Valeriya Yelshina의 작품에서 규모는 결코 그 자체가 목적이 되지 않습니다. 그녀의 대형 일본식 구성물은 그 안에서 색채, 대비, 움직임이 얼마나 자신 있게 조합되는지에 매료됩니다. 가장 포화 상태인 프로젝트에서도 모든 것이 제자리를 지킵니다: 내러티브는 명확하고, 구성은 형태를 유지하며, 생생한 색채는 오히려 전체적인 인상을 더욱 강화합니다.
우크라이나 출신의 27세 타투 아티스트 Valeriya는 2017년부터 이 직업에 종사해 왔습니다. 학력으로는 디자이너이자 건축가이며, 아마도 그 때문에 비율, 리듬, 대형 형태의 구축에 그토록 세심한 주의를 기울이는 것 같습니다. 네오 트래디셔널로 시작해 시간이 지나며 일본식 타투에 더 깊이 파고들었고, 오늘날 대규모 프로젝트는 그녀의 주요 초점이 되었습니다. Valeriya는 현재 모스크바에 거주하며 예약을 받고 있으며, 표현력이 뛰어나고 기술적으로 강력하며 진정으로 일관된 타투를 원하는 고객을 환영합니다.
2023년, 그녀는 XXII Moscow Tattoo Festival에서 네오 오리엔탈 부문 2위를, INKSIDE Festival에서 오리엔탈 부문 2위를 차지했습니다. 2024년 Krasnodar Tattoo Festival에서는 게스트 스피커로, Red Ink에서는 심사위원으로 참여했습니다. WJX의 앰배서더로도 활동하고 있습니다. 이 모든 것은 8년간의 실천 속에서 단 하나의 타투와 이 예술을 진정으로 이해하겠다는 결심으로 시작되었습니다.
왜 일본식 타투를 주요 방향으로 선택했나요?
저는 네오 트래디셔널로 여정을 시작했고, 이후 네오-재패니즈 타투로 옮겨갔으며, 그 다음에는 고전적인 일본 전통을 더 깊이 연구하기 시작했습니다. 더 깊이 몰입할수록 모든 요소 뒤에는 단순히 아름다운 형태 이상의 것이 훨씬 더 많다는 것을 이해하게 되었습니다.
저는 일본식 타투가 모든 요소가 고립되어 존재하지 않는 몇 안 되는 예술 체계 중 하나라고 믿습니다. 모든 캐릭터, 식물, 자연 현상 뒤에는 특정한 의미, 성격, 이야기가 깔려 있습니다.
저를 끌어당기는 것은 개별적인 상징 그 자체보다는, 그 상징이 존재하는 체계 자체입니다. 일본식 타투는 구성을 전체적으로 보도록 가르칩니다. 무엇을 묘사하는가뿐만 아니라, 요소들이 서로 어떻게 상호작용하는지, 구성이 어떤 방향으로 움직이는지, 어떤 분위기를 만들어내는지도 중요합니다.
전통에 대한 존중과 동시에, 개인적인 창의성을 위한 방대한 공간이 있습니다. 이 접근 방식이 제 주요 영감의 원천이 되었습니다.
일본식 타투에서 가장 중요한 것은 무엇이라고 생각하시나요: 전통, 상징주의, 규모, 구성, 신체 작업, 아니면 색채?
솔직히 말씀드리면, 딱 하나만 고르기는 어렵습니다. 왜냐하면 일본식 타투에서는 모든 것이 서로 연결되어 있기 때문입니다. 그 점이 독특한 매력입니다. 단 하나의 요소라도 제거하면 작품은 통일성을 잃습니다.
하지만 개인적인 중요도 순으로 나열하자면, 구성이 첫 번째입니다. 구성은 다른 모든 것을 통합하고 미래 작업의 방향을 설정합니다.
다음으로 중요한 것은 신체 작업입니다. 해부학, 움직임, 비율을 이해하는 것이 중요합니다. 그래야 이미지가 단순히 피부 위에 앉아 있는 것이 아니라, 진정으로 그 사람의 일부가 될 수 있습니다.
그런 다음 작업은 단계적으로 발전합니다: 플롯과 상징을 선택하고, 그들의 상호작용을 구축하며, 배경, 움직임, 리듬을 생각해 내고, 그 다음에 색채를 추가합니다.
이 모든 단계는 하나의 느낌으로 이어져야 합니다: 타투가 마치 항상 이 몸에 속해 있었던 것처럼 보여야 합니다.
일본 문신을 어떻게 공부하셨나요? 이 스타일에 대한 이해에 큰 영향을 준 아티스트, 책, 학교, 또는 특정 작품이 있었나요?
