marqué ? A-t-il conservé son caractère après la cicatrisation ? Les détails sont-ils toujours nets et lisibles, ou certaines zones ont-elles commencé à se fondre les unes dans les autres ? Ces éléments m’en disent bien plus sur la qualité du travail qu’une photo parfaite prise immédiatement après la réalisation du tatouage.
Pour moi, un excellent tatouage Realism doit produire le même effet saisissant lorsqu’il est frais et une fois cicatrisé. Il doit être visuellement impressionnant, mais aussi révéler une maîtrise technique qui ne se limite pas à son apparence.
Vous travaillez aussi bien en Black & Grey qu’en Color Realism. En quoi votre approche diffère-t-elle entre les deux, notamment en matière de composition, de contraste et d’impact visuel global ?
– J’aborde le Black & Grey et le Color Realism différemment, même si la technique précise dépend toujours du motif, de son emplacement et de la peau du client.
Pour le Black & Grey, je mélange mes nuances de lavis gris avec une petite quantité d’encre de tatouage grise opaque. J’ai constaté que cela m’offrait une meilleure saturation tout en me permettant de créer des transitions très fluides et des dégradés doux. Je travaille principalement avec de grandes aiguilles magnum, car elles me permettent de construire ces dégradés de manière uniforme et de préserver la cohérence de l’ensemble. En Color Realism, j’utilise également beaucoup les magnums, mais j’aime aussi travailler avec des aiguilles rondes de remplissage, notamment lorsque je souhaite mieux maîtriser les petits détails, les rehauts et les zones où la précision devient plus importante. Je mélange également moi-même beaucoup de mes couleurs au lieu de me fier uniquement aux teintes sorties directement du flacon. Cela me permet de créer exactement les transitions chromatiques que je recherche et de mieux contrôler l’équilibre et l’impact visuel de la pièce.
Dans les deux styles, le contraste et la lisibilité à long terme font partie intégrante de la composition dès le départ. Le Realism peut inciter à intégrer autant de détails que possible dans un tatouage, mais leur multiplication ne donne pas automatiquement un meilleur résultat. Il faut suffisamment de contraste, assez d’espace libre entre les éléments importants et une bonne compréhension des détails qui servent l’image comme de ceux qui risquent, avec le vieillissement du tatouage, de lui nuire. Parfois, savoir ne pas ajouter un élément est tout aussi important que de l’inclure.
En définitive, je ne crois pas à l’utilisation d’une formule unique et immuable pour chaque tatouage. Le motif, son emplacement et le type de peau influencent tous le choix de la configuration d’aiguilles, de la combinaison de couleurs et de la technique. L’objectif reste toujours d’utiliser la combinaison qui produira le meilleur résultat pour ce tatouage précis et cette peau particulière.
Avec le recul sur votre carrière, quels tatouages ou projets ont eu le plus de sens ou de valeur à vos yeux, et pourquoi ces œuvres en particulier se distinguent-elles ?
– Deux projets me viennent immédiatement à l’esprit, et ils correspondent à des étapes très différentes de ma carrière.
Le premier était le tout premier portrait que j’aie tatoué, il y a plus de huit ans. Mon client voulait le portrait de sa petite-fille sur son avant-bras. À l’époque, je devais encore faire mes preuves en tant qu’artiste spécialisé dans le Realism, et je me souviens avoir été extrêmement reconnaissant que quelqu’un me fasse suffisamment confiance pour me donner l’occasion de montrer que je pouvais transposer un visage humain sur la peau. Bien sûr, quand je le regarde aujourd’hui, je constate que mon travail a énormément évolué depuis, mais ce tatouage restera toujours important pour moi, car cette personne m’a accordé sa confiance avant même que j’aie des années de portraits derrière moi.
Un projet bien plus récent était un grand dragon réaliste en couleur, allant de l’épaule au coude de ma cliente. Dès le début, je lui ai expliqué que cette idée nécessiterait une composition de grande taille et plusieurs séances pour lui rendre pleinement justice. Elle s’est entièrement fiée à mon expérience et m’a laissé une totale liberté créative. Nous y avons travaillé pendant plusieurs mois, jusqu’à ce que l’ensemble soit terminé.
Ce qui rend ce projet particulièrement gratifiant, c’est de voir aujourd’hui les réactions qu’il suscite. Elle m’a raconté que des gens l’arrêtent pour regarder le tatouage, lui demandent s’ils peuvent le prendre en photo, veulent savoir qui l’a réalisé et ne cessent de la complimenter à son sujet. En tant qu’artiste, cela me rend heureux, car cela signifie que le tatouage produit un effet qui va au-delà de l’aspect technique du travail.
