En los tatuajes de Anastasia Nechaeva, el realismo rara vez es mero realismo. La artista potencia el contraste, transforma la iluminación y trabaja con densos tonos gris plateado y con el color para crear un lenguaje visual propio a partir de imágenes conocidas. Retratos, animales, esculturas y personajes pueden pertenecer a temáticas completamente distintas, pero comparten sombras profundas, reflejos expresivos y una densidad tonal característica.
Originaria de Kazajistán, Anastasia trabajó como tatuadora en Turquía antes de mudarse a Estados Unidos. Actualmente vive en Los Ángeles. Define su propuesta como realismo estilizado: el realismo clásico sigue siendo la base técnica, mientras que el color, la iluminación y la composición se convierten en herramientas de interpretación personal.
Los cover-ups también ocupan un lugar importante en la obra de Anastasia Nechaeva. En lugar de limitarse a ocultar un tatuaje antiguo bajo una imagen más oscura, reconstruye la composición desde cero –desplaza los puntos focales, añade profundidad y diseña la nueva pieza para que el tatuaje anterior desaparezca de forma natural en ella–.
Tras mudarse a Estados Unidos, participó en su primera convención de tatuajes estadounidense, celebrada en Florida, y recibió varios premios. Anastasia continúa desarrollando su estilo y planea participar en convenciones de otros estados y del extranjero. Al mismo tiempo, explora la pintura al óleo e incorpora gradualmente su estética a su forma de abordar el tatuaje.
¿De dónde eres y cómo llegó el tatuaje a tu vida?
–Soy de Kazajistán. Al principio trabajaba en un ámbito completamente distinto, pero los tatuajes ya formaban parte de mi vida desde hacía mucho tiempo. Me gustaba tatuarme y conocí a muchas personas que compartían mi interés por la cultura del tatuaje. Poco a poco, esta pasión personal se convirtió en el deseo de crear tatuajes y crecer profesionalmente como artista.
No tienes formación artística reglada. ¿Cómo desarrollaste tus habilidades artísticas y técnicas?
– Soy totalmente autodidacta. En un momento dado, empecé a dibujar mucho, solo para mí, y descubrí hasta qué punto me fascinaba el proceso creativo. Como ya me interesaban los tatuajes, ambas aficiones se unieron de forma natural. Decidí que quería plasmar mis ideas sobre la piel y empecé a estudiar por mi cuenta dibujo, composición, color y los aspectos técnicos del tatuaje.
Antes de mudarte a Los Ángeles, trabajaste como tatuadora en Turquía. ¿Qué te llevó a Estados Unidos y cómo ha influido la mudanza en tu evolución?
–En Turquía trabajaba como tatuadora, pero con el tiempo quise seguir avanzando profesionalmente. Así que, cuando tuve la oportunidad de trabajar en Estados Unidos, me mudé a California y ahora vivo en Los Ángeles.
El entorno creativo de aquí me motiva constantemente a mejorar y desarrollar un estilo artístico más reconocible. En el futuro, me gustaría visitar más estados y países, participar en convenciones internacionales y eventos profesionales, aprender de otros artistas y establecer vínculos con ellos.
¿Cómo describirías el estilo que estás desarrollando actualmente?
– Hoy describiría mi estilo como realismo estilizado. Conserva los fundamentos del realismo tradicional –proporciones precisas, volumen, anatomía e imágenes reconocibles–, pero permite una mayor libertad artística.
En lugar de limitarme a trasladar una fotografía a la piel, reinterpreto la iluminación, el contraste, los colores y los detalles. A menudo combino varias fuentes visuales para crear una composición completamente nueva. Para mí, el realismo aporta la base técnica, mientras que la estilización hace que cada pieza sea más artística y personal.
«Para mí, el realismo aporta la base técnica, mientras que la estilización hace que cada pieza sea más artística y personal».
Tu portafolio incluye retratos, animales, personajes, esculturas e imágenes simbólicas. ¿Qué conexión visual existe entre temas tan diferentes?
–Trabajo con muchos temas diferentes. No quiero limitarme a una temática concreta. Me interesa más desarrollar mi propia técnica y mi propio lenguaje visual.
Disfruto especialmente trabajando con tonos densos, matices gris plateado y una iluminación intensa y expresiva. Mi objetivo es que mi trabajo se reconozca por su tratamiento visual, independientemente del tema.
«Mi objetivo es que mi trabajo se reconozca por su tratamiento visual, independientemente del tema».
Tus trabajos en Black and Grey tienen un aspecto muy denso y gráfico. ¿En qué se diferencia tu enfoque técnico del tatuaje tradicional con greywash?
–Actualmente no trabajo con el greywash tradicional ni con el típico estilo Black and Grey ligero y etéreo. Mi técnica se basa en una aplicación saturada del pigmento, sombras profundas, contrastes intensos y luces muy marcadas.
Puedo utilizar únicamente una paleta de grises plateados, crear una pieza completamente a color o combinar tonos plateados y de color en una misma composición. Desde el punto de vista técnico, abordo todas estas opciones como trabajos a color.
