Sabrina es una tatuadora belga afincada en Bruselas y la artista al frente de One Percent Tattoo. Se centra principalmente en el realismo Black and Grey, que en los últimos años ha ido adquiriendo una orientación más conceptual, con referencias al arte clásico, la escultura, la geometría y elementos gráficos cada vez más presentes en sus composiciones.
Sabrina empezó a tatuar profesionalmente hace relativamente poco, pero hoy recibe a clientes de Bélgica, Francia, Suiza, Luxemburgo y otros países. Su trabajo suele partir de la historia personal del cliente, pero, en lugar de reproducir las referencias de forma literal, intenta trasladar la idea original a su propio lenguaje visual.
En esta entrevista, Sabrina habla de la evolución de su estilo, la influencia del arte clásico, el trabajo con las historias de sus clientes y la búsqueda de un lenguaje visual propio. Nuestra conversación con Sabrina y una selección de sus obras muestran cómo ese lenguaje toma forma en la práctica.
Sabrina, ¿cómo te adentraste por primera vez en el mundo del tatuaje y cómo comenzó tu trayectoria como artista?
–Empecé a tatuar en enero de 2022, cuando un tatuador de la zona de Amberes encontró algunos de los dibujos que publicaba en Instagram y le gustó mucho mi trabajo. Gracias a esa oportunidad, comencé mi primer aprendizaje en un estudio de tatuajes.
Por desgracia, no pude quedarme mucho tiempo. En aquel momento ya tenía otros dos trabajos y, como el aprendizaje no era remunerado, compaginarlo todo se volvió demasiado difícil. Así que tuve que dejar de lado el tatuaje durante un tiempo.
En 2023, decidí volver a empezar, esta vez por mi cuenta. Comencé a tatuar gratis a amigos y familiares para practicar, mejorar mis habilidades y crear poco a poco un portafolio desde cero.
A partir de ahí, todo fue creciendo paso a paso y, en diciembre de 2024, nació oficialmente One Percent Tattoo. Ese fue el momento en el que decidí dedicarme por completo al tatuaje y construir mi carrera en torno a él.
¿Cómo se desarrolló tu estilo actual? ¿Hubo algún momento concreto en el que comprendiste qué dirección visual querías seguir?
–Mi estilo sigue evolucionando y creo que probablemente siempre lo hará. Pero desde el principio supe que quería centrarme en el realismo Black and Grey. Siempre ha sido el estilo de tatuaje que más me ha atraído personalmente y también me pareció la continuación más natural de lo que ya llevaba años haciendo.
Dibujo desde que era niña y el realismo siempre me ha fascinado. Me encantaba la idea de poder recrear la profundidad, la textura, la emoción y los detalles con la mayor precisión posible. Por eso, cuando empecé a tatuar, orientarme hacia el realismo fue algo casi instintivo.
Sin embargo, ahora siento que estoy entrando en otra etapa de mi desarrollo como artista. Cada vez me interesan más las composiciones conceptuales, en las que el realismo sigue siendo la base, pero la imagen en su conjunto resulta más inesperada y personal.
Admiro mucho a artistas como Oscar Akermo y Andrea Pellerone por su manera de abordar la composición, pero mi objetivo no es reproducir lo que hacen. Quiero encontrar mi propio lenguaje visual y desarrollar un sello que se asocie de inmediato con mi trabajo.
Lo que me llevó a alejarme de las composiciones más tradicionales fue, sobre todo, la necesidad de una mayor libertad artística. Quería dejar de limitarme a organizar elementos reconocibles y empezar a crear imágenes que transmitieran algo de una manera más personal.
«Quiero encontrar mi propio lenguaje visual y desarrollar un sello que se asocie de inmediato con mi trabajo».
Tu trabajo combina el realismo con elementos más gráficos y conceptuales. ¿Cómo definirías hoy tu propio estilo?
–Hoy definiría mi estilo como realismo Black and Grey con un enfoque conceptual y gráfico cada vez más marcado.
El realismo sigue siendo la base de todo lo que hago. Me importan mucho el detalle, la textura, el contraste, la anatomía y la capacidad de crear imágenes que parezcan casi fotografías sobre la piel. Pero cada vez me interesa más trascender el realismo puro y utilizar la composición de una forma más creativa.
