In den Tattoos von Anastasia Nechaeva bleibt Realismus selten einfach nur Realismus. Sie verstärkt Kontraste, gestaltet die Lichtführung neu und arbeitet mit dichten Silbergrautönen und Farbe, um aus vertrauten Motiven eine ganz eigene Bildsprache zu entwickeln. Porträts, Tiere, Skulpturen und Figuren können sich thematisch völlig voneinander unterscheiden, doch tiefe Schatten, ausdrucksstarke Lichtakzente und eine charakteristische Dichte der Tonwerte verbinden sie miteinander.
Anastasia stammt ursprünglich aus Kasachstan und arbeitete als Tätowiererin in der Türkei, bevor sie in die Vereinigten Staaten zog. Heute lebt und arbeitet sie in Los Angeles. Sie bezeichnet ihre Ausrichtung als stilisierten Realismus: Der klassische Realismus bildet weiterhin die technische Grundlage, während Farbe, Licht und Komposition zu Werkzeugen ihrer persönlichen Interpretation werden.
Auch Cover-ups sind ein wichtiger Teil der Arbeit von Anastasia Nechaeva. Statt ein altes Tattoo einfach unter einem dunkleren Motiv zu verbergen, baut sie die Komposition von Grund auf neu auf – sie setzt neue visuelle Schwerpunkte, schafft mehr Tiefe und gestaltet das neue Werk so, dass das frühere Tattoo unauffällig darin aufgeht.
Nach ihrem Umzug in die Vereinigten Staaten nahm sie in Florida an ihrer ersten amerikanischen Tattoo-Convention teil und erhielt mehrere Auszeichnungen. Anastasia entwickelt ihren Stil nun weiter und plant, an Conventions in anderen Bundesstaaten und im Ausland teilzunehmen. Zugleich beschäftigt sie sich mit Ölmalerei und lässt deren Ästhetik nach und nach in ihre Herangehensweise ans Tätowieren einfließen.
Woher kommst du ursprünglich, und wie bist du zum Tätowieren gekommen?
– Ich komme ursprünglich aus Kasachstan. Anfangs war ich in einem völlig anderen Bereich tätig, doch Tattoos spielten bereits seit Langem eine wichtige Rolle in meinem Leben. Ich ließ mich selbst gern tätowieren und lernte viele Menschen kennen, die mein Interesse an der Tattoo-Kultur teilten. Nach und nach entwickelte sich aus dieser persönlichen Leidenschaft der Wunsch, selbst Tattoos zu gestalten und mich als Künstlerin professionell weiterzuentwickeln.
Du hast keine formale künstlerische Ausbildung. Wie hast du deine künstlerischen und technischen Fähigkeiten entwickelt?
– Ich habe mir alles selbst beigebracht. Irgendwann begann ich, viel zu zeichnen, einfach für mich selbst, und erkannte, wie sehr mich der kreative Prozess faszinierte. Da ich mich bereits für Tattoos begeisterte, fanden diese beiden Interessen ganz natürlich zusammen. Ich beschloss, meine Ideen auf die Haut zu bringen, und begann, mich eigenständig mit Zeichnen, Komposition, Farbe und den technischen Aspekten des Tätowierens zu beschäftigen.
Bevor du nach Los Angeles gezogen bist, hast du als Tätowiererin in der Türkei gearbeitet. Was hat dich in die Vereinigten Staaten geführt, und wie hat der Umzug deine Entwicklung beeinflusst?
– In der Türkei arbeitete ich als Tätowiererin, doch mit der Zeit wollte ich mich künstlerisch und technisch weiterentwickeln. Als sich mir die Möglichkeit bot, in den USA zu arbeiten, zog ich deshalb nach Kalifornien und lebe und arbeite heute in Los Angeles.
Das kreative Umfeld hier motiviert mich ständig dazu, mich zu verbessern und einen unverwechselbareren künstlerischen Stil zu entwickeln. Künftig würde ich gern weitere Bundesstaaten und Länder besuchen, an internationalen Conventions und Fachveranstaltungen teilnehmen, von anderen Kunstschaffenden lernen und mich mit ihnen austauschen.
Wie würdest du den Stil beschreiben, den du derzeit entwickelst?
