Dans les tatouages d’Anastasia Nechaeva, le réalisme reste rarement pur. Elle accentue les contrastes, remodèle l’éclairage et associe des tons gris argent soutenus à la couleur pour créer son propre langage visuel à partir d’images familières. Les sujets – portraits, animaux, sculptures ou personnages – peuvent être très différents, mais tous sont unis par des ombres profondes, des reflets expressifs et une densité tonale caractéristique.
Originaire du Kazakhstan, Anastasia a travaillé comme tatoueuse en Turquie avant de s’installer aux États-Unis. Elle vit aujourd’hui à Los Angeles. Elle définit son orientation artistique comme du réalisme stylisé : le réalisme classique reste le fondement technique, tandis que la couleur, l’éclairage et la composition deviennent des outils d’interprétation personnelle.
Les recouvrements occupent également une place importante dans la pratique d’Anastasia Nechaeva. Plutôt que de simplement dissimuler un ancien tatouage sous une image plus sombre, elle reconstruit entièrement la composition : elle déplace les points d’intérêt, ajoute de la profondeur et conçoit la nouvelle pièce de manière à ce que le tatouage précédent s’y fonde naturellement.
Après son installation aux États-Unis, elle a participé, en Floride, à sa première convention de tatouage dans le pays et y a reçu plusieurs prix. Anastasia continue aujourd’hui à développer son style. Elle prévoit de participer à des conventions dans d’autres États et à l’étranger, tout en explorant la peinture à l’huile, dont elle intègre progressivement l’esthétique à son approche du tatouage.
D’où venez-vous et comment le tatouage est-il entré dans votre vie ?
– Je suis originaire du Kazakhstan. Au départ, je travaillais dans un tout autre domaine, mais le tatouage faisait déjà partie de ma vie depuis longtemps. J’aimais me faire tatouer et j’ai rencontré de nombreuses personnes qui partageaient mon intérêt pour la culture du tatouage. Peu à peu, cette passion personnelle a fait naître en moi l’envie de créer des tatouages et de progresser professionnellement en tant qu’artiste.
Vous n’avez suivi aucune formation artistique académique. Comment avez-vous développé vos compétences artistiques et techniques ?
– Je suis entièrement autodidacte. À un moment donné, je me suis mise à beaucoup dessiner, simplement pour moi-même, et j’ai compris à quel point le processus créatif me fascinait. Comme je m’intéressais déjà au tatouage, ces deux passions se sont naturellement rejointes. J’ai décidé de transposer mes idées sur la peau et j’ai commencé à étudier seule le dessin, la composition, la couleur et les aspects techniques du tatouage.
Avant de vous installer à Los Angeles, vous avez travaillé comme tatoueuse en Turquie. Qu’est-ce qui vous a conduite aux États-Unis et quelle influence ce déménagement a-t-il eue sur votre évolution ?
– En Turquie, je travaillais comme tatoueuse, mais avec le temps, j’ai voulu faire évoluer mon travail. Lorsqu’une occasion de travailler aux États-Unis s’est présentée, je suis donc partie en Californie et je vis désormais à Los Angeles.
L’environnement créatif local me pousse constamment à progresser et à développer un style artistique plus reconnaissable. À l’avenir, j’aimerais visiter davantage d’États et de pays, participer à des conventions internationales et à des événements professionnels, apprendre auprès d’autres artistes et nouer des liens avec eux.
Comment décririez-vous le style que vous développez aujourd’hui ?
– Aujourd’hui, je décrirais mon style comme du réalisme stylisé. Il conserve les fondements du réalisme traditionnel – justesse des proportions, volume, anatomie et images reconnaissables – tout en offrant une plus grande liberté artistique.
Plutôt que de simplement transférer une photographie sur la peau, j’en réinterprète l’éclairage, le contraste, les couleurs et les détails. Je combine souvent plusieurs sources visuelles afin de créer une composition entièrement nouvelle. Pour moi, le réalisme constitue la base technique, tandis que la stylisation rend chaque pièce plus artistique et personnelle.
« Pour moi, le réalisme constitue la base technique, tandis que la stylisation rend chaque pièce plus artistique et personnelle. »
Votre portfolio comprend des portraits, des animaux, des personnages, des sculptures et des images symboliques. Qu’est-ce qui relie visuellement des sujets aussi différents ?
– Je travaille sur de nombreux sujets différents. Je ne veux pas me limiter à un thème précis. Ce qui m’intéresse davantage, c’est de développer ma propre technique et mon propre langage visuel.
J’aime particulièrement travailler avec des tons denses, des nuances de gris argenté et un éclairage puissant et expressif. Mon objectif est que mon travail soit reconnaissable à son traitement visuel, quel que soit le sujet.
« Mon objectif est que mon travail soit reconnaissable à son traitement visuel, quel que soit le sujet. »
Votre travail en black and grey présente un aspect très dense et graphique. En quoi votre approche technique diffère-t-elle du tatouage traditionnel en greywash ?
– Pour le moment, je ne travaille ni en greywash traditionnel ni dans le style black and grey habituel, léger et aérien. Ma technique repose sur une application dense des pigments, des ombres profondes, des contrastes marqués et des rehauts lumineux prononcés.
Je peux utiliser uniquement une palette de gris argenté, réaliser une pièce entièrement en couleur ou associer des tons argentés et colorés dans une même composition. Sur le plan technique, j’aborde toutes ces possibilités comme un travail en couleur.
