23 Anos na Tatuagem: O Realismo Assinado de Yevhen Dikov

O artista tatuador Yevhen Dikov é um artista com mais de vinte anos de experiência, cuja carreira o levou de uma pequena cidade da Crimeia para a cena internacional de tatuagens. Começando a trabalhar no início dos anos 2000, ele gradualmente desenvolveu uma abordagem reconhecível ao realismo, combinando-o com composição expressiva, elementos de colagem e trabalho ousado com cor e luz.

Ao longo dos anos, Yevhen participou de inúmeras convenções de tatuagem e recebeu vários prêmios profissionais. Desde 2019, ele tem trabalhado ativamente em espaços convidados pela Europa, e hoje recebe clientes em seu próprio estúdio privado Dikov Tattoo em Kassel, Alemanha, onde os clientes vão até ele para projetos de realismo em grande escala, retratos e composições complexas.

Nesta entrevista, conversamos com Yevhen sobre sua trajetória na tatuagem, a busca por sua própria linguagem visual e como a experiência de convenções, viagens e trabalho em diferentes países influenciou seu estilo e abordagem para projetos de tatuagem em grande escala.

Yevhen, olá! Como você acabou em Kassel? De onde você é originalmente?

— Eu cresci em Kerch, na Crimeia — uma pequena cidade onde a tatuagem passou gradualmente de um hobby para uma profissão. Eu passei de equipamentos caseiros e falta de informação para projetos de realismo sério, convenções internacionais e prêmios profissionais.

Desde 2019 comecei a trabalhar regularmente em espaços convidados pela Europa. No início, eram viagens curtas para ganhar experiência e fazer novas conexões, mas com o tempo quase parei de voltar para minha cidade natal e passei cerca de dois anos viajando constantemente de país em país, observando como a cultura da tatuagem se desenvolvia em diferentes partes da Europa.

Conte-nos como você entrou no mundo da tatuagem. Há quanto tempo você trabalha?

— Já se passaram 23 anos desde que fiz minha primeira tatuagem. Tenho um impulso criativo desde que me entendo por gente: estudei em uma escola de arte, então desenhar sempre fez parte da minha vida. Um verão eu encontrei um pequeno emprego desenhando tatuagens temporárias na praia, e foi aí que o processo chamou minha atenção pela primeira vez: trabalhar enquanto realmente gosta do que faz.

Desde aquele momento, meu interesse pela tatuagem só aumentou. Comprei livros e revistas temáticos, imprimi catálogos e, eventualmente, passei para meus primeiros "experimentos" com tatuagens permanentes em amigos e conhecidos. Mais tarde, consegui um emprego em um salão local — inicialmente, só queria trabalhar lá por um tempo, mas à medida que me envolvi mais no lado técnico, completei um treinamento curto em um estúdio de tatuagem e participei de minha primeira convenção.

Foi então que ficou claro que a tatuagem era muito mais do que um interesse temporário — era um desejo de fazer parte de uma cultura que começava a crescer em uma escala maior.

Houve um momento em que você percebeu que trabalhar como artista tatuador seria um caminho de longo prazo para você?

— Não imediatamente. Por muito tempo ainda tive a sensação de que era algo temporário — mesmo quando já havia começado a trabalhar em tempo integral em um estúdio.

As pessoas ao meu redor também não levavam isso sempre a sério. Mas quando viajei para outra cidade para estudar em um estúdio de tatuagem (mesmo que fosse apenas por um curto período), tudo mudou. Deixar uma cidade pequena e entrar na atmosfera de um estúdio totalmente profissional em uma grande cidade removeu todas as dúvidas.

Vi uma atitude completamente diferente em relação à profissão — mais séria e profissional, tanto por parte dos artistas quanto dos clientes. Foi então que percebi que este era o meu caminho, e que a indústria continuaria a crescer e eventualmente se tornaria normal até mesmo em cidades menores.

Houve alguém ou algo no início de sua carreira que mais influenciou seu gosto visual?

— Meu gosto visual foi moldado por diferentes artistas e recursos. Quando me interessei pela tatuagem, encontrei uma revista muito grossa. Ela apresentava um grande número de tatuagens coloridas de artistas do mundo todo: peças nas costas, macacões no estilo japonês, obras orgânicas grandes. Fiquei fascinado pelas cores vibrantes e saturadas, pela plasticidade das formas e pelo alto nível de execução.

Mais tarde, descobri o trabalho do artista H. R. Giger e seu estilo biomecânico, que na época frequentemente se cruzava com a cultura da tatuagem. Os tons monocromáticos escuros, a paleta sombria distinta, a atmosfera e as formas complexas influenciaram minha percepção de composição, luz e sombra.

Quais projetos ou etapas de sua carreira você considera chave para você?

