Nei tatuaggi di Anastasia Nechaeva, il realismo raramente rimane fine a sé stesso. L’artista accentua i contrasti, reinterpreta l’illuminazione e utilizza tonalità grigio argento e colori intensi per creare un linguaggio visivo personale a partire da immagini familiari. Ritratti, animali, sculture e personaggi possono avere soggetti molto diversi, ma sono accomunati da ombre profonde, punti luce espressivi e una particolare intensità tonale.
Originaria del Kazakistan, Anastasia ha lavorato come tatuatrice in Turchia prima di trasferirsi negli Stati Uniti. Oggi vive a Los Angeles. Definisce il proprio stile come «realismo stilizzato»: il realismo classico rimane la base tecnica, mentre il colore, l’illuminazione e la composizione diventano strumenti di interpretazione personale.
Anche i cover-up costituiscono una parte importante del lavoro di Anastasia Nechaeva. Anziché limitarsi a nascondere un vecchio tatuaggio sotto un’immagine più scura, ricostruisce la composizione da zero, spostando i punti focali, aggiungendo profondità e progettando il nuovo lavoro in modo che il tatuaggio precedente scompaia naturalmente al suo interno.
Dopo essersi trasferita negli Stati Uniti, ha partecipato alla sua prima convention americana di tatuaggi in Florida, ricevendo diversi premi. Anastasia continua ora a sviluppare il proprio stile e progetta di partecipare a convention in altri stati e all’estero; parallelamente, esplora la pittura a olio e ne integra gradualmente l’estetica nel proprio approccio al tatuaggio.
Da dove vieni e com’è entrato il tatuaggio nella tua vita?
– Vengo dal Kazakistan. All’inizio lavoravo in un settore completamente diverso, ma i tatuaggi facevano già parte della mia vita da molto tempo. Mi piaceva farmi tatuare e ho conosciuto molte persone che condividevano il mio interesse per la cultura del tatuaggio. Gradualmente, questa passione personale si è trasformata nel desiderio di creare tatuaggi e crescere professionalmente come artista.
Non hai una formazione artistica accademica. Come hai sviluppato le tue capacità artistiche e tecniche?
– Sono completamente autodidatta. A un certo punto ho iniziato a disegnare molto, solo per me stessa, e ho capito quanto mi affascinasse il processo creativo. Poiché ero già appassionata di tatuaggi, questi due interessi si sono uniti in modo naturale. Ho deciso che volevo trasferire le mie idee sulla pelle e ho iniziato a studiare autonomamente il disegno, la composizione, il colore e gli aspetti tecnici del tatuaggio.
Prima di trasferirti a Los Angeles, hai lavorato come tatuatrice in Turchia. Cosa ti ha portato negli Stati Uniti e in che modo il trasferimento ha influito sulla tua crescita?
– In Turchia lavoravo come tatuatrice, ma con il tempo ho sentito il desiderio di portare il mio lavoro a un livello superiore. Così, quando ho avuto l’opportunità di lavorare negli Stati Uniti, mi sono trasferita in California e ora vivo a Los Angeles.
L’ambiente creativo di questa città mi motiva costantemente a migliorare e a sviluppare uno stile artistico più riconoscibile. In futuro vorrei visitare altri stati e paesi, partecipare a convention internazionali ed eventi professionali, imparare da altri artisti e creare legami con loro.
Come descriveresti lo stile che stai sviluppando oggi?
– Oggi definirei il mio stile realismo stilizzato. Mantiene i fondamenti del realismo tradizionale – proporzioni accurate, volume, anatomia e immagini riconoscibili – concedendo al tempo stesso una maggiore libertà artistica.
Invece di trasferire semplicemente una fotografia sulla pelle, ne reinterpreto l’illuminazione, il contrasto, i colori e i dettagli. Spesso combino diverse fonti visive per creare una composizione completamente nuova. Per me, il realismo costituisce la base tecnica, mentre la stilizzazione rende ogni lavoro più artistico e personale.
«Per me, il realismo costituisce la base tecnica, mentre la stilizzazione rende ogni lavoro più artistico e personale.»
Il tuo portfolio comprende ritratti, animali, personaggi, sculture e immagini simboliche. Che cosa accomuna visivamente soggetti così diversi?
– Lavoro con molti soggetti diversi. Non voglio limitarmi a un unico tema specifico. Mi interessa di più sviluppare una tecnica e un linguaggio visivo personali.
Mi piace soprattutto lavorare con tonalità sature, sfumature grigio argento e un’illuminazione intensa ed espressiva. Il mio obiettivo è rendere riconoscibili i miei lavori attraverso il loro trattamento visivo, indipendentemente dal soggetto.
«Il mio obiettivo è rendere riconoscibili i miei lavori attraverso il loro trattamento visivo, indipendentemente dal soggetto.»
I tuoi lavori Black and Grey hanno un aspetto molto intenso e grafico. In che modo il tuo approccio tecnico si differenzia dalla tecnica greywash tradizionale?
– Al momento non lavoro né con il greywash tradizionale né con il tipico Black and Grey leggero e arioso. La mia tecnica si basa su una stesura satura del pigmento, ombre profonde, forti contrasti e punti luce ben definiti.
Posso utilizzare soltanto una palette grigio argento, realizzare un lavoro interamente a colori oppure combinare tonalità argentate e colorate all’interno della stessa composizione. Dal punto di vista tecnico, affronto tutte queste soluzioni come lavori a colori.