El objetivo no es simplemente reproducir una imagen con precisión, sino crear una composición con identidad propia y concebida específicamente para la persona que la lleva.
Diría que, hoy en día, mi estilo se sitúa en algún punto entre el realismo y la composición conceptual, aunque sigo considerándolo algo en plena evolución. Me esfuerzo por seguir desarrollando mi trabajo y encontrar un lenguaje visual que se reconozca cada vez más como mío.
A medida que evoluciona tu estilo, ¿qué elementos sientes que se están volviendo más característicos de tu trabajo?
–Creo que lo que hace reconocible mi trabajo es la forma en que intento plasmar la historia de cada cliente en la composición.
Dedico mucho tiempo a escuchar lo que me cuentan –sus experiencias, emociones, recuerdos, relaciones y el significado del tatuaje que desean–. Para mí, esos detalles son tan importantes como las referencias visuales.
En lugar de limitarme a crear algo bonito, intento construir una composición que refleje lo que la persona quiere expresar y las emociones que hay detrás. Quiero que la pieza final resulte personal, no genérica.
Esa conexión emocional ocupa un lugar muy importante en mi proceso creativo. Intento tomar todo lo que el cliente comparte conmigo y convertirlo en un lenguaje visual, para que el tatuaje sea más que una simple imagen. Se convierte en una representación de su historia, interpretada a través de mi propia visión artística.
«Quiero que la pieza final resulte personal, no genérica».
¿Qué papel desempeñan el arte clásico, la escultura y las imágenes históricas en tus composiciones? ¿Qué te atrae de esta estética?
–Como italiana, siempre he sentido una conexión muy fuerte con Roma, la escultura clásica y el arte de la Antigua Grecia y la Antigua Roma. Es una estética que me fascina desde que tengo memoria.
Para mí, esos períodos produjeron algunas de las formas de arte más poéticas, poderosas y atemporales jamás creadas. Hay algo en las proporciones, el movimiento, el simbolismo y la emoción de la escultura clásica que sigue resultando increíblemente vigente hoy en día. Personalmente, creo que sería muy difícil superar el impacto artístico de aquella época.
Por eso las imágenes clásicas encuentran su lugar de forma natural en mis composiciones. Al trabajar con estas referencias, ya partes de una sensación de armonía, fuerza y elegancia inherente a ellas.
Reinterpretar esa estética a través del tatuaje es una forma de trasladar algo atemporal a un medio contemporáneo. Aporta a cada composición cierta fuerza y equilibrio, al tiempo que me permite transformarla mediante mi propia visión y la historia de la persona a la que estoy tatuando.
A menudo combinas imágenes realistas con líneas, geometría y elementos más abstractos. ¿Cómo equilibras estos distintos componentes para que la composición siga resultando cohesiva?
–Para mí, es más una cuestión de intuición que de seguir una regla concreta.
Cuando añado líneas, geometría o elementos más abstractos a una composición realista, no sigo una fórmula fija. Busco el punto en el que todos los elementos quedan conectados entre sí y ninguno parece añadido porque sí.
Necesito sentir que cada detalle tiene una razón para estar ahí, que pertenece exactamente al lugar que ocupa y que refuerza el resto de la composición en vez de competir con ella.
Así es como consigo que el trabajo mantenga su cohesión. Confío mucho en mi criterio visual y sigo ajustando la composición hasta que todo queda equilibrado, se complementa y ocupa el lugar adecuado.
¿Qué importancia tienen el significado y el simbolismo en tu trabajo? ¿Sueles partir de una idea y construir la composición en torno a ella, o surge primero el concepto visual?
–El significado y el simbolismo son muy importantes en mi trabajo, sobre todo porque la mayoría de mis composiciones se construyen en torno a la historia personal del cliente.
Por lo general, parto de la idea. Escucho lo que el cliente quiere expresar –las emociones que hay detrás del proyecto, los recuerdos, las personas o las experiencias que desea representar– y después empiezo a traducir todo eso en una composición visual.
El aspecto estético es, por supuesto, muy importante para mí, pero no quiero que un tatuaje sea hermoso solo en el plano visual. Quiero que la composición tenga un motivo y que cada elemento contribuya a la historia en su conjunto.
A veces, una idea visual potente también puede influir en la dirección del proyecto, así que el proceso puede funcionar en ambos sentidos. Pero, la mayoría de las veces, el significado me proporciona la base y el concepto visual crece a partir de ella.