— Por muito tempo no início da minha carreira, trabalhei no mesmo salão na minha cidade natal. As pessoas me conheciam, e havia um fluxo constante de diferentes trabalhos em vários estilos — principalmente tatuagens pequenas, às vezes vários clientes por dia. Apenas ocasionalmente eu podia dedicar um dia a projetos verdadeiramente "criativos". Mesmo após vitórias importantes em convenções, continuei trabalhando no mesmo ritmo e no mesmo lugar por algum tempo. Mas cada vez mais eu sentia que estava estagnado em um nível e queria algo maior.

O ponto de virada veio quando decidi abrir meu próprio estúdio e mudar minha abordagem ao trabalho. Concentrei-me em projetos sérios, passei mais tempo em consultas e incentivei os clientes a escolher trabalhos verdadeiramente significativos. Com o tempo, houve mais projetos em grande escala, e passei para sessões estáveis de pelo menos cinco a seis horas. Dentro de um ano, a maioria dos meus clientes vinha de outras cidades especificamente para realismo e retratos.

Durante esse período, criei provavelmente o maior número de projetos significativos dos quais ainda me orgulho hoje.

Seu crescimento como artista é claramente visível em seu portfólio do Instagram desde 2023: há favoritos de cores óbvios e um estilo reconhecível em seu trabalho. Conte-nos como você encontrou seu "próprio estilo".

— Todas essas mudanças são o resultado de experiência acumulada. Na minha cidade natal, concentrei-me principalmente no realismo clássico, onde tatuagens totalmente coloridas e altamente realistas são valorizadas acima de tudo.

Mais tarde, enquanto trabalhava em locais de convidados, tive que trabalhar mais rápido sem perder a qualidade, muitas vezes usando uma paleta de cinza mais contida com destaques brilhantes. Isso levou a uma maior estilização: comecei a me afastar de detalhes excessivos e a depender mais da cor e dos gradientes tonais.

Também trabalhei em muitas coberturas complexas onde decisões precisavam ser tomadas em uma única sessão. Em tais projetos, a composição tornou-se a principal ferramenta - o trabalho foi construído em torno de uma tatuagem existente. Isso reforçou os contrastes, tornou as cores mais ousadas e tornou minha abordagem à forma mais estruturada. Com o tempo, tornou-se importante para mim não apenas fazer realismo, mas criar meu próprio espaço autoral dentro dele.

Agora minha abordagem é construída no equilíbrio: o realismo como base, mas com uma composição simplificada e legível onde a cor funciona como uma ferramenta para profundidade e contraste.

Como você encontra o equilíbrio entre o realismo e elementos mais livres e decorativos em uma composição?

— Primeiro de tudo, olho como a tatuagem se lê como um todo e como ela se encaixa anatomicamente e dinamicamente no corpo, especialmente em projetos grandes. Elementos abstratos ajudam a trabalhar de forma mais flexível com a forma - eles são mais fáceis de adaptar às curvas do corpo.

— Dou mais atenção às áreas centrais em termos de detalhes e realismo, criando contraste com seções decorativas mais simples. Isso mantém a composição fácil de perceber, enquanto o olho do observador é imediatamente atraído para o assunto principal.

O que importa mais para você em tatuagens grandes - a imagem geral ou a capacidade de "ler" a tatuagem em fragmentos?

— Se for um objeto de grande escala, possivelmente com pequenos fragmentos de fundo, então a imagem geral e seu nível de detalhe são mais importantes.

Mas em obras com muitos fragmentos torna-se essencial que eles funcionem em dois níveis: os fragmentos apoiam a forma e o movimento uns dos outros, enquanto os elementos de conexão separam as partes maiores e criam o ritmo geral.

Gosto quando uma tatuagem se lê claramente à distância e em movimento - semelhante ao estilo japonês - sem que tudo se funda em uma única massa, mas ainda permitindo que o observador a explore em fragmentos, como no realismo, desviando a atenção de uma cena para outra.

Você frequentemente trabalha com efeitos de colagem. O que te atrai nisso e que problemas de composição isso ajuda a resolver?

— Para mim, a colagem é principalmente liberdade - a capacidade de combinar estilos e formas, de conectar coisas que normalmente não se intersectariam em uma composição clássica.

Admiro artistas que usam colagem ousadamente e até mesmo caoticamente, criando projetos onde o realismo, elementos de desenho animado, desenhos infantis e linhas simples podem coexistir em uma única tatuagem. Mas para mim é principalmente uma ferramenta.

Especialmente em projetos complexos, isso ajuda a encontrar soluções de trabalho mais rapidamente: isole o fragmento necessário, remova detalhes desnecessários e deixe apenas o grande elemento. Isso facilita o controle da estrutura da peça e a manutenção de sua integridade, especialmente quando há muitos enredos envolvidos.

Às vezes uso fragmentos duplicados - isso adiciona contraste de cor e cria tensão, tornando a composição mais expressiva.

Suas tatuagens frequentemente carregam um senso de tensão e energia. Que emoções você tenta transmitir em seu trabalho?

— Não tento intencionalmente incorporar uma emoção pré-definida específica na obra. Em meus projetos, costumo brincar com mudanças tonais e temperatura de cor — por exemplo, gradientes de tons cinza-azulados combinados com tons quentes amarelo-laranja. Através da dinâmica da imagem isso cria um certo ritmo.

