Sabrina est une tatoueuse belge installée à Bruxelles et la créatrice de One Percent Tattoo. Elle se consacre principalement au Black and Grey Realism, auquel elle donne depuis quelques années une dimension plus conceptuelle : l’art classique, la sculpture, la géométrie et les éléments graphiques occupent une place croissante dans ses compositions.
Sabrina s’est lancée dans le tatouage professionnel assez récemment, mais des clients viennent aujourd’hui la voir de Belgique, de France, de Suisse, du Luxembourg et d’autres pays. Son travail prend souvent pour point de départ l’histoire personnelle du client, mais plutôt que de reproduire littéralement ses références, elle cherche à transposer l’idée d’origine dans son propre univers visuel.
Dans cet entretien, Sabrina évoque l’évolution de son style, l’influence de l’art classique, le travail à partir des histoires de ses clients et la recherche de son propre langage visuel. Notre conversation avec Sabrina, accompagnée d’une sélection de ses œuvres, permet de comprendre comment ce langage prend forme dans la pratique.
Sabrina, comment avez-vous découvert le tatouage et comment votre parcours artistique a-t-il commencé ?
– J’ai découvert le tatouage en janvier 2022, lorsqu’un tatoueur des environs d’Anvers est tombé sur certains des dessins que je publiais sur Instagram et a beaucoup aimé mon travail. Cette rencontre m’a permis de commencer mon premier apprentissage dans un salon de tatouage.
Malheureusement, je n’ai pas pu y rester très longtemps. À l’époque, j’avais déjà deux autres emplois et, comme l’apprentissage n’était pas rémunéré, il est devenu trop difficile de tout concilier. J’ai donc dû mettre le tatouage de côté pendant quelque temps.
En 2023, j’ai décidé de reprendre, cette fois de manière indépendante. J’ai commencé par tatouer gratuitement mes amis et ma famille afin de m’exercer, de perfectionner ma technique et de constituer progressivement un portfolio en partant de zéro.
Ensuite, les choses ont progressé peu à peu et, en décembre 2024, One Percent Tattoo a officiellement vu le jour. C’est véritablement à ce moment-là que j’ai décidé de me consacrer pleinement au tatouage et d’en faire mon métier.
Comment votre style actuel s’est-il développé ? Y a-t-il eu un moment précis où vous avez compris quelle direction visuelle vous souhaitiez suivre ?
– Mon style continue d’évoluer, et je pense que ce sera probablement toujours le cas. Mais dès le début, je savais que je voulais me concentrer sur le Black and Grey Realism. C’est le style de tatouage qui m’a toujours le plus attirée, et il m’a également semblé être le prolongement le plus naturel de ce que je faisais déjà depuis des années.
Je dessine depuis l’enfance et le réalisme m’a toujours fascinée. J’aimais l’idée de pouvoir restituer aussi fidèlement que possible la profondeur, les textures, les émotions et les détails. Lorsque j’ai commencé à tatouer, m’orienter vers le réalisme m’a donc semblé presque instinctif.
Aujourd’hui, cependant, j’ai le sentiment d’entrer dans une nouvelle étape de mon évolution artistique. Je m’intéresse de plus en plus aux compositions conceptuelles, dans lesquelles le réalisme demeure la base, mais où l’image dans son ensemble paraît plus inattendue et plus personnelle.
J’admire beaucoup des artistes comme Oscar Akermo et Andrea Pellerone pour leur manière d’aborder la composition, mais mon objectif n’est pas de reproduire ce qu’ils font. Je veux trouver mon propre langage visuel et développer une signature immédiatement reconnaissable dans mon travail.
C’est principalement le besoin d’une plus grande liberté artistique qui m’a poussée à m’éloigner des compositions plus traditionnelles. Je ne voulais plus me contenter d’agencer des éléments reconnaissables, mais commencer à créer des images qui transmettent quelque chose d’une manière plus personnelle.
« Je veux trouver mon propre langage visuel et développer une signature que l’on associe immédiatement à mon travail. »
Votre travail associe le réalisme à des éléments plus graphiques et conceptuels. Comment définiriez-vous votre style aujourd’hui ?
– Aujourd’hui, je définirais mon style comme du Black and Grey Realism intégrant une approche conceptuelle et graphique de plus en plus affirmée.
Le réalisme reste le fondement de tout mon travail. Je suis très attachée aux détails, aux textures, aux contrastes, à l’anatomie et à la capacité de créer sur la peau des images presque photographiques. Mais je cherche de plus en plus à dépasser le réalisme pur et à travailler mes compositions de manière plus créative.
Le but n’est pas simplement de reproduire fidèlement une image, mais de créer une composition qui possède sa propre identité et semble avoir été conçue spécialement pour la personne qui la portera.