D’une certaine manière, ces deux tatouages représentent mon parcours. Le premier est né de la chance que quelqu’un m’a donnée de montrer ce dont j’étais capable, tandis que le second est né de la confiance d’une personne qui, convaincue par ce que j’avais déjà accompli, m’a accordé une totale liberté créative.
Beaucoup de vos projets sont des pièces de grande taille et des manchettes complètes. Lorsque vous planifiez ce type de travail, commencez-vous par concevoir chaque élément séparément, ou réfléchissez-vous dès le départ à l’ensemble de la composition et à son interaction avec le corps ?
– Je planifie toujours l’ensemble du projet dès le départ, même si nous allons le réaliser progressivement au fil de plusieurs séances. Je veux savoir dans quelle direction va le projet avant d’en commencer la première partie.
Pour moi, en particulier lorsqu’il s’agit de manches et d’autres réalisations de grande taille, le tatouage doit être conçu pour le corps, et non simplement posé dessus. J’accorde une grande attention à la forme de la zone, à l’emplacement et à la taille de chaque élément, ainsi qu’à la fluidité de l’ensemble.
Une fois la composition générale définie, je peux la réaliser progressivement, élément par élément, jusqu’à l’achèvement du projet. Même si les différentes sections sont tatouées à plusieurs mois d’intervalle, elles ont été pensées dès le départ comme les parties d’une même création.
L’objectif est qu’une fois l’ensemble terminé, vous ne le perceviez pas comme une collection de tatouages distincts. Il doit donner l’impression d’une œuvre complète, créée spécialement pour cette partie du corps.
Après votre installation aux États-Unis, vous avez remporté plusieurs premiers prix lors des Villain Arts Tattoo Arts Festivals, avant d’être invité à faire partie du jury. Qu’avez-vous ressenti en passant du statut de participant à celui d’expert chargé d’évaluer le travail d’autres artistes ?
– J’ai évidemment ressenti beaucoup de fierté et de gratitude. Villain Arts est une organisation majeure dans le milieu du tatouage, alors qu’on me fasse confiance pour évaluer le travail d’autres artistes professionnels a été un véritable honneur pour moi.
Je crois en mes capacités et je sais ce que je vaux en tant qu’artiste, mais voir d’autres personnes respectées dans le milieu le reconnaître reste quelque chose de très différent. Cette invitation à faire partie du jury m’a donné le sentiment que toutes ces années de travail, d’apprentissage et de progrès constants qui m’ont permis d’en arriver là étaient reconnues.
Cette expérience a également eu une signification toute particulière, car elle est survenue relativement peu de temps après notre installation aux États-Unis. Nous sommes en quelque sorte repartis de zéro ici et, en assez peu de temps, je suis passé de la constitution d’une nouvelle clientèle aux victoires lors de concours, avant d’être invité à rejoindre le jury.
Cette expérience a confirmé ce que j’apprécie beaucoup dans le développement de ma carrière ici : j’ai le sentiment que le travail et la détermination ouvrent des portes. Ce que nous avons réussi à construire et à accomplir en si peu de temps, je ne l’avais personnellement jamais connu à ce point avant de m’installer aux États-Unis.
Lorsque vous évaluez un tatouage en compétition, quels sont les premiers éléments que vous examinez ? Quelles qualités permettent immédiatement à un tatouage exceptionnel de se démarquer des autres ?
– Cela dépend toujours de la catégorie que je juge. Un petit tatouage Black & Grey ne s’évalue pas de la même manière qu’une grande pièce en couleur, et les styles Traditional, Neo-Traditional ou Fine Line exigent de prêter attention à des aspects techniques différents de ceux du Realism.
« Ce n’est pas son histoire qui lui a valu la première place. C’est le tatouage lui-même qui l’a remportée. »
Pour les styles qui reposent beaucoup sur le tracé, j’examine attentivement la régularité des lignes. Sont-elles nettes et maîtrisées, ou tremblantes et interrompues involontairement ? Pour le Color, je regarde la saturation, les transitions entre les couleurs et la régularité du remplissage. On voit souvent lorsqu’un tatouage a été réalisé dans la précipitation, car certaines zones n’ont tout simplement pas bénéficié de la même attention que d’autres.
Le fait que le tatouage soit frais ou cicatrisé fait également une grande différence. L’un de mes exemples préférés en tant que juré est d’ailleurs un petit tatouage Realism auquel j’ai attribué la première place alors qu’il avait déjà plus de cinq ans. Il représentait deux garçons et se trouvait juste au-dessus du pli du coude. Malgré son ancienneté et cet emplacement difficile, les détails restaient parfaitement lisibles, le contraste était toujours présent et les ombrages demeuraient fluides, sans zones qui se confondent ou s’estompent. On voyait immédiatement que l’artiste savait exactement ce qu’il faisait.
