El artista del tatuaje Yevhen Dikov es un artista con más de veinte años de experiencia, cuya carrera lo ha llevado desde un pequeño pueblo de Crimea hasta la escena internacional del tatuaje. Habiendo comenzado a trabajar a principios de los 2000, desarrolló gradualmente un enfoque reconocible del realismo, combinándolo con una composición expresiva, elementos de collage y un trabajo audaz con el color y la luz.
A lo largo de los años, Yevhen ha participado en numerosas convenciones de tatuajes y ha recibido varios premios profesionales. Desde 2019 ha estado trabajando activamente en espacios de invitados en toda Europa, y hoy recibe a sus clientes en su propio estudio privado Dikovinktattoo en Kassel, Alemania, donde los clientes acuden a él para proyectos de realismo a gran escala, retratos y composiciones complejas.
En esta entrevista hablamos con Yevhen sobre su camino hacia el tatuaje, la búsqueda de su propio lenguaje visual y cómo la experiencia de las convenciones, los viajes y el trabajo en diferentes países han influido en su estilo y enfoque en los proyectos de tatuajes grandes.
Yevhen, ¡hola! ¿Cómo terminaste en Kassel? ¿De dónde eres originalmente?
— Crecí en Kerch, en Crimea — una pequeña ciudad donde el tatuaje pasó gradualmente de ser un hobby a una profesión para mí. Pasé de equipos caseros y falta de información a proyectos serios de realismo, convenciones internacionales y premios profesionales.
Desde 2019 comencé a trabajar regularmente en espacios de invitados en toda Europa. Al principio eran viajes cortos para ganar experiencia y hacer nuevas conexiones, pero con el tiempo casi dejé de regresar a mi ciudad natal y pasé aproximadamente dos años viajando constantemente de país en país, observando cómo la cultura del tatuaje se desarrollaba en diferentes partes de Europa.
Cuéntanos cómo te adentraste en el mundo del tatuaje. ¿Cuánto tiempo llevas trabajando?
— Ya han pasado 23 años desde que hice mi primer tatuaje. He tenido un impulso creativo desde que tengo memoria: estudié en una escuela de arte, por lo que dibujar siempre ha sido parte de mi vida. Un verano encontré un pequeño trabajo dibujando tatuajes temporales en la playa, y fue entonces cuando el proceso llamó por primera vez mi atención: trabajar mientras realmente disfrutas lo que haces.
Desde ese momento, mi interés en el tatuaje no ha hecho más que crecer. Compré libros y revistas temáticas, imprimí catálogos y eventualmente pasé a mis primeros "experimentos" con tatuajes permanentes en amigos y conocidos. Más tarde conseguí un trabajo en un salón local — al principio solo quería trabajar allí por un tiempo, pero a medida que me involucré más en el aspecto técnico, completé una breve formación en un estudio de tatuajes y asistí a mi primera convención.
En ese momento quedó claro que el tatuaje era mucho más que un interés temporal — era el deseo de ser parte de una cultura que recién comenzaba a crecer a mayor escala.
¿Hubo un momento en el que te diste cuenta de que trabajar como artista del tatuaje sería un camino a largo plazo para ti?
— No inmediatamente. Durante mucho tiempo aún tenía la sensación de que era algo temporal — incluso cuando ya había comenzado a trabajar a tiempo completo en un estudio.
La gente a mi alrededor tampoco siempre lo tomaba en serio. Pero cuando viajé a otra ciudad para estudiar en un estudio de tatuajes (aunque solo fue por un corto tiempo), todo cambió. Salir de un pueblo pequeño y entrar en la atmósfera de un estudio profesional completo en una gran ciudad eliminó todas las dudas.
Vi una actitud completamente diferente hacia la profesión — más seria y profesional, tanto de los artistas como de los clientes. Fue entonces cuando me di cuenta de que este era mi camino, y que la industria seguiría creciendo y eventualmente se volvería normal incluso en ciudades más pequeñas.
¿Hubo alguien o algo al principio de tu carrera que influyó más en tu gusto visual?
— Mi gusto visual fue moldeado por diferentes artistas y recursos. Cuando me interesé por primera vez en el tatuaje, una vez me encontré con una revista muy gruesa. Presentaba un gran número de tatuajes coloridos de artistas de todo el mundo: piezas de espalda, trajes de cuerpo al estilo japonés, obras orgánicas grandes. Me fascinaron los colores brillantes y saturados, la plasticidad de las formas y el alto nivel de ejecución.
Más tarde descubrí el trabajo del artista H. R. Giger y su estilo biomecánico, que en ese momento a menudo se cruzaba con la cultura del tatuaje. Los tonos monocromáticos oscuros, la paleta distintiva sombría, la atmósfera y las formas complejas influyeron en mi percepción de la composición y la luz y la sombra.
¿Qué proyectos o etapas de tu carrera consideras clave para ti?
