In über 17 Jahren als Tätowierer hat sich ShiRyu vom traditionellen Irezumi und New School zu seiner eigenen Interpretation von Neo-Japanese entwickelt – einem Stil, bei dem das Motiv selbst zunehmend weniger wichtig ist als die Art, wie die gesamte Komposition darum herum aufgebaut wird.
Der koreanische Tätowierer, der heute in New York City lebt, beschäftigte sich jahrelang mit den Regeln der japanischen Tätowierkunst, bevor er sie nach und nach zu seiner eigenen Bildsprache umformte. Eines der zentralen Elemente dieser Sprache ist der Hintergrund. ShiRyu betrachtet ihn nicht als zweitrangige Dekoration, sondern als eigenständigen Teil des Designs und als eines der deutlichsten Erkennungsmerkmale seiner Arbeit. Sein Ansatz wurde außerdem von Bildhauerei, persischer Kunst und seinem anhaltenden Interesse an Form, Bewegung und komplexen Farbbeziehungen geprägt.
ShiRyu arbeitet in den Vereinigten Staaten und Europa, nimmt an internationalen Tattoo-Conventions teil, ist als Juror bei Wettbewerben tätig und wurde in den Kategorien für asiatisch inspirierte und großflächige Arbeiten mehrfach ausgezeichnet.
Doch im Gespräch mit iNKPPL konzentriert er sich weniger auf seine Erfolge als auf den Prozess, eine unverwechselbare künstlerische Sprache zu entwickeln: warum man eine Tradition verstehen muss, bevor man sie infrage stellen kann, warum technisches Können allein nicht genügt, damit ein Künstler wiedererkennbar wird, und was noch geschehen muss, bevor der „ShiRyu Style“ zu etwas vollkommen Eigenständigem wird.
Du arbeitest seit 17 Jahren als professioneller Tätowierer. Welche Phase deiner Karriere hat dich als Künstler am stärksten verändert?
– Etwa in meinem 11. Jahr als Tätowierer begann für mich eine große Veränderung. Damals nahm mein Ansatz zur Hintergrundgestaltung, an dem ich bereits seit Jahren arbeitete, allmählich konkrete Gestalt an und wurde wesentlich klarer.
Nachdem ich die Hintergrundgestaltung entwickelt hatte, die ich als mein Markenzeichen betrachte, gingen meine Arbeiten allmählich über New School hinaus und entwickelten sich zu dem Neo-Japanese-Stil, in dem ich heute arbeite.
Dein Weg begann mit traditionellem Irezumi und New School, während sich deine Arbeit inzwischen zu deiner eigenen Neo-Japanese-Richtung entwickelt hat. Was war der entscheidende Wendepunkt bei der Entstehung deiner Bildsprache?
– Ehrlich gesagt fällt es mir schwer, einen bestimmten Moment als wichtigsten Wendepunkt zu benennen. Von Beginn meiner Karriere an war es stets mein Ziel, irgendwann einen Stil zu schaffen, der vollkommen mein eigener ist.
Ich war schon immer davon überzeugt, dass es einen erheblichen Unterschied macht, ob man Regeln bricht, nachdem man sie vollständig verstanden hat, oder ob man sie bricht, ohne sie überhaupt zu kennen.
Deshalb wollte ich diese Regeln zunächst lernen und verstehen. Ich beschäftigte mich mit traditionellem Irezumi und erkundete anschließend durch New School verschiedene Ausdrucksformen. Diese Erfahrungen sammelten sich nach und nach an und führten mich schließlich zu dem Neo-Japanese-Stil, in dem ich heute arbeite.
Bei deinen großflächigen Arbeiten spielt der Hintergrund oft eine beinahe ebenso wichtige Rolle wie die Hauptmotive. Wie gestaltest du die Hintergrundkomposition so, dass der gesamte Körper wie ein zusammenhängendes Werk wirkt?
– Im Allgemeinen ist es nicht leicht, Kunden zu finden, die von Anfang an ein Projekt für den gesamten Oberkörper oder den ganzen Körper beginnen möchten. Die meisten Projekte entwickeln sich schrittweise – ein Kunde lässt sich vielleicht zunächst einen vollständigen Sleeve tätowieren und erweitert das Projekt später auf die Brust oder den gesamten Rücken.
Ich hatte das Glück, schon sehr früh in meiner Karriere an äußerst großflächigen Projekten arbeiten zu können, darunter komplette Oberkörpertattoos. Diese Erfahrung gab mir viele Gelegenheiten, mit verschiedenen Möglichkeiten zu experimentieren, den gesamten Körper wie ein einziges, vollständiges Kunstwerk wirken zu lassen.
