Ao longo de mais de 17 anos na tatuagem, ShiRyu passou do Irezumi tradicional e do New School para sua própria interpretação do Neo-Japanese – um estilo em que o tema em si se torna cada vez menos importante do que a maneira como toda a composição é construída ao seu redor.
O tatuador coreano, atualmente radicado em Nova York, passou anos estudando as regras da tatuagem japonesa antes de transformá-las gradualmente em uma linguagem visual própria. Um dos elementos fundamentais dessa linguagem é o fundo. ShiRyu não o trata como uma decoração secundária, mas como uma parte independente do desenho e uma das marcas de autoria mais evidentes em seu trabalho. Sua abordagem também foi influenciada pela escultura, pela arte persa e por seu interesse contínuo em forma, movimento e relações cromáticas complexas.
ShiRyu trabalha nos Estados Unidos e na Europa, participa de convenções internacionais de tatuagem, atua como jurado em competições e já recebeu diversos prêmios em categorias de inspiração asiática e de grande escala.
No entanto, em sua conversa com a iNKPPL, ele se concentra menos nas conquistas e mais no processo de desenvolvimento de uma linguagem artística singular: por que é preciso compreender a tradição antes de questioná-la, por que apenas a habilidade técnica não basta para tornar um artista reconhecível e o que ainda precisa acontecer para que o “ShiRyu Style” se torne algo inteiramente próprio.
Você trabalha profissionalmente como tatuador há 17 anos. Qual fase da sua carreira mais transformou você como artista?
– Comecei a passar por uma grande transformação por volta do meu 11º ano na tatuagem. Foi quando a direção das composições de fundo que eu vinha desenvolvendo havia anos começou gradualmente a tomar forma e a ficar muito mais clara.
Depois que estabeleci o que considero a composição de fundo característica do meu trabalho, comecei a ir além do New Japanese e evoluí para o estilo Neo-Japanese com o qual trabalho hoje.
Sua trajetória começou com o Irezumi tradicional e o New School, enquanto hoje seu trabalho evoluiu para uma vertente própria do Neo-Japanese. Qual foi o principal ponto de virada na formação da sua linguagem visual?
– Para ser sincero, é difícil apontar um momento específico como o ponto de virada mais importante. Desde o início da minha carreira, meu objetivo sempre foi criar um estilo que fosse inteiramente meu.
Sempre acreditei que existe uma diferença significativa entre quebrar as regras depois de compreendê-las plenamente e quebrá-las sem sequer conhecê-las.
Por isso, eu queria primeiro aprender e compreender essas regras. Estudei o Irezumi tradicional, depois explorei diferentes formas de expressão por meio do New School, e essas experiências foram se acumulando gradualmente até me levarem ao estilo Neo-Japanese com o qual trabalho hoje.
Em seus trabalhos de grande escala, o fundo muitas vezes desempenha um papel quase tão importante quanto os temas principais. Como você constrói a composição do fundo para que todo o corpo seja percebido como uma obra única e completa?
– Em geral, não é fácil encontrar clientes que queiram começar logo de início com um projeto que cubra toda a parte superior do corpo ou o corpo inteiro. A maioria dos projetos se desenvolve gradualmente – o cliente pode primeiro fechar um braço e depois estender a tatuagem para o peito ou para as costas inteiras.
Desde o início da minha carreira, tive a sorte de trabalhar em projetos de escala extremamente grande, incluindo tatuagens que cobrem toda a parte superior do corpo. Essa experiência me deu muitas oportunidades de experimentar diferentes maneiras de fazer com que o corpo inteiro seja percebido como uma obra de arte única e completa.
A maneira mais simples de explicar minha abordagem é que normalmente pensamos nos braços, no tronco e nas pernas como partes separadas do corpo. Mas, quando invertemos essa lógica e tratamos o corpo inteiro como uma grande tela, tudo muda.
Em vez de criar um desenho separado para cada parte do corpo, penso em desenvolver uma única composição sobre uma só tela. É assim que procuro criar fluidez e continuidade em todos os meus projetos de grande escala.
Você já mencionou que hoje cria a maioria dos seus desenhos no iPad. Como um esboço digital se transforma em uma tatuagem de grande escala no corpo? Você trabalha com estênceis, à mão livre ou combina as duas técnicas?
– No início da minha carreira, eu também criava meus desenhos à mão, com lápis, em escala real de 1:1. Naquela época, também precisava transferir manualmente esses desenhos em tamanho real para estênceis, e lembro quanto tempo e esforço esse processo exigia.