제 일본 문신 공부는 점진적으로 이루어졌습니다. 네오-트래디셔널로 시작해서 네오-재패니즈로 넘어갔고, 이후 책, 스타일의 역사, 그리고 대가들의 작품을 통해 클래식 일본 문신을 더 깊이 파고들기 시작했습니다.
특히 Horiyoshi III, Kazuo Oguri, Filip Leu, 그리고 Shiyo의 영향을 많이 받았습니다. 저는 그들 각자가 전통에 대한 존중을 유지하면서도 독자적인 아티스트로 남아있는 방식을 관찰하는 것이 흥미로웠습니다.
네오-트래디셔널은 표현력 있는 형태와 색채에 대한 사랑을 주었고, 클래식 일본 문신은 구성, 스케일, 그리고 몸을 하나의 공간으로 생각하는 법을 가르쳐 주었습니다. 제 스타일은 이 두 방향의 교차점에서 점차 형성되었습니다.
당신의 작품은 대부분 대형 규모, 슬리브, 등, 큰 구성입니다. 왜 특별히 대형 포맷에 관심을 가지시나요?
저는 단순히 타투를 하는 것을 좋아하는 게 아닙니다. 저는 그 자체의 생명, 날씨, 그리고 포착된 순간을 가진 완전한 세계를 창조하는 것을 좋아합니다.
“대형 포맷에서만 일본 문신은 완전히 드러납니다.”
당신은 점차적으로 모든 캐릭터, 모든 파도, 모든 꽃이 각자 따로 존재하는 것이 아니라 하나의 이야기의 일부가 되는 전체 우주를 구축해 나갑니다.
그래서 저는 항상 대규모 작업에 끌렸습니다. 그것들은 더 자유롭게 생각하고, 단순한 타투가 아니라 다시 또 다시 몰입하고 싶은 공간을 창조할 수 있게 해줍니다.
대형 포맷에서만 일본 문신은 완전히 드러납니다.
대형 일본 프로젝트 작업은 보통 어떻게 시작되나요: 클라이언트의 아이디어, 선택된 이미지, 신체 부위, 아니면 전체 구성으로부터 시작하나요?
솔직히 말씀드리면, 위에 언급된 것 중 어느 것도 아닙니다. 저에게는 모든 것이 대화와 개인 상담으로부터 시작됩니다.
제 앞에 있는 사람이 누구인지 이해하는 것이 중요합니다. 그 사람은 왜 일본 문신을 선택했나요? 무엇이 그들을 이 스타일에 끌리게 했나요? 그 작업이 전달하고자 하는 의미는 무엇인가요?
가끔 대화 중에 클라이언트가 가지고 온 이미지가 그들의 아이디어를 가장 잘 드러낼 수 있는 것이 전혀 아니라는 사실이 밝혀지기도 합니다.
그런 다음에야 비로소 저는 구성에 대해 생각하기 시작합니다. 그것이 미래 프로젝트의 기초가 됩니다. 그 안에서 캐릭터, 배경, 움직임, 그리고 다른 모든 요소들이 탄생합니다.
현재 특히 당신과 가까운 일본 테마와 이미지는 무엇인가요? 왜 특별히 이것들인가요?
저는 항상 한눈에 완전히 이해할 수 없는 캐릭터들에 관심이 있었습니다. 일본 문화에는 절대적으로 긍정적이거나 절대적으로 부정적인 영웅이 없습니다.
용은 현명하면서도 위협적일 수 있고, 호랑이는 힘의 상징이면서도 보호자이며, Hannya 가면은 악의 화신이 아니라 복잡한 인간 감정의 반영입니다.
바로 이 다층적인 성격이 저를 끌어당깁니다. 일본 문화를 더 깊이 공부할수록, 각 이미지가 다르게 해석될 수 있다는 것을 더 잘 이해하게 됩니다.
하지만 무엇보다도 저는 파도에 매료됩니다. 저에게 그것들은 아마도 일본 문신에서 가장 아름답고 흥미로운 부분일 것입니다. 파도는 배경이 될 수 있지만, 바로 파도가 전체 구성의 리듬을 설정하고, 요소들을 연결하며, 말 그대로 작품에 생명을 불어넣습니다. 아마도 그게 제가 파도를 가장 좋아하는 이유일 것입니다.
일본 문신에서 전통에 대한 존중과 예술적 자유 사이의 경계는 어디라고 생각하시나요?
제게 그 경계는 재해석과 왜곡 사이에 있습니다.
예술적 자유는 일본 전통을 이해하고 자신이 재해석하는 것이 정확히 무엇인지 알 때만 가능하다고 믿습니다. 그럴 때만 문화에 대한 존중을 유지하면서 자신만의 예술적 언어로 표현할 수 있습니다.
색상은 당신 작업의 중요한 부분입니다. 문신이 치유 후에도 생생하고 깊이 있으며 선명하게 남도록 팔레트는 어떻게 선택하나요?