J’ai appris par la suite que l’artiste était décédé peu après avoir réalisé ce tatouage ; celui-ci n’avait donc jamais été retravaillé ni retouché. La femme qui le portait l’avait présenté au concours en partie pour rendre hommage à l’artiste. À mes yeux, cette histoire a donné tout son sens à ce moment, mais ce n’est pas elle qui lui a valu la première place. C’est le tatouage lui-même qui l’a remportée. Plus de cinq ans après sa réalisation, il demeurait exceptionnel.
Voilà finalement ce que je recherche lorsque je fais partie d’un jury : pas seulement un tatouage impressionnant au premier regard, mais la preuve d’un véritable savoir-faire. J’examine la technique, la composition, l’exécution et, lorsque j’ai l’occasion de voir un tatouage cicatrisé, la manière dont ces choix ont résisté à l’épreuve du temps.
Récemment, vous avez également commencé à rédiger des articles pédagogiques sur le tatouage Realism et votre approche du métier. Qu’est-ce qui vous a donné envie d’aller au-delà de la création de tatouages et de commencer à transmettre vos connaissances à d’autres artistes ?
– J’ai toujours aimé transmettre mes connaissances et aider les personnes qui apprécient sincèrement cette aide. Le tatouage est un métier dans lequel on ne cesse jamais vraiment d’apprendre, et je pense qu’il est très précieux que les artistes acceptent de partager ce qu’ils ont appris au lieu de tout garder pour eux.
J’aime aussi expérimenter différentes techniques. J’essaie diverses approches, je les ajuste et je continue à les travailler jusqu’à comprendre ce qui fonctionne systématiquement pour moi et pourquoi. Je ne saurais dire si certaines des techniques que j’utilise ont déjà été mises au point de façon indépendante par d’autres artistes avant moi, et je ne prétendrais pas les avoir inventées. J’y suis simplement arrivé au fil de mes propres expérimentations et en cherchant à améliorer mon travail.
Lorsque je découvre quelque chose qui améliore réellement mes résultats, j’aime le partager. Si une approche fonctionne pour moi et qu’un autre artiste peut en tirer quelque chose, l’adapter à sa propre manière de travailler et améliorer ses résultats, je pense que c’est une bonne chose.
Écrire me permet de partager bien plus que le tatouage terminé. Les gens voient généralement le résultat final, mais pas nécessairement les décisions, les expérimentations et les enseignements qui se cachent derrière. Les articles me permettent d’expliquer une partie de ce processus et, je l’espère, d’offrir à d’autres artistes des éléments utiles qu’ils pourront appliquer à leur propre travail.
Après près de dix ans à diriger un salon en Allemagne, puis à reconstruire votre carrière et votre entreprise aux États-Unis, comment définissez-vous aujourd’hui la réussite ? Est-ce recevoir des prix, avoir un salon prospère, développer un univers artistique reconnaissable, former d’autres artistes – ou tout autre chose ?
– Je pense que la réussite prend une forme différente pour chacun et que, pour moi, tous ces éléments en font partie. Mais, au fond, réussir signifie devenir meilleur que je ne l’étais hier. J’ai toujours besoin de nouveaux objectifs. J’aime sincèrement m’en fixer, travailler pour les atteindre et finir par voir ce qui n’était au départ qu’une idée devenir réalité.
La réussite consiste également à bâtir pour ma famille un avenir dans lequel elle n’aura pas à s’inquiéter, tout en continuant à développer Carolina Icon Ink et en voyant jusqu’où nous pouvons aller. Mais à mesure que l’entreprise se développe, je souhaite aussi que cette croissance ouvre des perspectives à d’autres personnes. Je veux offrir un lieu où les artistes peuvent bien gagner leur vie, se sentir respectés et appréciés, et disposer de la liberté nécessaire pour évoluer et s’exprimer à travers leur art.
Les prix, la reconnaissance et le développement d’un univers artistique reconnaissable sont importants pour moi, car ils témoignent de mes progrès, mais je ne considère aucun d’eux comme une finalité. Lorsque j’atteins un objectif, j’en ai généralement déjà un autre en tête.
Et l’un des aspects les plus importants de la réussite est peut-être de continuer à aimer ce que l’on fait. Je ne veux jamais que mon travail devienne un fardeau. Après toutes ces années, j’aime toujours tatouer, développer l’entreprise, essayer de nouvelles choses et voir où me conduira mon prochain objectif. Tant que je continue à progresser, à subvenir aux besoins de ma famille, à offrir des perspectives aux autres et à prendre plaisir à chaque étape, je considère que c’est cela, réussir.