Hoje, combino os dois métodos.
Para os elementos principais, geralmente uso estênceis, enquanto os fundos e os elementos menores são desenhados à mão livre diretamente sobre o corpo. Especialmente nos trabalhos de grande escala, muitas áreas precisam ser ajustadas à anatomia e aos movimentos do corpo, por isso acredito que combinar os dois métodos seja muito importante.
Projetos grandes são concluídos ao longo de muitas sessões. Como você mantém a densidade, o contraste e a consistência visual do conjunto desde a primeira até a última sessão?
– Em vez de definir cada detalhe da peça final antes de começar, primeiro estabeleço uma estrutura geral clara.
Por estrutura, refiro-me à direção fundamental da tatuagem: se ela será toda em preto, totalmente colorida ou predominantemente preta, com cor apenas em áreas selecionadas.
Depois disso, desenvolvo os detalhes à medida que concluo cada seção.
Projetos de grande escala levam muito tempo para serem concluídos. Durante esse período, eu também estou mudando e evoluindo constantemente como artista. Novas ideias podem surgir, e talvez eu descubra uma abordagem melhor do que aquela que tinha imaginado inicialmente. Por isso, prefiro manter algumas possibilidades em aberto, em vez de definir todas as decisões logo no começo.
Por exemplo, se estou trabalhando em um projeto composto por uma cobra e folhas de bordo, posso concluir primeiro a cobra ou começar pelas folhas. Depois de finalizar essa parte, observo o resultado e então decido como os elementos restantes devem se conectar e se desenvolver ao redor dela.
Para mim, uma tatuagem de grande escala tem menos a ver com seguir uma solução predeterminada e mais com permitir que o trabalho continue evoluindo ao longo do processo.
Você já disse que hoje se concentra muito mais no desenvolvimento do desenho e do estilo do que no mero aprimoramento técnico. Que conselho daria aos tatuadores que têm grande domínio técnico, mas ainda encontram dificuldades para criar uma linguagem artística própria e marcante?
– Não acredito que um artista precise necessariamente alcançar primeiro o nível técnico mais alto possível, mas considero importante desenvolver uma base técnica sólida o suficiente para expressar de forma consistente os desenhos que deseja criar.
Depois disso, se eu fosse dar um conselho sobre como desenvolver sua própria linguagem artística, diria que, no fim das contas, você precisa continuar experimentando e se desafiando até encontrar o que procura.
Também tive a sorte de descobrir meu estilo atual por meio de inúmeras tentativas, mudanças e desafios. Acredito que esse processo também continuará para mim.
A escultura é uma de suas principais fontes de inspiração. Que elementos dela você leva para a tatuagem – volume, movimento, luz, monumentalidade ou algum outro?
– O elemento da escultura no qual mais me inspiro é a forma.
Isso também poderia ser descrito como movimento. Mesmo em uma escultura completamente imóvel, há momentos em que é possível sentir movimento por meio do fluxo de suas formas. É algo que me interessa muito.
Costumo pensar em como essa percepção de forma e movimento pode ser traduzida para a composição de uma tatuagem e expressa por meio do movimento do corpo humano.
A arte persa é outra influência marcante em seu trabalho. Quais elementos dela tiveram o maior impacto em suas composições?
– Fui profundamente influenciado pelos detalhes intrincados e pelas combinações de cores características da arte persa.
Interesso-me especialmente pela maneira como várias cores podem ser usadas em conjunto sem perder a harmonia e como detalhes complexos podem se unir para criar um padrão ou uma forma mais ampla.
Dragões, serpentes, demônios, aves e outros temas asiáticos tradicionais aparecem com frequência em seu trabalho. Até que ponto você segue seus significados históricos e tradicionais, e em que momento começa a reinterpretá-los de maneira contemporânea?
– Se eu fosse um artista que trabalhasse estritamente dentro do Irezumi tradicional, daria muito mais importância aos significados históricos e às regras tradicionais associados a cada tema.
No entanto, meu trabalho evoluiu em direção ao Neo-Japanese e, recentemente, passei a me concentrar ainda mais no desenho do fundo e na composição geral do que no tema principal em si.
Por isso, não ignoro completamente os significados tradicionais, mas também não os considero regras absolutas que sempre precisam ser seguidas.
Hoje, para mim, mais importantes do que o significado tradicional de um tema específico são a forma e o movimento que ele cria no conjunto da composição, além de sua interação com o fundo.