Je dirais qu’aujourd’hui, mon style se situe quelque part entre le réalisme et la composition conceptuelle, mais je le considère toujours en pleine évolution. Je cherche activement à approfondir mon travail et à trouver un langage visuel qui me soit de plus en plus propre.
À mesure que votre style évolue, quels éléments vous semblent devenir les plus caractéristiques de votre travail ?
– Je pense que ce qui rend mon travail reconnaissable, c’est la manière dont j’essaie de traduire l’histoire de chaque client dans la composition.
Je passe beaucoup de temps à écouter ce que mes clients me racontent : leurs expériences, leurs émotions, leurs souvenirs, leurs relations et la signification du tatouage qu’ils souhaitent. Pour moi, ces détails sont tout aussi importants que les références visuelles.
Plutôt que de simplement créer quelque chose de beau, j’essaie de construire une composition qui reflète ce que la personne cherche à exprimer et les émotions qui l’animent. Je veux que l’œuvre finale soit personnelle, et non générique.
Ce lien émotionnel occupe une place importante dans mon processus créatif. J’essaie de transformer tout ce que le client partage avec moi en langage visuel, afin que le tatouage devienne plus qu’une simple image. Il devient une représentation de son histoire, interprétée à travers ma propre vision artistique.
« Je veux que l’œuvre finale soit personnelle, et non générique. »
Quel rôle l’art classique, la sculpture et l’iconographie historique jouent-ils dans vos compositions ? Qu’est-ce qui vous attire dans cette esthétique ?
– Étant italienne, j’ai toujours ressenti un lien très fort avec Rome, la sculpture classique ainsi qu’avec l’art de la Grèce et de la Rome antiques. Cette esthétique me fascine d’aussi loin que je me souvienne.
À mes yeux, ces périodes ont donné naissance à certaines des formes d’art les plus poétiques, les plus puissantes et les plus intemporelles jamais créées. Les proportions, le mouvement, le symbolisme et l’émotion de la sculpture classique conservent encore aujourd’hui une incroyable pertinence. Personnellement, je pense qu’il serait très difficile de surpasser l’impact artistique de cette époque.
C’est pourquoi l’iconographie classique trouve naturellement sa place dans mes compositions. Ces références possèdent déjà une harmonie, une force et une élégance intrinsèques.
Réinterpréter cette esthétique par le tatouage permet d’inscrire quelque chose d’intemporel dans un médium contemporain. Cela confère à chaque composition une certaine puissance et un certain équilibre, tout en me permettant de la transformer à travers ma propre vision et l’histoire de la personne que je tatoue.
Vous associez souvent des images réalistes à des lignes, des formes géométriques et des éléments plus abstraits. Comment équilibrez-vous ces différentes composantes pour que la composition reste cohérente ?
– Pour moi, c’est avant tout une question de ressenti plutôt que de règle précise à suivre.
Lorsque j’ajoute des lignes, des formes géométriques ou des éléments plus abstraits à une composition réaliste, je ne suis aucune formule établie. Je cherche le point d’équilibre où chaque élément semble lié aux autres et où rien ne paraît avoir été ajouté gratuitement.
J’ai besoin de sentir que chaque détail a une raison d’être, qu’il se trouve exactement à sa place et qu’il soutient le reste de la composition au lieu de lui faire concurrence.
C’est ainsi que je préserve la cohérence de mon travail. Je me fie beaucoup à mon regard et je continue d’ajuster la composition jusqu’à ce que tout me paraisse équilibré, complémentaire et parfaitement à sa place.
Quelle importance accordez-vous au sens et au symbolisme dans votre travail ? Commencez-vous généralement par une idée autour de laquelle vous construisez la composition, ou le concept visuel vient-il en premier ?
– Le sens et le symbolisme sont très importants dans mon travail, d’autant que la plupart de mes compositions s’articulent autour de l’histoire personnelle du client.
En général, je pars d’abord de l’idée. J’écoute ce que le client souhaite exprimer – les émotions qui sous-tendent le projet, les souvenirs, les personnes ou les expériences qu’il veut représenter –, puis je commence à traduire tout cela en une composition visuelle.
L’aspect esthétique est évidemment très important pour moi, mais je ne veux pas qu’un tatouage soit beau uniquement sur le plan visuel. Je veux que la composition ait une raison d’être et que chaque élément contribue à l’histoire dans son ensemble.
Il arrive aussi qu’une idée visuelle forte influence l’orientation du projet : le processus peut donc fonctionner dans les deux sens. Mais la plupart du temps, le sens m’offre une base à partir de laquelle se développe le concept visuel.
Comment se déroule généralement votre processus pour les projets sur mesure ? Dans quelle mesure l’idée initiale vient-elle du client, et de quelle liberté créative avez-vous besoin ?