— Durante mucho tiempo al principio de mi carrera trabajé en el mismo salón en mi ciudad natal. La gente allí me conocía, y había un flujo constante de diferentes trabajos en varios estilos — en su mayoría tatuajes pequeños, a veces varios clientes al día. Solo ocasionalmente podía dedicar un día a proyectos verdaderamente "creativos". Incluso después de importantes victorias en convenciones, continué trabajando en el mismo ritmo y en el mismo lugar durante algún tiempo. Pero cada vez más a menudo me sentía estancado en un nivel y quería algo más grande.
El punto de inflexión llegó cuando decidí abrir mi propio estudio y cambiar mi enfoque del trabajo. Me centré en proyectos serios, dediqué más tiempo a las consultas y animé a los clientes a elegir trabajos verdaderamente significativos. Con el tiempo hubo más proyectos a gran escala, y pasé a sesiones estables de al menos cinco a seis horas. Dentro de un año, la mayoría de mis clientes viajaban de otras ciudades específicamente para el realismo y los retratos.
Durante ese período, probablemente creé el mayor número de proyectos significativos de los que aún me enorgullezco hoy.
Tu crecimiento como artista es claramente visible en tu portafolio de Instagram desde 2023: hay colores favoritos obvios y un estilo reconocible en tu trabajo. Cuéntanos cómo encontraste tu "propio estilo".
— Todos estos cambios son el resultado de la experiencia acumulada. En mi ciudad natal, me centré principalmente en el realismo clásico, donde los tatuajes completamente coloreados y altamente realistas son valorados por encima de todo.
Más tarde, mientras trabajaba en lugares de invitación, tuve que trabajar más rápido sin perder calidad, a menudo utilizando una paleta de grises más restringida con acentos brillantes. Esto llevó a una mayor estilización: comencé a alejarme del exceso de detalles y a depender más del color y los degradados tonales.
También trabajé en muchos cubrimientos complejos donde las decisiones tenían que tomarse en una sola sesión. En tales proyectos, la composición se convirtió en la principal herramienta: el trabajo se construyó en torno a un tatuaje existente. Esto fortaleció los contrastes, hizo que el color fuera más intenso y que mi enfoque de la forma fuera más estructurado. Con el tiempo, se volvió importante para mí no solo hacer realismo, sino crear mi propio espacio autoral dentro de él.
Ahora mi enfoque se basa en el equilibrio: el realismo como base, pero con una composición simplificada y legible donde el color funciona como herramienta de profundidad y contraste.
¿Cómo encuentras el equilibrio entre el realismo y los elementos más libres y decorativos en una composición?
— En primer lugar, observo cómo se lee el tatuaje en su conjunto y cómo se ajusta anatómica y dinámicamente al cuerpo, especialmente en proyectos grandes. Los elementos abstractos ayudan a trabajar de manera más flexible con la forma: son más fáciles de adaptar a las curvas del cuerpo.
— Presto más atención a las áreas centrales en cuanto a detalle y realismo, creando contraste con secciones decorativas más simples. Esto mantiene la composición fácil de percibir, mientras que la mirada del espectador se ve inmediatamente atraída por el sujeto principal.
En los tatuajes grandes, ¿qué es más importante para ti: la imagen general o la capacidad de "leer" el tatuaje en fragmentos?
— Si es un objeto de gran escala, posiblemente con pequeños fragmentos de fondo, entonces la imagen general y su nivel de detalle son más importantes.
Pero en obras con muchos fragmentos, se vuelve esencial que funcionen en dos niveles: los fragmentos se apoyan mutuamente en forma y movimiento, mientras que los elementos de conexión separan las partes más grandes y crean el ritmo general.
Me gusta cuando un tatuaje se lee claramente desde la distancia y en movimiento: similar al estilo japonés, sin que todo se mezcle en una sola masa, pero permitiendo al espectador explorarlo en fragmentos, como en el realismo, desplazando la atención de una escena a otra.
A menudo trabajas con efectos de collage. ¿Qué te atrae de ellos y qué problemas compositivos ayudan a resolver?
— Para mí, el collage es principalmente libertad: la capacidad de combinar estilos y formas, de conectar cosas que normalmente no se intersectarían en una composición clásica.
Admiro a los artistas que usan el collage de manera audaz e incluso caótica, creando proyectos donde el realismo, los elementos de caricatura, los dibujos infantiles y las líneas simples pueden coexistir en un solo tatuaje. Pero para mí es principalmente una herramienta.
Especialmente en proyectos complejos, ayuda a encontrar soluciones de trabajo más rápido: aislar el fragmento necesario, eliminar detalles innecesarios y dejar solo el elemento grande. Esto facilita el control de la estructura de la pieza y mantener su integridad, especialmente cuando hay muchos sujetos involucrados.
A veces uso fragmentos duplicados: esto añade contraste de color y crea tensión, haciendo la composición más expresiva.
Tus tatuajes a menudo transmiten un sentido de tensión y energía. ¿Qué emociones intentas transmitir en tu trabajo?
— No intento intencionalmente incrustar una emoción predefinida específica en la obra. En mis proyectos a menudo juego con cambios tonales y temperatura de color — por ejemplo, degradados de tonos gris-azulados combinados con tonos cálidos amarillo-naranja. A través de la dinámica de la imagen esto crea un cierto ritmo.