Mein Ansatz lässt sich am einfachsten so erklären: Normalerweise betrachten wir Arme, Oberkörper und Beine als voneinander getrennte Körperpartien. Kehrt man diese Sichtweise jedoch um und begreift den gesamten Körper als eine große Leinwand, verändert sich alles.
Statt jede Körperpartie einzeln zu gestalten, entwickle ich eine einzige Komposition für die gesamte Leinwand. So versuche ich, in meinen großflächigen Projekten einen durchgängigen Fluss und visuelle Kontinuität zu schaffen.
Du hast erwähnt, dass du heute die meisten deiner Entwürfe auf dem iPad erstellst. Wie wird aus einer digitalen Skizze ein großflächiges Tattoo auf dem Körper? Arbeitest du mit Stencils, freihändig oder mit einer Kombination aus beidem?
– Zu Beginn meiner Karriere zeichnete ich meine Entwürfe ebenfalls von Hand mit Bleistift im Maßstab 1:1. Damals musste ich diese lebensgroßen Zeichnungen auch manuell auf Stencils übertragen, und ich erinnere mich noch gut daran, wie viel Zeit und Mühe dieser Prozess erforderte.
Heute kombiniere ich beide Methoden.
Für die Hauptmotive verwende ich in der Regel Stencils, während ich Hintergründe und kleinere Elemente direkt auf dem Körper freihändig zeichne. Gerade bei großflächigen Arbeiten müssen viele Bereiche an die Anatomie und die Bewegungen des Körpers angepasst werden. Deshalb halte ich die Kombination beider Methoden für sehr wichtig.
Große Projekte entstehen über viele Sitzungen hinweg. Wie sorgst du dafür, dass Dichte, Kontrast und die visuelle Einheitlichkeit von der ersten bis zur letzten Sitzung erhalten bleiben?
– Statt jedes Detail des fertigen Tattoos schon vor Beginn festzulegen, entwickle ich zunächst einen klaren Gesamtrahmen.
Damit meine ich die grundlegende Ausrichtung des Tattoos – ob es vollständig schwarz, komplett farbig oder überwiegend schwarz mit einzelnen farbigen Bereichen werden soll.
Anschließend arbeite ich die Details aus, während ich die einzelnen Bereiche fertigstelle.
Die Fertigstellung großflächiger Projekte dauert sehr lange. In dieser Zeit verändere und entwickle auch ich mich als Künstler ständig weiter. Es können neue Ideen entstehen, und vielleicht entdecke ich einen besseren Ansatz als den, den ich ursprünglich im Sinn hatte. Deshalb lasse ich mir lieber einige Möglichkeiten offen, statt jede Entscheidung gleich zu Beginn festzuschreiben.
Wenn ich zum Beispiel an einem Projekt mit einer Schlange und Ahornblättern arbeite, stelle ich vielleicht zuerst die Schlange fertig oder beginne mit den Ahornblättern. Sobald dieser Teil abgeschlossen ist, betrachte ich das Ergebnis und entscheide dann, wie sich die übrigen Elemente damit verbinden und darum herum weiterentwickeln sollen.
Für mich geht es bei einem großflächigen Tattoo weniger darum, einer vorab festgelegten Lösung zu folgen, als vielmehr darum, zuzulassen, dass sich das Werk während des gesamten Prozesses weiterentwickelt.
Du hast gesagt, dass du dich heute viel stärker auf die Weiterentwicklung von Design und Stil als auf rein technische Verbesserungen konzentrierst. Welchen Rat würdest du Tätowierern geben, die technisch versiert sind, aber noch Schwierigkeiten haben, eine unverwechselbare eigene Bildsprache zu entwickeln?
– Ich glaube nicht, dass ein Künstler zunächst unbedingt das absolut höchste technische Niveau erreichen muss. Eine ausreichend solide technische Grundlage, mit der man die gewünschten Entwürfe zuverlässig umsetzen kann, halte ich jedoch für wichtig.
Wenn ich darüber hinaus einen Rat zur Entwicklung einer eigenen Bildsprache geben sollte, würde ich sagen: Letztlich musst du weiter experimentieren und dich immer wieder neuen Herausforderungen stellen, bis du gefunden hast, wonach du suchst.
Ich hatte außerdem das Glück, meinen heutigen Stil durch zahllose Versuche, Veränderungen und Herausforderungen zu finden. Ich glaube, dass dieser Prozess auch für mich weitergehen wird.
Skulpturen gehören zu deinen wichtigen Inspirationsquellen. Welche Elemente der Bildhauerei überträgst du auf das Tätowieren – Volumen, Bewegung, Licht, Monumentalität oder etwas anderes?