Comment décidez-vous si une composition doit être réalisée en couleur, en gris argenté ou en black and grey ?
– Je ne classe pas les sujets selon qu’ils devraient être traités uniquement en couleur ou exclusivement dans une palette argentée ou black and grey. Presque toutes les compositions peuvent être adaptées à l’une ou l’autre approche.
C’est pour moi toute l’essence de la stylisation : je réinterprète la référence, je modifie l’éclairage, les couleurs et les rapports entre les tons, et je peux introduire des nuances qui n’existent pas dans l’image d’origine. Cela me permet de créer une interprétation artistique plutôt que de simplement reproduire une photographie de grande qualité.
Les recouvrements occupent désormais une place importante dans votre portfolio. Selon vous, qu’est-ce qui garantit la réussite technique d’un recouvrement ?
– Les recouvrements constituent l’un des principaux domaines de ma pratique, au même titre que le travail sur peau vierge. Pour réussir un recouvrement, il faut disposer de suffisamment de peau autour du tatouage existant afin de construire une composition plus vaste et plus aboutie.
Au lieu de simplement placer un élément sombre de la même taille sur l’ancien tatouage, je détourne l’attention en créant de nouveaux points focaux et en jouant sur l’éclairage, la profondeur et le mouvement. Il est également essentiel de tenir compte de la densité et de la couleur des pigments existants, de l’état de la peau et de l’aspect qu’aura le nouveau tatouage après cicatrisation.
Comment élaborez-vous un recouvrement avec le client, et quelle liberté lui laissez-vous dans le choix du nouveau motif ?
– Comme pour mes projets personnalisés habituels, je prends en charge l’essentiel de la création du motif de recouvrement. Nous définissons d’abord avec le client l’orientation générale, le sujet et l’atmosphère de la composition. Je crée ensuite un motif sur mesure à partir de ses préférences, tout en adaptant chaque détail aux contraintes techniques propres au recouvrement concerné. Pour cette raison, les choix du client peuvent être quelque peu limités par les possibilités techniques réelles.
La plupart de mes recouvrements sont réalisés en une seule séance principale et ne nécessitent souvent aucune retouche lorsque la composition et l’approche technique ont été soigneusement planifiées. Les cas plus complexes peuvent toutefois exiger plusieurs séances et un travail supplémentaire sur certaines zones.
Où trouvez-vous généralement votre inspiration, et qu’est-ce qui influence le langage visuel que vous développez ?
– Je puise mon inspiration dans de nombreuses sources. Je suis des peintres et d’autres tatoueurs sur Instagram, j’enregistre des références et j’étudie des associations intéressantes de couleurs, de lumière, de textures et de formes abstraites. Mais une idée peut aussi naître d’une personne, d’un objet, d’un détail inhabituel ou d’une association de couleurs remarquée au cours d’une promenade.
En ce moment, j’étudie et je pratique également la peinture à l’huile. Je cherche encore mon propre style dans ce médium et j’aimerais, à terme, le relier à l’esthétique de mon travail de tatouage. Il est important pour moi que mes peintures et mes tatouages partagent des caractéristiques communes et qu’ils forment progressivement un langage artistique cohérent et reconnaissable.
Vous avez récemment participé à votre première convention de tatouage aux États-Unis. Que vous a apporté cette expérience sur le plan professionnel ?
– J’ai remporté plusieurs prix dès ma toute première convention américaine. Pour moi, les conventions ne sont pas seulement des compétitions. Elles offrent l’occasion de sortir de ma zone de confort, de travailler dans un environnement inconnu, d’observer des artistes accomplis à l’œuvre et d’évaluer mon propre niveau avec davantage d’objectivité.
Elles apportent une expérience précieuse, de nouvelles idées, des contacts professionnels et une motivation supplémentaire pour continuer à progresser. Je compte continuer à participer à des conventions dans différents États et pays chaque fois que cela sera possible.
Parmi les prix que vous avez reçus, lesquels ont eu le plus d’importance à vos yeux jusqu’à présent ?
– Les prix qui comptent le plus pour moi sont ceux que j’ai reçus lors de ma première convention aux États-Unis, qui s’est tenue en Floride. C’était ma première expérience de ce type depuis mon déménagement. Voir mon travail récompensé m’a donc confirmé que j’allais dans la bonne direction et que j’étais capable de franchir un nouveau cap professionnel.
Je ne considère pas ces prix comme l’aboutissement de mon parcours, mais comme le début d’une nouvelle étape et une motivation supplémentaire pour participer à de prochaines conventions.
« Je ne considère pas ces prix comme l’aboutissement de mon parcours, mais comme le début d’une nouvelle étape. »
Lorsque vous observez vos travaux récents, dans quel domaine constatez-vous votre plus grande évolution en tant qu’artiste ?
– L’évolution la plus notable dans mon travail réside dans l’attention accrue que j’accorde aux détails, aux textures, à l’éclairage et à la présentation générale de chaque image. Ma démarche de conception est devenue plus réfléchie, tout comme ma manière de photographier les pièces terminées et d’élaborer une palette de couleurs limitée qui reflète mon style et les résultats que je souhaite obtenir.
Je suis également devenue plus sélective dans le choix des projets que j’accepte et je tiens désormais compte des contraintes techniques du tatouage dès les premières étapes de la composition. Mon objectif n’est pas seulement de bien réaliser chaque pièce, mais de développer un style artistique cohérent et reconnaissable.