Esto me ayuda a mejorar el volumen y la expresividad dentro de la composición. Después de eso funciona a un nivel intuitivo — y cada persona lo percibe a su manera.
¿Por qué te interesan temas tan diferentes — desde retratos hasta el horror?
— Siempre me ha atraído la estética del horror en la cultura popular. Mis primeras obras de retratos fueron en realidad en esa dirección. El horror me dio libertad artística y expresión — la capacidad de trabajar con tonos más "sucios" y combinaciones de colores audaces que rara vez son aceptables en el retrato clásico.
Al mismo tiempo, trabajar con retratos siempre es una cuestión de responsabilidad y concentración del realismo en una sola pieza: disciplina, precisión en la representación de la luz, el volumen y las proporciones. Por eso el rango es interesante para mí — diferentes temas presentan diferentes desafíos, pero el realismo sigue siendo la base y el espacio donde sigo creciendo.
¿Hay temas a los que vuelves una y otra vez?
— Por supuesto, como puede sonar cliché, retratos, calaveras y temas inspirados en el cine.
Pero lo que más me atrae no es el sujeto específico en sí o la copia directa, sino trabajar con él dentro de la composición. Recientemente he vuelto más y más a la estética surrealista — permite mayor libertad con la distorsión y el juego con la escala.
Este estilo permite combinar diferentes técnicas y ampliar la gama de colores, fortaleciendo la atmósfera y añadiendo profundidad a la imagen. Como resultado, los motivos familiares se vuelven más individuales mientras conservan su base clásica.
¿Qué papel juega la luz (especialmente el fuego) en tus tatuajes?
— Siempre busco formas de introducir tonos limpios y brillantes, y los efectos de iluminación me permiten hacerlo de manera natural. Estos elementos también llaman inmediatamente la atención del espectador.
Utilizar elementos "quemados" como el fuego como fuente de luz ayuda a unir la composición en una sola imagen y añadir reflejos en el sujeto principal, haciéndolo parecer aún más volumétrico. En general, esto da al tatuaje más profundidad y expresividad.
¿Cómo suele ser tu flujo de trabajo? Por ejemplo, trabajar en un manga desde la consulta hasta la finalización.
— En el caso de un manga, todo comienza con una discusión detallada con el cliente: analizamos la idea, los elementos clave y la escala del proyecto. Incluso si el trabajo está planificado en etapas, aún así creo un boceto aproximado de todo el manga para entender la composición general y la distribución de los sujetos.
Normalmente definimos el elemento principal donde comienza el trabajo. La mayoría de las veces es el hombro — la zona más grande que establece la escala y la jerarquía del tema. A veces comenzamos con el antebrazo si el cliente lo prefiere. Después de acordar las referencias, preparo varias opciones para la zona seleccionada, siempre incluyendo una opción basada completamente en mi propia visión.
Creo el boceto en una foto del brazo del cliente, teniendo en cuenta la anatomía y las opciones de colocación. Durante el proceso, puedo ajustar los acentos, simplificar o fortalecer ciertas soluciones si mejora la composición. El plan principal existe con antelación, pero siempre dejo espacio para el refinamiento.
La luz y el color se planifican en el esquema general y luego se prueban durante el proceso de tatuaje, vistas desde la distancia y en movimiento, fortaleciendo algunos acentos y simplificando otros.
Has participado en muchas convenciones. Cuéntenos sobre su experiencia principal.
— En una etapa temprana, las convenciones de tatuajes lo significaban todo para mí. En ese momento había poca información en línea, y la comunicación en vivo con otros artistas era la principal fuente de conocimiento. A lo largo del año, se acumulaban muchas preguntas, desde el trabajo con el color hasta los matices del equipo, y las convenciones eran el lugar donde podías discutir estas cosas en persona y sumergirte en un ambiente verdaderamente inspirador.
La participación en convenciones sigue siendo importante para comprender tu nivel y crecimiento. Al comienzo de mi carrera, gané premios en las categorías de biomecánica, retrato y realismo. Un momento particularmente significativo fue ganar el Gran Premio en la Convención de Tatuajes de Kiev en 2013, lo que eliminó las dudas internas y me estableció un estándar más alto.
Más tarde, recibí dos premios Best of Day en realismo en el Tattoo Show St. Petersburg 2018. Espero que estos no sean mis últimas victorias y que pronto regrese a las convenciones nuevamente, posiblemente ya en Alemania.
Cuéntenos sobre su estudio en Kassel, ¿qué es importante para usted en este espacio?
— Es un formato de trabajo privado. Para mí, el espacio del estudio es, ante todo, una oportunidad para eliminar todo lo innecesario y concentrarme por completo en el proceso.
Esta independencia me permite controlar mi horario, trabajar en un ambiente tranquilo y evitar perseguir la cantidad. Puedo dedicar exactamente el tiempo que cada proyecto requiere de calidad, especialmente cuando se trata de composiciones grandes y sesiones largas.
Es importante para mí que nada distraiga del trabajo y que el ritmo lo marque el proyecto en sí, no las circunstancias externas.
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