– Das Element, das mich an Skulpturen am meisten inspiriert, ist die Form.
Man könnte es auch als Bewegung bezeichnen. Selbst bei einer vollkommen reglosen Skulptur gibt es Momente, in denen man durch den Fluss ihrer Form Bewegung spüren kann. Das interessiert mich sehr.
Ich denke oft darüber nach, wie sich dieses Gefühl für Form und Bewegung in eine Tattookomposition übertragen und durch die Bewegungen des menschlichen Körpers zum Ausdruck bringen lässt.
Persische Kunst ist ein weiterer unverwechselbarer Einfluss in deiner Arbeit. Welche ihrer Elemente haben deine Kompositionen am stärksten geprägt?
– Die filigranen Details und charakteristischen Farbkombinationen der persischen Kunst haben mich stark beeinflusst.
Mich interessiert besonders, wie man mehrere Farben miteinander kombinieren und dennoch Harmonie bewahren kann und wie sich komplexe Details zu einem größeren Muster oder einer übergeordneten Form zusammenfügen.
Drachen, Schlangen, Dämonen, Vögel und andere traditionelle asiatische Motive tauchen häufig in deinen Arbeiten auf. Inwieweit orientierst du dich an ihren historischen und traditionellen Bedeutungen, und ab welchem Punkt interpretierst du sie auf zeitgenössische Weise neu?
– Wenn ich als Künstler ausschließlich im traditionellen Irezumi arbeiten würde, würde ich den historischen Bedeutungen und traditionellen Regeln, die mit jedem Motiv verbunden sind, wesentlich mehr Gewicht beimessen.
Meine Arbeit hat sich jedoch in eine Neo-Japanese-Richtung entwickelt, und in letzter Zeit konzentriere ich mich noch stärker auf die Gestaltung des Hintergrunds und die Gesamtkomposition als auf das Hauptmotiv selbst.
Deshalb ignoriere ich die traditionellen Bedeutungen nicht völlig, betrachte sie aber auch nicht als unumstößliche Regeln, die immer befolgt werden müssen.
Für mich sind heute weniger die traditionellen Bedeutungen eines einzelnen Motivs entscheidend als vielmehr die Form und Bewegung, die es innerhalb des Gesamtdesigns erzeugt, und sein Zusammenspiel mit dem Hintergrund.
Wo ziehst du persönlich die Grenze zwischen dem Respekt vor der traditionellen japanischen Tätowierkunst und der Freiheit, ihre überlieferten Regeln auf deine eigene Weise zu verändern?
– Meine Antwort hängt eng mit der vorherigen Frage zusammen.
In dieser Phase interessiert es mich mehr, die traditionellen Regeln zu verstehen und sie anschließend auf meine eigene Weise zu verändern, als sie einfach nur zu reproduzieren.
Ich glaube, dass ich noch mehrere weitere Phasen der Veränderung durchlaufen muss.
Wenn ich weiterhin die Regeln breche, nach denen ich derzeit arbeite, neue aufstelle und diese anschließend wieder infrage stelle, könnte meiner Meinung nach irgendwann etwas entstehen, das sich vollkommen von dem unterscheidet, was ich heute erschaffe.
Gerade diese Möglichkeit begeistert mich am meisten.
Deine Projekte verlangen deinen Kunden großes Vertrauen ab und erstrecken sich oft über einen langen Zeitraum. Wie wählst du die Kunden aus, mit denen du zusammenarbeitest, und wie baust du im Laufe des Projekts diese Beziehung und das nötige Vertrauen auf?
– Meiner Meinung nach beginnt es damit, dass sich der Kunde zunächst für mich entscheidet, bevor ich ihn auswähle. Sobald das Projekt jedoch beginnt, halte ich es für wichtig, dass ich als Künstler die allgemeine Richtung der Arbeit vorgebe.
Letztlich gewinnt man das Vertrauen eines Kunden am ehesten mit überzeugenden Ergebnissen. Ganz gleich, wie ausführlich man etwas erklärt: Dem Kunden Arbeiten zu zeigen, auf deren Qualität er wirklich vertrauen kann, ist weitaus überzeugender.
Oft spüre ich schon nach der ersten Sitzung, dass das Vertrauen des Kunden in das Projekt deutlich gewachsen ist.
Für eine gute Beziehung während eines langfristigen Projekts halte ich außerdem eines für wichtig: Bis die Arbeit abgeschlossen ist, sollte zwischen Künstler und Kunde eine gewisse professionelle Distanz bestehen bleiben.