Para você, onde está o limite entre respeitar a tatuagem tradicional japonesa e ter liberdade para transformar suas regras tradicionais à sua maneira?
– Minha resposta está intimamente ligada à pergunta anterior.
Nesta fase, em vez de simplesmente reproduzir as regras tradicionais, tenho mais interesse em compreendê-las e depois transformá-las à minha maneira.
Acredito que ainda preciso passar por várias outras fases de mudança.
Se eu continuar rompendo com as regras que sigo atualmente, criando novas e depois voltando a questioná-las, acredito que, com o tempo, poderá surgir algo completamente diferente do que crio hoje.
Na verdade, essa possibilidade é o que mais me entusiasma.
Seus projetos exigem um alto nível de confiança por parte dos clientes e muitas vezes se estendem por um longo período. Como você escolhe os clientes com quem trabalha e como constrói esse relacionamento e essa confiança ao longo do projeto?
– Antes de eu escolher um cliente, acredito que o primeiro passo é o cliente me escolher. No entanto, depois que o projeto começa, considero importante que eu, como artista, conduza a direção geral do trabalho.
A maneira mais eficaz de conquistar a confiança de um cliente é, em última análise, por meio do resultado. Não importa o quanto você explique algo, mostrar um trabalho em que ele realmente possa confiar tem muito mais impacto.
Em muitos casos, percebo uma mudança significativa na confiança do cliente em relação ao projeto assim que a primeira sessão é concluída.
Também há algo que considero importante para manter um bom relacionamento ao longo de um projeto de longo prazo: preservar certo distanciamento profissional entre o artista e o cliente até que o trabalho seja concluído.
É claro que manter um bom relacionamento é importante, mas, se a relação se tornar pessoal demais, fatores desnecessários podem acabar interferindo nas decisões sobre a obra.
Acredito que manter nossos papéis e nossa relação bem definidos durante o andamento do projeto acaba contribuindo para um resultado melhor a longo prazo.
Você gerencia simultaneamente projetos de grande escala e de longo prazo, cria novos desenhos, participa de convenções, atua como jurado em competições e trabalha internacionalmente. Como seu sistema de trabalho está estruturado atualmente e como você administra seu tempo?
– Atualmente, minha rotina básica de trabalho gira em torno de aproximadamente oito horas de tatuagem por dia.
Depois de terminar uma sessão de tatuagem, faço uma breve pausa e começo a criar desenhos para os próximos trabalhos.
Se eu tivesse que citar uma estratégia de gestão do tempo que me permite manter o foco total na tatuagem, diria que procuro reduzir ao mínimo as reuniões e os compromissos sociais desnecessários sempre que possível.
Manter relacionamentos exige mais tempo e energia do que às vezes imaginamos. Ao limitar esses compromissos, naturalmente ganho mais tempo para me dedicar à tatuagem e à criação de desenhos.
Para mim, administrar o tempo não significa tentar encaixar mais coisas na agenda, mas eliminar o que não é necessário para o meu trabalho.
Ao relembrar os últimos 17 anos, quais hábitos de trabalho foram mais importantes para o seu crescimento e quais ajudam você a manter o volume de trabalho que tem hoje?
– Praticar exercícios regularmente é uma das coisas mais fundamentais para mim.
Também presto muita atenção ao meu ambiente de trabalho, talvez até em um nível que possa parecer sensível demais para algumas pessoas. Ajusto constantemente pequenos detalhes, como a posição e a intensidade da iluminação, a altura da cadeira e a altura da maca de tatuagem.
Quando você trabalha muitas horas todos os dias, essas pequenas diferenças se tornam extremamente importantes.
Se até mesmo um pequeno ajuste puder reduzir meu desgaste físico ou tornar meu ambiente de trabalho mais confortável, faço essa mudança imediatamente.
Em última análise, manter um grande volume de trabalho durante muitos anos não depende apenas do trabalho em si. Acredito que criar um ambiente que permita continuar trabalhando de maneira consistente seja igualmente importante.
Você trabalha internacionalmente, inclusive nos Estados Unidos e na Europa, e também participa de convenções como jurado. Julgar competições mudou a forma como você diferencia uma tatuagem tecnicamente excelente de uma tatuagem realmente excepcional?
– Meus critérios não mudaram muito ao longo do tempo.
Costumo me interessar mais por tatuagens excepcionais em termos de desenho do que por aquelas que são apenas tecnicamente perfeitas.