¿Cómo suele ser tu proceso con los proyectos personalizados? ¿Qué parte de la idea inicial procede del cliente y cuánta libertad creativa necesitas?
–En los proyectos personalizados, el punto de partida suele venir del cliente. Me cuenta su historia, el significado del tatuaje, los elementos que le gustaría incluir y, en ocasiones, me muestra algunas referencias visuales para ayudarme a comprender el enfoque que tiene en mente.
A partir de ahí, necesito cierta libertad creativa para convertir esa idea en una composición que funcione visualmente y se adapte bien al cuerpo.
No me gusta limitarme a reproducir una referencia exactamente como es. Prefiero comprender lo que el cliente intenta expresar y reinterpretarlo después a través de mi propia visión artística.
Cuanta más libertad tengo con la composición, más puedo jugar con el equilibrio, la fluidez, el contraste y la relación entre los distintos elementos. Los mejores proyectos suelen surgir cuando existe confianza por ambas partes: el cliente aporta la historia y la intención, y me permite encontrar la forma visual más potente de representarlas.
«Los mejores proyectos suelen surgir cuando existe confianza por ambas partes: el cliente aporta la historia y la intención, y me permite encontrar la forma visual más potente de representarlas».
¿Hay algún proyecto de tu portafolio que sea especialmente importante para ti? ¿Qué suele hacer que un proyecto destaque para ti en lo personal?
–No creo que haya un único proyecto favorito en mi portafolio.
Los proyectos que más importantes suelen ser para mí son aquellos en los que el cliente deposita toda su confianza en mí y me concede total libertad creativa con la composición. Cuando alguien acude a mí con una idea o una historia, pero me permite interpretarla a mi manera, es cuando siento que realmente puedo exigirme más en el plano creativo.
Esos proyectos destacan porque no me limito a reproducir una referencia concreta ni a seguir una dirección visual muy estricta. Puedo centrarme por completo en crear la composición más potente posible sin dejar de respetar el significado del tatuaje.
Ese grado de confianza es sumamente valioso para mí. Permite que el proyecto se convierta en una verdadera colaboración entre la historia del cliente y mi visión artística, y esas suelen ser las piezas con las que siento una conexión más profunda.
¿Qué papel desempeñan las convenciones de tatuajes en tu carrera y qué te aportan, más allá de conocer a otros artistas y al público?
–Las convenciones de tatuajes forman parte de mi vida desde antes de que me convirtiera en tatuadora. Solía asistir con bastante frecuencia simplemente porque me encantaba el ambiente, y también me tatué varias veces en convenciones.
Sin embargo, desde que empecé a tatuar profesionalmente solo he tenido una oportunidad de participar como artista: en la Convención de Tatuajes de Bruselas de 2025. Además, tengo previsto volver a participar en 2026.
Me encanta la energía de las convenciones. Más allá de conocer a otros artistas o conectar con un público nuevo, resulta muy inspirador estar rodeada en un mismo lugar de tantos estilos, técnicas y personalidades creativas diferentes. Se genera un ambiente muy particular que no se vive en un estudio de tatuajes corriente.
La principal razón por la que no asisto a más convenciones es, en realidad, bastante personal. Tengo una perra que me acompaña a todas partes y me resulta difícil estar lejos de ella durante varios días seguidos. Por eso, viajar con frecuencia para asistir a convenciones no siempre es una opción viable para mí.
Sin duda, es algo que disfruto y, siempre que tengo la oportunidad de participar en una en las circunstancias adecuadas, valoro muchísimo la experiencia.
Este año tienes previsto competir en la Convención de Tatuajes de Bruselas. En esta etapa de tu carrera, ¿qué logros o reconocimientos tienen más valor para ti?
–Todavía no he ganado ningún premio, pero me encantaría que eso cambiara este año. Espero competir en la Convención de Tatuajes de Bruselas en la categoría de mejor tatuaje en Black and Grey y, por supuesto, ganar algo allí significaría mucho para mí. Dicho esto, los logros de los que más orgullosa me siento no están necesariamente relacionados con las competiciones.
Lo que más valoro es ver hasta dónde está dispuesta a viajar la gente para tatuarse conmigo. Tengo clientes que vienen de distintos países y viajan durante horas solo para sentarse en mi sillón, y además tengo la agenda completa con casi un año de antelación.