Natürlich ist ein gutes Verhältnis wichtig. Wird die Beziehung jedoch zu persönlich, können bisweilen unnötige Faktoren die Entscheidungen über die Gestaltung beeinflussen.
Ich glaube, dass klare Rollen und ein klares Verhältnis während des laufenden Projekts auf lange Sicht zu einem besseren Ergebnis beitragen.
Du betreust gleichzeitig langfristige Großprojekte, entwickelst neue Designs, besuchst Conventions, bist als Juror bei Wettbewerben tätig und arbeitest international. Wie ist dein derzeitiger Arbeitsalltag organisiert, und wie teilst du deine Zeit ein?
– Mein Arbeitsalltag besteht derzeit im Wesentlichen aus ungefähr acht Stunden Tätowieren pro Tag.
Nach einer Tattoositzung mache ich eine kurze Pause und beginne anschließend mit den Entwürfen für anstehende Arbeiten.
Wenn ich einen Ansatz für mein Zeitmanagement nennen müsste, der es mir ermöglicht, mich ganz auf das Tätowieren zu konzentrieren, dann wäre es, unnötige Besprechungen und gesellschaftliche Termine nach Möglichkeit auf ein Minimum zu reduzieren.
Beziehungen zu anderen Menschen zu pflegen kostet mehr Zeit und Energie, als uns manchmal bewusst ist. Indem ich solche Verpflichtungen begrenze, bleibt mir ganz von selbst mehr Zeit für das Tätowieren und Entwerfen.
Beim Zeitmanagement geht es mir weniger darum, noch mehr in meinen Zeitplan zu packen, als vielmehr darum, alles zu streichen, was für meine Arbeit nicht notwendig ist.
Wenn du auf die vergangenen 17 Jahre zurückblickst: Welche Arbeitsgewohnheiten waren für deine Entwicklung am wichtigsten, und welche helfen dir dabei, dein heutiges Arbeitspensum zu bewältigen?
– Regelmäßige Bewegung gehört für mich zu den grundlegendsten Dingen.
Außerdem achte ich äußerst genau auf meine Arbeitsumgebung – vielleicht in einem Maß, das manchen übertrieben empfindlich erscheinen mag. Ich passe ständig Kleinigkeiten an, etwa die Position und Helligkeit meiner Beleuchtung sowie die Höhe meines Stuhls und der Tattooliege.
Wenn man jeden Tag viele Stunden arbeitet, werden solche kleinen Unterschiede enorm wichtig.
Wenn selbst eine kleine Anpassung meinen Körper entlasten oder meine Arbeitsumgebung angenehmer machen kann, nehme ich sie sofort vor.
Ein hohes Arbeitspensum über viele Jahre aufrechtzuerhalten, hängt letztlich nicht nur von der Arbeit selbst ab. Meiner Ansicht nach ist es ebenso wichtig, ein Umfeld zu schaffen, in dem man diese Arbeit beständig fortsetzen kann.
Du arbeitest international, unter anderem in den Vereinigten Staaten und Europa, und bist außerdem als Juror auf Conventions tätig. Hat diese Juryarbeit deine Sicht darauf verändert, was ein technisch hervorragendes von einem wirklich außergewöhnlichen Tattoo unterscheidet?
– Meine Maßstäbe haben sich im Laufe der Zeit kaum verändert.
Mich interessieren eher Tattoos, die gestalterisch außergewöhnlich sind, als solche, die lediglich technisch perfekt ausgeführt wurden.
Natürlich ist ein hohes technisches Niveau eine unverzichtbare Grundlage für ein großartiges Tattoo. Ich glaube, dass sich die Technik durch regelmäßiges Üben und Erfahrung deutlich weiterentwickeln lässt.
Ein außergewöhnliches Design umfasst jedoch Elemente, die sich nicht allein durch eine technische Ausbildung erklären lassen. Es entsteht aus der Art, wie ein Künstler die Dinge sieht, aus seinem Gespür für Komposition und Form, seinen persönlichen Erfahrungen und der Bildsprache, die er im Laufe der Zeit entwickelt hat.
Wenn ich als Juror arbeite, achte ich daher viel stärker auf die Originalität des Designs und darauf, wie stimmig die gesamte Komposition umgesetzt wurde, sobald ein bestimmtes technisches Niveau erreicht ist.
Du hast mehrere Auszeichnungen in den Kategorien Asian/Japanese und für großformatige Arbeiten erhalten. Welche Auszeichnung oder welcher Erfolg bedeutet dir persönlich am meisten und warum?