– Heute würde ich meinen Stil als stilisierten Realismus bezeichnen. Er bewahrt die Grundlagen des traditionellen Realismus – präzise Proportionen, Volumen, Anatomie und klar erkennbare Motive – und lässt zugleich mehr künstlerische Freiheit zu.
Statt einfach ein Foto auf die Haut zu übertragen, interpretiere ich Licht, Kontrast, Farben und Details neu. Oft kombiniere ich mehrere visuelle Vorlagen zu einer völlig neuen Komposition. Für mich bildet Realismus die technische Grundlage, während die Stilisierung jedes Werk künstlerischer und persönlicher macht.
„Für mich bildet Realismus die technische Grundlage, während die Stilisierung jedes Werk künstlerischer und persönlicher macht.“
Dein Portfolio umfasst Porträts, Tiere, Figuren, Skulpturen und symbolische Motive. Was verbindet diese unterschiedlichen Themen visuell?
– Ich arbeite mit vielen verschiedenen Motiven. Ich möchte mich nicht auf ein bestimmtes Thema beschränken. Mich interessiert vielmehr, meine eigene Technik und Bildsprache weiterzuentwickeln.
Besonders gern arbeite ich mit satten Tönen, silbergrauen Nuancen und einer starken, ausdrucksstarken Lichtführung. Mein Ziel ist, dass meine Arbeiten unabhängig vom jeweiligen Motiv an ihrer visuellen Gestaltung erkennbar sind.
„Mein Ziel ist, dass meine Arbeiten unabhängig vom jeweiligen Motiv an ihrer visuellen Gestaltung erkennbar sind.“
Deine Black and Grey-Arbeiten wirken sehr dicht und grafisch. Wie unterscheidet sich dein technischer Ansatz vom traditionellen Greywash-Tätowieren?
– Derzeit arbeite ich weder mit traditionellem Greywash noch im typischen hellen, luftigen Black and Grey-Stil. Meine Technik basiert auf einem satten Farbauftrag, tiefen Schatten, starken Kontrasten und markanten Lichtreflexen.
Ich verwende mitunter ausschließlich eine silbergraue Palette, arbeite vollständig in Farbe oder kombiniere Silber- und Farbtöne in einer Komposition. Technisch behandle ich all diese Varianten wie Farbarbeiten.
Wie entscheidest du, ob eine bestimmte Komposition in Farbe, Silbertönen oder Black and Grey umgesetzt werden soll?
– Ich unterteile Motive nicht in solche, die ausschließlich in Farbe umgesetzt werden sollten, und solche, für die nur eine silbergraue oder eine Black and Grey-Palette infrage kommt. Nahezu jede Komposition lässt sich an beide Ansätze anpassen.
Genau das macht für mich die Stilisierung aus: Ich interpretiere die Vorlage neu, verändere Licht, Farben und Tonwertverhältnisse und füge mitunter Nuancen hinzu, die im Originalbild nicht vorkommen. So kann ich eine künstlerische Interpretation schaffen, statt lediglich ein hochwertiges Foto zu reproduzieren.
Cover-ups sind zu einem wichtigen Bestandteil deines Portfolios geworden. Was macht ein Cover-up aus deiner Sicht technisch erfolgreich?
– Cover-ups gehören neben Arbeiten auf unberührter Haut zu den Schwerpunkten meiner Tätigkeit. Für ein gelungenes Cover-up muss um das bestehende Tattoo herum genügend freie Haut vorhanden sein, damit eine größere, in sich geschlossene Komposition entstehen kann.
Statt einfach ein dunkles Objekt derselben Größe über das alte Tattoo zu setzen, lenke ich den Blick mithilfe neuer visueller Schwerpunkte, der Lichtführung, der Tiefe und der Bewegung auf andere Bereiche. Ebenso wichtig ist es, die Dichte und Farbe der vorhandenen Pigmente, den Zustand der Haut und das Aussehen der neuen Arbeit nach der Abheilung zu berücksichtigen.
Wie entwickelst du gemeinsam mit dem Kunden ein Cover-up, und wie viel Freiheit hat er bei der Wahl des neuen Designs?