É claro que um alto nível de habilidade técnica é uma base essencial para criar uma ótima tatuagem, e acredito que a técnica pode evoluir significativamente com a prática constante e a experiência.
Um desenho excepcional, no entanto, envolve elementos que não podem ser explicados apenas pela formação técnica. Ele nasce da maneira como o artista enxerga as coisas, de seu senso de composição e forma, de suas experiências pessoais e da linguagem visual que desenvolveu ao longo do tempo.
Por isso, quando atuo como jurado, depois que o trabalho atinge determinado nível técnico, presto muito mais atenção à originalidade do desenho e à eficácia com que a composição como um todo foi construída.
Você recebeu vários prêmios nas categorias asiática/japonesa e por trabalhos de grande escala. Qual prêmio ou conquista teve mais significado para você pessoalmente, e por quê?
– Não posso mencionar em qual convenção ou país isso aconteceu, mas, ironicamente, a convenção mais significativa para mim foi justamente uma em que não recebi prêmio algum.
O que importou não foi apenas o fato de eu não ter vencido. Essa experiência me deu uma nova perspectiva sobre os pontos em que eu ainda deixava a desejar, os aspectos que precisava desenvolver mais e o que precisava aprimorar.
É claro que sou grato pelos prêmios que recebi, e eles são importantes para mim, mas aquela convenção continua sendo especial porque me obrigou a enxergar meu próprio trabalho sob outra perspectiva.
Após muitos anos participando de convenções de tatuagem, o que você mais observa hoje ao avaliar trabalhos em competições como jurado, e não como competidor?
– A técnica é um requisito tão fundamental na avaliação de trabalhos em competições que a considero o ponto de partida.
Depois que esse padrão básico é atingido, concentro minha atenção principalmente no caráter inovador do desenho, na originalidade e na harmonia geral.
A qualidade de cada elemento é importante, mas, no fim, observo até que ponto todos esses elementos se conectam de maneira natural dentro do trabalho e formam um desenho completo e coeso.
Você já falou sobre desenvolver um estilo próprio e inconfundível, o “ShiRyu Style”. Se alguém visse uma de suas tatuagens sem saber o nome do artista, quais elementos da composição, do movimento ou da linguagem visual você gostaria que essa pessoa reconhecesse como exclusivamente seus?
– Meu primeiro objetivo é que as pessoas reconheçam meu trabalho apenas ao ver o desenho de fundo que utilizo.
Meu segundo objetivo é que reconheçam meu trabalho pelos próprios temas principais da tatuagem, mesmo sem nenhum dos meus elementos de fundo característicos.
E acredito que meu objetivo final começará depois que eu alcançar essas duas coisas.
Quando eu conseguir combinar uma linguagem visual própria para os fundos com temas principais também criados em minha própria linguagem visual, acredito que poderei chegar a um território totalmente novo, além do ponto em que meu trabalho se encontra hoje.
Meu primeiro objetivo é que as pessoas reconheçam meu trabalho apenas ao ver o desenho de fundo que utilizo.
Essa é provavelmente a descrição que mais se aproxima do que imagino que o “ShiRyu Style” possa vir a ser.
Depois de 17 anos tatuando, o que você ainda deseja explorar e em que direção gostaria de desenvolver seu estilo no futuro?
– Uma área que gostaria de explorar algum dia é a criação de esculturas. Sempre me interessei por escultura e formas tridimensionais, então gostaria de experimentar criar formas físicas com minhas próprias mãos.
No entanto, ainda há muitas coisas que não realizei na tatuagem, então não sei quando poderei começar a explorar esse caminho.
Quanto ao desenvolvimento do meu estilo de tatuagem, meu primeiro objetivo é refinar ainda mais os desenhos de fundo que uso atualmente. Ao mesmo tempo, quero começar a eliminar elementos desnecessários das minhas composições como um todo.
Há um ditado que diz que é preciso preencher algo por completo antes de realmente começar a esvaziá-lo.
Até agora, meu trabalho se desenvolveu no sentido de preencher a composição com muitos elementos e detalhes. Sinto que cheguei a um ponto em que quero usar tudo o que aprendi nesse processo e começar a retirar as coisas uma a uma.
Em vez de criar algo novo acrescentando cada vez mais, quero descobrir até onde posso ir retirando elementos e, ao mesmo tempo, criando formas mais marcantes e um movimento mais claro.
É essa a direção que vejo atualmente como a próxima etapa do meu trabalho.