¿Cómo decides si una composición concreta debe realizarse a color, en tonos plateados o en Black and Grey?
–No divido los temas entre los que solo pueden realizarse a color y los que solo pueden resolverse con una paleta plateada o de Black and Grey. Casi cualquier composición puede adaptarse a cualquiera de estos enfoques.
Para mí, esa es la esencia de la estilización: reinterpretar la referencia, modificar la iluminación, los colores y las relaciones tonales e incluso introducir matices que no existen en la imagen original. Esto me permite crear una interpretación artística en lugar de limitarme a reproducir una fotografía de alta calidad.
Los cover-ups se han convertido en una parte importante de tu portafolio. En tu opinión, ¿qué hace que un cover-up funcione bien desde el punto de vista técnico?
–Los cover-ups son una de las principales áreas de mi trabajo, junto con los proyectos sobre piel sin tatuar. Para que un cover-up tenga éxito, debe haber suficiente piel disponible alrededor del tatuaje existente para crear una composición más amplia y completa.
En lugar de limitarme a colocar un elemento oscuro del mismo tamaño sobre el tatuaje antiguo, desvío la atención mediante nuevos puntos focales, iluminación, profundidad y movimiento. También es esencial tener en cuenta la densidad y el color del pigmento existente, el estado de la piel y el aspecto que tendrá el nuevo trabajo una vez cicatrizado.
¿Cómo desarrollas un cover-up junto con el cliente y cuánta libertad tiene para elegir el nuevo diseño?
–Al igual que en mis proyectos personalizados habituales, asumo la responsabilidad principal de crear todo el diseño del cover-up. Primero, el cliente y yo definimos la dirección general, el tema y la atmósfera de la composición. Después creo un diseño personalizado a partir de sus preferencias, adaptando cada detalle a los requisitos técnicos de ese cover-up concreto. Por este motivo, las opciones del cliente pueden verse un tanto limitadas por lo que técnicamente puede hacerse bien.
La mayoría de mis cover-ups se completan en una sola sesión y, cuando la composición y el planteamiento técnico se han planificado cuidadosamente, a menudo no necesitan retoques. Sin embargo, los casos más complejos pueden requerir varias sesiones y trabajo adicional en determinadas zonas.
¿Dónde sueles encontrar inspiración y qué influye en el lenguaje visual que estás desarrollando?
–Encuentro inspiración en muchos lugares distintos. Sigo a pintores y otros tatuadores en Instagram, guardo referencias y estudio combinaciones interesantes de color, luz, textura y formas abstractas. Al mismo tiempo, una idea puede surgir de una persona, un objeto, un detalle inusual o una combinación de colores que descubro mientras paseo.
Actualmente también estudio y practico la pintura al óleo. Estoy buscando mi propio estilo en este medio y, con el tiempo, me gustaría vincularlo con la estética de mi trabajo como tatuadora. Para mí es importante que mis pinturas y mis tatuajes compartan características y que poco a poco den forma a un lenguaje artístico propio y reconocible.
Hace poco participaste en tu primera convención de tatuajes en Estados Unidos. ¿Qué te aportó esa experiencia en el ámbito profesional?
–Gané varios premios en mi primera convención estadounidense. Para mí, las convenciones no son solo competiciones. Son una oportunidad para afrontar nuevos retos, trabajar en un entorno desconocido, observar cómo trabajan otros artistas reconocidos y evaluar mi propio nivel de forma más objetiva.
Aportan una experiencia valiosa, nuevas ideas, contactos profesionales y motivación para seguir creciendo. Siempre que sea posible, pienso seguir asistiendo a convenciones en distintos estados y países.
¿Cuáles de los premios que has recibido hasta ahora han sido más importantes para ti?
–Los premios que más significan para mí son los que recibí en mi primera convención en Estados Unidos, celebrada en Florida. Era mi primera experiencia de este tipo desde que me mudé, así que el reconocimiento de mi trabajo confirmó que avanzaba en la dirección correcta y que podía competir a un nuevo nivel profesional.
No veo estos premios como un logro definitivo, sino como el inicio de una nueva etapa y una motivación adicional para participar en futuras convenciones.
«No veo estos premios como un logro definitivo, sino como el inicio de una nueva etapa».
Al observar tus trabajos recientes, ¿en qué aspecto percibes tu mayor evolución como artista?
–El progreso más evidente en mi trabajo es la mayor atención que presto a los detalles, las texturas, la iluminación y la presentación general de cada imagen. Ahora tomo decisiones más meditadas durante el proceso de diseño, al fotografiar las piezas terminadas y al desarrollar una paleta de colores limitada que refleje mi estilo y los resultados que quiero conseguir.
También me he vuelto más selectiva con los proyectos que acepto y ahora tengo en cuenta las limitaciones técnicas del tatuaje desde las primeras etapas de la composición. Mi objetivo no es simplemente ejecutar bien cada pieza, sino desarrollar un estilo artístico coherente y reconocible.