– Wie bei meinen regulären individuellen Projekten liegt die Hauptverantwortung für den gesamten Cover-up-Entwurf bei mir. Zunächst legen der Kunde und ich die allgemeine Richtung, das Motiv und die Atmosphäre der Komposition fest. Anschließend erstelle ich auf Grundlage seiner Wünsche einen individuellen Entwurf und passe jedes Detail an die technischen Anforderungen des jeweiligen Cover-ups an. Deshalb können die Wahlmöglichkeiten des Kunden auf das beschränkt sein, was sich realistisch und in hoher Qualität umsetzen lässt.
Die meisten meiner Cover-ups stelle ich in einer einzigen Sitzung fertig. Wenn Komposition und technische Umsetzung sorgfältig geplant sind, müssen sie oft nicht nachgestochen werden. Komplexere Fälle können jedoch mehrere Sitzungen und zusätzliche Arbeit an einzelnen Bereichen erfordern.
Wo findest du normalerweise Inspiration, und was beeinflusst die Bildsprache, die du entwickelst?
– Ich finde an den unterschiedlichsten Orten Inspiration. Auf Instagram folge ich Malern und anderen Tätowierern, speichere Referenzen und beschäftige mich mit interessanten Kombinationen aus Farbe, Licht, Textur und abstrakten Formen. Zugleich kann eine Idee durch einen Menschen, einen Gegenstand, ein ungewöhnliches Detail oder eine Farbkombination entstehen, die mir bei einem Spaziergang auffällt.
Zurzeit beschäftige ich mich außerdem intensiv mit Ölmalerei. Ich suche in diesem Medium nach meinem eigenen Stil und möchte ihn irgendwann mit der Ästhetik meiner Tattooarbeiten verbinden. Mir ist wichtig, dass meine Gemälde und Tattoos gemeinsame Merkmale aufweisen und sich allmählich zu einer einheitlichen, wiedererkennbaren künstlerischen Sprache entwickeln.
Du hast kürzlich an deiner ersten Tattoo-Convention in den USA teilgenommen. Was hat dir diese Erfahrung beruflich gebracht?
– Gleich bei meiner ersten amerikanischen Convention habe ich mehrere Auszeichnungen gewonnen. Für mich sind Conventions nicht nur Wettbewerbe. Sie bieten die Möglichkeit, meine Komfortzone zu verlassen, in einer ungewohnten Umgebung zu arbeiten, anderen erfahrenen Künstlern bei der Arbeit zuzusehen und mein eigenes Niveau objektiver einzuschätzen.
Sie bringen wertvolle Erfahrungen, neue Ideen, berufliche Kontakte und Motivation, mich weiterzuentwickeln. Ich habe vor, nach Möglichkeit weiterhin Conventions in verschiedenen Bundesstaaten und Ländern zu besuchen.
Welche deiner Auszeichnungen bedeuten dir bisher am meisten?
– Am meisten bedeuten mir die Auszeichnungen, die ich bei meiner ersten Convention in den USA erhalten habe, die in Florida stattfand. Es war meine erste derartige Erfahrung seit meinem Umzug. Die Anerkennung meiner Arbeit bestätigte mir deshalb, dass ich mich in die richtige Richtung entwickelte und mich auch in einem neuen professionellen Umfeld behaupten konnte.
Ich sehe diese Auszeichnungen nicht als Endpunkt, sondern als Beginn einer neuen Etappe und als zusätzliche Motivation, an weiteren Conventions teilzunehmen.
„Ich sehe diese Auszeichnungen nicht als Endpunkt, sondern als Beginn einer neuen Etappe.“
Wenn du auf deine jüngsten Arbeiten zurückblickst: Wo siehst du bei dir als Künstlerin die größte Entwicklung?
– Der deutlichste Fortschritt in meiner Arbeit besteht darin, dass ich Details, Texturen, Licht und der Gesamtwirkung jedes Motivs mehr Aufmerksamkeit widme. Ich gehe bei der Gestaltung bewusster vor, fotografiere fertige Arbeiten sorgfältiger und entwickle eine reduzierte Farbpalette, die meinen Stil und die Ergebnisse widerspiegelt, die ich erzielen möchte.
Außerdem wähle ich die Projekte, die ich annehme, inzwischen gezielter aus und berücksichtige die technischen Grenzen des Tätowierens bereits in der ersten Entwurfsphase. Mein Ziel besteht nicht nur darin, jedes einzelne Motiv gut umzusetzen, sondern auch darin, einen einheitlichen und wiedererkennbaren künstlerischen Stil zu entwickeln.