Come decidi se realizzare una determinata composizione a colori, in tonalità argentate oppure in stile Black and Grey?
– Non divido i soggetti tra quelli da realizzare esclusivamente a colori e quelli adatti soltanto a una palette argentata o allo stile Black and Grey. Quasi ogni composizione può essere adattata a ciascuno di questi approcci.
Per me, questa è l’essenza della stilizzazione: reinterpretare il riferimento, modificare l’illuminazione, i colori e i rapporti tonali, introducendo eventualmente sfumature che non esistono nell’immagine originale. In questo modo posso creare un’interpretazione artistica anziché limitarmi a riprodurre una fotografia di alta qualità.
I cover-up sono diventati una parte importante del tuo portfolio. Dal tuo punto di vista, quali aspetti determinano la buona riuscita tecnica di un cover-up?
– I cover-up sono uno dei principali ambiti del mio lavoro, insieme ai tatuaggi su pelle vergine. Per ottenere un buon cover-up è necessario che intorno al tatuaggio esistente vi sia una porzione sufficiente di pelle non tatuata, così da poter costruire una composizione più ampia e completa.
Invece di limitarmi a sovrapporre al vecchio tatuaggio un soggetto scuro delle stesse dimensioni, sposto l’attenzione creando nuovi punti focali e lavorando su illuminazione, profondità e movimento. È inoltre fondamentale considerare la densità e il colore del pigmento esistente, le condizioni della pelle e l’aspetto che avrà il nuovo lavoro una volta guarito.
Come sviluppi un cover-up insieme al cliente e quanta libertà ha nella scelta del nuovo disegno?
– Come per gli altri miei progetti personalizzati, sono io a occuparmi principalmente dell’intero disegno del cover-up. Per prima cosa, io e il cliente definiamo l’impostazione generale, il soggetto e l’atmosfera della composizione. Creo poi un disegno personalizzato sulla base delle sue preferenze, adattando ogni dettaglio ai requisiti tecnici di quello specifico cover-up. Per questo motivo, le possibilità di scelta del cliente possono essere in parte vincolate a ciò che si può effettivamente realizzare con un buon risultato.
La maggior parte dei miei cover-up viene completata in un'unica seduta principale e spesso non necessita di ritocchi, quando la composizione e l'approccio tecnico sono stati pianificati con cura. Tuttavia, i casi più complessi possono richiedere diverse sedute e ulteriori interventi su determinate aree.
Dove trovi solitamente ispirazione e che cosa influenza il linguaggio visivo che stai sviluppando?
– Trovo ispirazione in molti ambiti diversi. Seguo pittori e altri tatuatori su Instagram, salvo immagini di riferimento e studio combinazioni interessanti di colori, luce, texture e forme astratte. Allo stesso tempo, un'idea può nascere da una persona, un oggetto, un dettaglio insolito o un accostamento di colori che noto durante una passeggiata.
Attualmente, inoltre, studio e pratico la pittura a olio. Sto cercando di trovare un mio stile anche in questa tecnica e, con il tempo, vorrei collegarlo all'estetica dei miei tatuaggi. Per me è importante che i miei dipinti e i miei tatuaggi abbiano caratteristiche comuni e convergano gradualmente in un linguaggio artistico unitario e riconoscibile.
Di recente hai partecipato alla tua prima convention di tatuaggi negli Stati Uniti. Che cosa ti ha dato questa esperienza dal punto di vista professionale?
– Ho vinto diversi premi già alla mia prima convention americana. Per me, le convention non sono soltanto competizioni. Sono un’opportunità per mettermi alla prova fuori da contesti familiari, lavorare in un ambiente sconosciuto, osservare all’opera altri artisti affermati e valutare il mio livello in modo più obiettivo.
Offrono un'esperienza preziosa, nuove idee, contatti professionali e motivazione per continuare a crescere. Ho intenzione di continuare a partecipare a convention in diversi stati e paesi ogni volta che sarà possibile.
Quali dei premi che hai ricevuto finora sono stati più significativi per te?
– I premi più importanti per me sono quelli che ho ricevuto alla mia prima convention negli Stati Uniti, che si è svolta in Florida. È stata la mia prima esperienza di questo tipo dopo il trasferimento, quindi vedere riconosciuto il mio lavoro mi ha confermato che stavo andando nella direzione giusta e che potevo competere a un nuovo livello professionale.
Non considero questi premi un traguardo definitivo, ma l'inizio di una nuova fase e un'ulteriore motivazione a partecipare alle prossime convention.
«Non considero questi premi un traguardo definitivo, ma l’inizio di una nuova fase.»
Ripensando ai tuoi lavori recenti, in quale aspetto noti la tua evoluzione più significativa come artista?
– L’evoluzione più evidente nel mio lavoro è la maggiore attenzione che dedico ai dettagli, alle texture, all’illuminazione e alla presentazione complessiva di ogni immagine. Ora progetto con maggiore consapevolezza, curo di più le fotografie dei lavori completati e sviluppo una palette cromatica limitata, in linea con il mio stile e con i risultati che desidero ottenere.
Sono diventata anche più selettiva nella scelta dei progetti che accetto e ora considero i limiti tecnici del tatuaggio fin dalle prime fasi della composizione. Il mio obiettivo non è semplicemente realizzare bene ogni singolo lavoro, ma sviluppare uno stile artistico coerente e riconoscibile.