– Pour les projets sur mesure, le point de départ vient généralement du client. Il me confie son histoire, le sens du tatouage, les éléments qu’il aimerait y intégrer et, parfois, quelques références visuelles pour m’aider à comprendre l’orientation qu’il envisage.
À partir de là, j’ai besoin d’une certaine liberté créative pour traduire cette idée en une composition qui fonctionne visuellement et épouse correctement le corps.
Je n’aime pas reproduire simplement une référence à l’identique. Je préfère comprendre ce que le client cherche à exprimer, puis le réinterpréter à travers ma propre vision artistique.
Plus j’ai de liberté dans la composition, plus je peux jouer avec l’équilibre, le mouvement, le contraste et les relations entre les différents éléments. Les meilleurs projets voient généralement le jour lorsqu’une confiance réciproque s’installe : le client apporte l’histoire et l’intention, puis me laisse trouver la manière la plus forte de les représenter visuellement.
« Les meilleurs projets voient généralement le jour lorsqu’une confiance réciproque s’installe : le client apporte l’histoire et l’intention, puis me laisse trouver la manière la plus forte de les représenter visuellement. »
Certains projets de votre portfolio vous tiennent-ils particulièrement à cœur ? Qu’est-ce qui distingue généralement un projet à vos yeux ?
– Je ne pense pas avoir un seul projet préféré dans mon portfolio.
Les projets qui comptent généralement le plus pour moi sont ceux pour lesquels le client m’accorde toute sa confiance et une liberté créative totale dans la composition. Lorsqu’une personne vient me voir avec une idée ou une histoire, mais me permet de l’interpréter à ma manière, c’est là que je sens que je peux vraiment repousser mes limites créatives.
Ces projets se démarquent parce que je ne suis pas limitée à la reproduction d’une référence précise ni contrainte de suivre une direction visuelle très stricte. Je peux me consacrer entièrement à la création de la composition la plus forte possible, tout en respectant la signification du tatouage.
Ce degré de confiance est extrêmement précieux pour moi. Il permet au projet de devenir une véritable collaboration entre l’histoire du client et ma vision artistique, et ce sont généralement les pièces avec lesquelles je ressens le lien le plus fort.
Quel rôle les conventions de tatouage jouent-elles dans votre carrière, et que vous apportent-elles au-delà des rencontres avec d’autres artistes et avec le public ?
– Les conventions de tatouage faisaient déjà partie de ma vie avant même que je devienne tatoueuse. Je m’y rendais assez souvent, simplement parce que j’adorais l’ambiance, et je m’y suis également fait tatouer à plusieurs reprises.
Cependant, depuis que j’ai commencé à tatouer professionnellement, je n’ai eu qu’une seule fois l’occasion d’y participer en tant qu’artiste, lors de la convention de tatouage de Bruxelles en 2025, et je prévois d’y participer de nouveau en 2026.
J’aime vraiment l’énergie qui se dégage des conventions. Au-delà des rencontres avec d’autres artistes ou des échanges avec un nouveau public, il est très stimulant d’être entourée, au même endroit, par autant de styles, de techniques et de personnalités créatives différentes. Cela crée une atmosphère très particulière, que l’on ne retrouve pas vraiment dans un salon de tatouage classique.
La principale raison pour laquelle je ne participe pas à davantage de conventions est en fait assez personnelle. J’ai une chienne que j’emmène partout avec moi, et il m’est difficile de rester loin d’elle plusieurs jours d’affilée. Voyager régulièrement pour assister à des conventions n’est donc pas toujours réaliste pour moi.
C’est néanmoins quelque chose que j’apprécie beaucoup et, chaque fois que j’ai l’occasion de participer à une convention dans de bonnes conditions, je profite vraiment de l’expérience.
Vous prévoyez de participer au concours de la convention de tatouage de Bruxelles cette année. À ce stade de votre carrière, quels accomplissements ou quelles formes de reconnaissance comptent le plus pour vous ?
– Je n’ai encore remporté aucun prix, mais j’aimerais vraiment que cela change cette année. J’espère participer au concours de la convention de tatouage de Bruxelles dans la catégorie du meilleur tatouage Black and Grey et, bien sûr, y remporter un prix compterait beaucoup pour moi. Cela dit, les accomplissements dont je suis la plus fière ne sont pas nécessairement liés aux concours.
Ce qui compte le plus pour moi, c’est de voir jusqu’où les gens sont prêts à voyager pour se faire tatouer par moi. Certains de mes clients viennent de différents pays et font plusieurs heures de trajet dans le seul but de se faire tatouer par moi, et mon agenda est également presque complet un an à l’avance.