– Ich kann weder sagen, um welche Convention es sich handelte, noch, in welchem Land sie stattfand. Aber ironischerweise war gerade die Convention, bei der ich überhaupt keine Auszeichnung erhielt, für mich persönlich die bedeutungsvollste.
Entscheidend war nicht einfach die Tatsache, dass ich nicht gewonnen hatte. Diese Erfahrung eröffnete mir eine neue Perspektive auf meine Schwächen, auf die Bereiche, in denen ich mich weiterentwickeln musste, und auf die Dinge, die ich verbessern musste.
Natürlich bin ich für die Auszeichnungen, die ich erhalten habe, dankbar, und sie bedeuten mir viel. Doch gerade diese Convention ist für mich etwas Besonderes geblieben, weil sie mich zwang, meine eigene Arbeit aus einer anderen Perspektive zu betrachten.
Nachdem du viele Jahre an Tattoo-Conventions teilgenommen hast: Worauf achtest du heute bei Wettbewerbsarbeiten am meisten, wenn du sie aus der Perspektive eines Jurors und nicht eines Teilnehmers betrachtest?
– Bei der Bewertung von Wettbewerbsarbeiten ist die Technik eine so grundlegende Voraussetzung, dass ich sie als Ausgangspunkt betrachte.
Sobald dieses grundlegende Niveau erreicht ist, konzentriere ich mich vor allem auf die Frische des Designs, die Originalität und die Gesamtharmonie.
Die Qualität jedes einzelnen Elements ist wichtig, doch letztlich achte ich darauf, wie natürlich sich all diese Elemente innerhalb der Arbeit miteinander verbinden und ob sie ein vollständiges, in sich stimmiges Design ergeben.
Du hast davon gesprochen, deinen eigenen unverwechselbaren „ShiRyu Style“ zu entwickeln. Wenn jemand eines deiner Tattoos sehen würde, ohne den Namen des Künstlers zu kennen: An welchen Elementen der Komposition, der Bewegung oder der Bildsprache sollte diese Person unverkennbar erkennen, dass das Tattoo von dir stammt?
– Mein erstes Ziel ist, dass man meine Arbeiten allein an der Gestaltung meiner Hintergründe erkennt.
Mein zweites Ziel ist, dass man meine Arbeiten an den Hauptmotiven selbst erkennt, auch wenn keines meiner charakteristischen Hintergrundelemente vorhanden ist.
Und ich glaube, mein letztes Ziel beginnt erst, nachdem ich diese beiden Dinge erreicht habe.
Wenn ich eine vollkommen eigene Bildsprache für die Hintergründe mit Hauptmotiven verbinden kann, die ebenfalls in meiner eigenen Bildsprache gestaltet sind, kann ich meiner Meinung nach ein völlig neues Terrain jenseits meines heutigen Schaffens erreichen.
Mein erstes Ziel ist, dass man meine Arbeiten allein an der Gestaltung meiner Hintergründe erkennt.
Das beschreibt wohl am treffendsten, was ich mir letztlich unter dem „ShiRyu Style“ vorstelle.
Was möchtest du nach 17 Jahren als Tätowierer noch erkunden, und in welche Richtung möchtest du deinen Stil künftig weiterentwickeln?
– Ein Bereich, den ich eines Tages gern erkunden würde, ist die Bildhauerei. Dreidimensionale Formen haben mich schon immer interessiert, daher würde ich gern selbst erleben, wie es ist, mit den eigenen Händen plastische Formen zu schaffen.
Allerdings gibt es im Tätowieren noch vieles, was ich bisher nicht erreicht habe. Deshalb weiß ich nicht, wann ich mich diesem Bereich widmen kann.
Was die Weiterentwicklung meines Tattoo-Stils betrifft, möchte ich zunächst die Hintergrundgestaltungen, die ich derzeit verwende, weiter verfeinern. Gleichzeitig möchte ich damit beginnen, unnötige Elemente aus meinen Gesamtkompositionen zu entfernen.
Man sagt, dass man etwas erst vollständig füllen muss, bevor man wirklich anfangen kann, es zu leeren.
Bislang hat sich meine Arbeit in eine Richtung entwickelt, in der ich die Komposition mit vielen Elementen und Details gefüllt habe. Ich habe das Gefühl, nun an einem Punkt angekommen zu sein, an dem ich alles nutzen möchte, was ich dabei gelernt habe, und nach und nach Dinge weglassen kann.
Statt durch immer weiteres Hinzufügen etwas Neues zu schaffen, möchte ich ausloten, wie viel ich weglassen und dabei stärkere Formen sowie eine klarere Bewegung erzeugen kann.
Darin sehe ich derzeit den nächsten Entwicklungsschritt meiner Arbeit.