Para mí, esa confianza ya es un logro en sí misma. Mi trabajo me importa muchísimo, pero también las personas que me eligen y la experiencia que les ofrezco desde el inicio del proyecto hasta el tatuaje final. Ver que la gente lo valora lo suficiente como para viajar, esperar y confiarme algo permanente es probablemente el reconocimiento más significativo que podría recibir.
Por supuesto, también me encantaría sumar algún día un trofeo a mi trayectoria.
«Para mí, esa confianza ya es un logro en sí misma».
A medida que tu estilo se ha ido desarrollando, ¿has notado cambios en el público que acude a ti? ¿Ahora viajan más clientes expresamente para tatuarse contigo?
–Sí, sin duda. A medida que mi estilo se ha ido definiendo, siento que mi público también se ha vuelto más específico.
Al principio, la mayoría de la gente descubría mi trabajo en el ámbito local, pero con el tiempo empecé a atraer a clientes que buscaban específicamente mi forma de abordar el realismo en Black and Grey y de construir mis composiciones.
Hoy hay personas que viajan desde distintos países para tatuarse conmigo; a veces viajan durante varias horas u organizan todo un viaje en torno a su cita. Tengo clientes que vienen de Bélgica, Francia, Suiza, Luxemburgo y otros lugares.
Para mí, esta es una de las señales más claras de que mi trabajo ha desarrollado una identidad propia. Ya no me eligen solo por mi ubicación o por comodidad; están dispuestos a viajar porque conectan con mi estilo y confían en mi manera de interpretar sus ideas.
Eso significa mucho para mí, porque demuestra que la dirección artística que he ido construyendo empieza a llegar a personas mucho más allá de Bruselas.
¿Qué representa hoy One Percent Tattoo para ti: una marca personal, la identidad de un estudio o algo más amplio?
–Hoy, One Percent Tattoo es principalmente mi marca personal y la identidad artística que he construido en torno a mi trabajo.
Para mí, no se trata realmente de un estudio. Representa mi visión del tatuaje, mi forma de tratar a los clientes, la atención que dedico a cada proyecto y la dirección en la que quiero avanzar como artista.
Con el tiempo, se ha convertido en mucho más que un simple nombre asociado a mis tatuajes. Representa todo lo que estoy construyendo en torno a mi trabajo: mi estilo, mis valores, mi relación con los clientes y la manera en que quiero que la gente experimente mi arte.
También lo veo como algo que puede seguir evolucionando conmigo. A medida que mi dirección artística se define mejor, quiero que One Percent Tattoo refleje esa evolución y que, con el tiempo, la gente lo asocie de inmediato con una estética, un nivel de calidad y una forma de crear reconocibles.
Así que, para mí, es una marca personal, pero también un concepto artístico más amplio que sigue creciendo conmigo.
¿Hacia dónde te gustaría llevar tu estilo a continuación? ¿Hay ideas, formatos o proyectos de mayor escala que todavía quieras explorar?
–Me gustaría profundizar mucho más en el realismo conceptual y seguir desarrollando un lenguaje visual que sienta cada vez más propio.
Quiero experimentar más con composiciones inesperadas, contrastes más marcados entre elementos realistas y gráficos e ideas menos convencionales. Mi objetivo es crear obras que no solo sean técnicamente realistas, sino también reconocibles de inmediato por su composición.
También me interesa mucho realizar proyectos de mayor escala. Los tatuajes de manga completa, de pierna entera y de espalda, así como las composiciones corporales más amplias, me ofrecen mucho más espacio para contar una historia y crear algo verdaderamente envolvente.
Lo que más me entusiasma es disponer de suficiente espacio y libertad creativa para construir un mundo visual completo, en lugar de limitarme a una única imagen aislada.
Todavía siento que estoy empezando a descubrir en qué puede convertirse mi estilo, y probablemente eso sea lo que más me motiva. Quiero seguir experimentando, asumiendo riesgos y desarrollando cada vez más mis composiciones hasta llegar al punto en que alguien vea un tatuaje y sepa de inmediato que es mío.
«Quiero seguir experimentando, asumiendo riesgos y desarrollando cada vez más mis composiciones hasta llegar al punto en que alguien vea un tatuaje y sepa de inmediato que es mío».