À mes yeux, une telle confiance constitue déjà un accomplissement en soi. Je tiens énormément à mon travail, mais aussi aux personnes qui me choisissent et à l’expérience que je leur offre, de la conception du projet à la réalisation du tatouage. Constater que les gens accordent suffisamment de valeur à tout cela pour voyager, patienter et me confier quelque chose de permanent est probablement la forme de reconnaissance la plus importante que je puisse recevoir.
Bien sûr, j’aimerais tout de même ajouter un jour un trophée à mon parcours.
« À mes yeux, une telle confiance constitue déjà un accomplissement en soi. »
À mesure que votre style s’est développé, avez-vous remarqué une évolution du public qui vient vous voir ? Davantage de clients se déplacent-ils désormais spécialement pour votre travail ?
– Oui, absolument. À mesure que mon style s’est affirmé, j’ai le sentiment que le public qui me suit est lui aussi devenu plus spécifique.
Au début, la plupart des gens découvraient simplement mon travail localement, mais avec le temps, j’ai commencé à attirer des clients qui recherchaient précisément mon approche du Black and Grey Realism et ma manière de construire mes compositions.
Aujourd’hui, des gens viennent de différents pays pour se faire tatouer par moi. Ils passent parfois plusieurs heures sur la route ou organisent tout un voyage autour de leur rendez-vous. Mes clients viennent notamment de Belgique, de France, de Suisse et du Luxembourg.
Pour moi, c’est l’une des preuves les plus fortes que mon travail a acquis une identité propre. Les gens ne me choisissent plus seulement pour des raisons de proximité ou par facilité : ils sont prêts à faire le déplacement parce qu’ils se reconnaissent dans mon style et me font confiance pour interpréter leurs idées.
Cela compte beaucoup pour moi, car cela montre que l’univers artistique que je construis commence à toucher des personnes bien au-delà de Bruxelles.
Que représente One Percent Tattoo pour vous aujourd’hui : une marque personnelle, l’identité d’un salon de tatouage ou quelque chose de plus vaste ?
– Aujourd’hui, One Percent Tattoo est avant tout ma marque personnelle et l’identité artistique que j’ai bâtie autour de mon travail.
Pour moi, il ne s’agit pas vraiment d’un salon de tatouage. One Percent Tattoo incarne ma vision du tatouage, ma façon d’accompagner mes clients, l’attention que j’accorde à chaque projet et la direction dans laquelle je souhaite évoluer en tant qu’artiste.
Au fil du temps, c’est devenu bien plus qu’un simple nom associé à mes tatouages. One Percent Tattoo représente tout ce que je construis autour de mon travail : mon style, mes valeurs, la relation que j’entretiens avec mes clients et la manière dont je souhaite que les gens découvrent mon art.
Je le vois également comme quelque chose qui peut continuer à évoluer avec moi. À mesure que mon univers artistique s’affirme, je veux que One Percent Tattoo reflète cette évolution et finisse par évoquer immédiatement une esthétique, une qualité et une manière de créer bien précises.
Pour moi, c’est donc véritablement une marque personnelle, mais aussi un concept artistique plus vaste qui continue de grandir avec moi.
Dans quelle direction aimeriez-vous maintenant faire évoluer votre style ? Y a-t-il encore des idées, des formats ou des projets de plus grande envergure que vous souhaitez explorer ?
– J’aimerais pousser mon travail beaucoup plus loin dans le réalisme conceptuel et continuer à développer un langage visuel qui me soit de plus en plus personnel.
Je veux expérimenter davantage avec des compositions inattendues, des contrastes plus marqués entre éléments réalistes et graphiques, ainsi qu’avec des idées moins conventionnelles. Mon objectif est de créer des œuvres qui ne soient pas seulement réalistes sur le plan technique, mais aussi immédiatement reconnaissables par leur composition.
Les projets de grande envergure m’intéressent également beaucoup. Les projets couvrant tout un bras, une jambe entière, le dos ou une plus grande partie du corps m’offrent bien davantage d’espace pour raconter une histoire et créer une œuvre véritablement immersive.
Ce qui m’enthousiasme le plus, c’est de disposer de suffisamment d’espace et de liberté créative pour construire tout un univers visuel plutôt qu’une seule image isolée.
J’ai le sentiment de ne faire que commencer à découvrir ce que mon style peut devenir, et c’est probablement ce qui me motive le plus. Je veux continuer à expérimenter, à prendre des risques et à aller plus loin dans mes compositions, jusqu’à ce qu’il suffise de voir un tatouage pour savoir immédiatement qu’il est de moi.
« Je veux continuer à expérimenter, à prendre des risques et à pousser mes compositions plus loin, jusqu’à ce que quelqu’un puisse voir un tatouage et savoir immédiatement qu’il est de moi. »