Isso me ajuda a aumentar o volume e a expressividade dentro da composição. Depois disso, funciona em um nível intuitivo — e cada um percebe de sua própria maneira.

Por que você se interessa por temas tão diferentes — desde retratos até horror?

— Sempre fui atraído pela estética do horror na cultura pop. Meus primeiros trabalhos de retrato foram, de fato, nessa direção. O horror me deu liberdade artística e expressão — a capacidade de trabalhar com tons "mais sujos" e combinações de cores ousadas que raramente são aceitáveis no retrato clássico.

Ao mesmo tempo, trabalhar com retratos sempre é sobre responsabilidade e concentração do realismo em uma única peça: disciplina, precisão na renderização da luz, volume e proporções. É por isso que a variedade é interessante para mim — diferentes temas trazem diferentes desafios, mas o realismo permanece a base e o espaço onde continuo a crescer.

Há temas aos quais você retorna repetidamente?

— Claro, clichê como pode soar, retratos, caveiras e temas inspirados em filmes.

Mas o que me atrai mais não é o próprio assunto específico ou a cópia direta, mas trabalhar com ele dentro da composição. Recentemente venho retornando cada vez mais à estética surrealista — ela permite maior liberdade com distorção e brincadeira com escala.

Este estilo torna possível combinar diferentes técnicas e expandir a gama de cores, fortalecendo a atmosfera e adicionando profundidade à imagem. Como resultado, os motivos familiares se tornam mais individuais, mantendo ainda sua base clássica.

Qual o papel da luz (especialmente do fogo) em suas tatuagens?

— Sempre procuro maneiras de introduzir tons limpos e brilhantes, e os efeitos de iluminação me permitem fazer isso naturalmente. Esses elementos também chamam imediatamente a atenção do espectador.

Usar elementos "queimando" como o fogo como fonte de luz ajuda a unir a composição em uma única imagem e adicionar reflexos no assunto principal, fazendo-o parecer ainda mais volumétrico. No geral, isso dá à tatuagem mais profundidade e expressividade.

Como é seu fluxo de trabalho geralmente? Por exemplo, trabalhar em uma manga desde a consulta até a conclusão.

— No caso de uma manga, tudo começa com uma discussão detalhada com o cliente: analisamos a ideia, os elementos-chave e a escala do projeto. Mesmo que o trabalho seja planejado em etapas, ainda crio um rascunho da manga inteira para entender a composição geral e a distribuição dos assuntos.

Normalmente definimos o elemento principal onde o trabalho começa. Na maioria das vezes é o ombro — a maior área que define a escala e a hierarquia do tema. Às vezes começamos com o antebraço se o cliente preferir. Após concordar com as referências, preparo várias opções para a área selecionada, sempre incluindo uma opção baseada inteiramente na minha própria visão.

Crio o esboço em uma foto do braço do cliente, levando em conta a anatomia e as opções de colocação. Durante o processo, posso ajustar os acentos, simplificar ou fortalecer certas soluções se isso melhora a composição. O plano principal existe com antecedência, mas sempre deixo espaço para refinamento.

Luz e cor são planejadas no esquema geral e depois testadas durante o processo de tatuagem — vistas à distância e em movimento, fortalecendo alguns acentos e simplificando outros.

Você participou de muitas convenções. Conte-nos sobre sua principal experiência.

— Em uma fase inicial, as convenções de tatuagem significavam tudo para mim. Naquela época, havia pouca informação online, e a comunicação ao vivo com outros artistas era a principal fonte de conhecimento. Ao longo de um ano, muitas perguntas se acumulavam — desde o trabalho com cor até nuances de equipamentos — e as convenções eram o lugar onde você podia discutir essas coisas pessoalmente e mergulhar em um ambiente verdadeiramente inspirador.

A participação em convenções ainda é importante para entender seu nível e crescimento. No início da minha carreira, ganhei prêmios nas categorias biomecânica, retrato e realismo. Um momento particularmente significativo foi ganhar o Grande Prêmio no Kyiv Tattoo Convention em 2013 — isso removeu dúvidas internas e estabeleceu um padrão mais alto para mim.

Mais tarde, recebi dois prêmios Best of Day em realismo no Tattoo Show St. Petersburg 2018. Espero que essas não sejam minhas últimas vitórias e que em breve eu voltarei às convenções novamente, possivelmente já na Alemanha.

Conte-nos sobre seu estúdio em Kassel — o que é importante para você nesse espaço?

— É um formato privado de trabalho. Para mim, o espaço do estúdio é, acima de tudo, uma oportunidade de eliminar tudo o que é desnecessário e me concentrar inteiramente no processo.

Essa independência me permite controlar minha agenda, trabalhar em um ambiente calmo e evitar a busca por quantidade.

É importante para mim que nada distraia do trabalho e que o ritmo seja ditado pelo projeto em si, não por circunstâncias externas.