제 문신에서 색상은 이야기의 연장선입니다. 이미지를 보완하고 그 역사를 전할 수 있습니다.
“많은 사람들이 생생한 문신의 비결이 색상에 있다고 생각합니다. 실제로는 검은색에 있습니다.”
저는 일본적 상징성, 계절성, 캐릭터의 지위를 고려해 팔레트를 선택하고, 기술적으로는 피부 톤과 대비를 바탕으로 작업을 진행합니다.
치유 후에도 색상들이 서로 충돌하지 않고, 구성이 깊이 있고 생생하며 선명하게 남는 것이 중요합니다.
많은 사람들이 생생한 문신의 비결이 색상에 있다고 생각합니다. 실제로는 검은색에 있습니다. 바로 검은색이 깊이와 대비를 만들어내고, 덕분에 다른 색상들도 치유 후에도 표현력 있게 남을 수 있습니다.
당신의 작업 중 가장 야심 찬 프로젝트에 대해 알려주세요. 어떤 작업이었고, 얼마나 걸렸으며, 무엇이 특히 기억에 남나요?
제 작업 중 가장 야심 찬 프로젝트는 등, 엉덩이, 팔, 가슴을 포함한 문신 슈트였습니다. 앞으로 작업을 계속하여 풀 보디슈트를 완성할 계획입니다.
이 프로젝트는 이미 약 백 시간이 소요되었지만, 정확한 시간을 세기는 어렵습니다.
가장 기억에 남는 것은 클라이언트의 신뢰입니다. 그는 초기 아이디어부터 모든 요소의 배치까지 프로젝트 창작을 완전히 저에게 맡겼습니다.
문신 아티스트에게 이것은 아마도 최고의 인정일 것입니다. 그런 신뢰는 단순히 큰 문신이 아닌, 몸에 완벽하게 어우러지는 일관된 이야기를 창조할 수 있게 해줍니다.
슬리브, 등, 큰 다리 구성과 같은 대형 일본 프로젝트는 평균적으로 몇 회의 세션이 필요한가요?
모든 것은 개인의 체형, 프로젝트의 디테일, 색상의 농도에 달려 있습니다.
평균적으로 슬리브는 6~10회, 다리는 10~15회가 소요되며, 풀 보디슈트는 완성하는 데 몇 년이 걸릴 수 있습니다.
저는 절대 사전에 정확한 세션 횟수를 명시하지 않습니다. 훌륭한 일본 프로젝트는 시간이 필요하며, 서두르면 항상 그 흔적이 드러납니다.
컨벤션에서의 수상, 상, 또는 노미네이션 중 당신 커리어에서 핵심이라고 생각하는 것은 무엇인가요?
제 가장 의미 있는 성과 중에는 2023년 제22회 Moscow Tattoo Festival에서 네오 오리엔탈 부문 2위, 그리고 역시 2023년 INKSIDE Festival에서 오리엔탈 부문 2위가 있습니다.
이 상들은 제가 실천의 대부분을 바치고 계속 발전시키고 있는 방향의 작업으로 받은 것이기 때문에 저에게 특히 소중합니다.
컨벤션에서 심사위원으로도 활동하시는데요, 어떤 행사에서 심사를 맡으셨으며, 그 경험을 어떻게 평가하시나요?
Red Ink 페스티벌에서 심사위원으로 참여할 기회가 있었습니다.
이 경험은 문신을 더 객관적으로 바라보는 법을 가르쳐주고, 제 자신의 작업에 대한 기준을 끊임없이 높여줍니다. 그래서 저는 심사위원 활동을 보상이 아닌, 전문적인 성장의 기회로 여깁니다.
현재 전문가 팀이나 브랜드 프로팀에 소속되어 계신가요? 그런 협업이 당신에게 어떤 의미인가요?
현재 저는 WJX의 앰배서더입니다.
저에게 브랜드와의 협업은 단순한 지위가 아니라, 산업 발전에 참여하고, 신제품을 테스트하며, 피드백을 통해 그 품질에 영향을 미칠 수 있는 기회입니다.
저는 모든 협업은 공유된 가치와 신뢰 위에 세워져야 한다고 믿습니다. 브랜드가 당신의 작업 접근 방식을 공유할 때, 그것은 단순한 광고가 아닌 진정한 파트너십이 됩니다.
문신 외에 현재 관심을 두고 있는 다른 예술 형태나 개인 프로젝트, 창작 활동이 있나요?
문신 외에도 저는 사진, 영상 촬영 및 편집, 음악, 그리고 물론 회화에 많은 시간을 할애합니다.
예술가는 단 하나의 도구에만 국한되어서는 안 된다고 믿습니다. 이 각각의 분야는 제 구성, 빛, 색채, 리듬에 대한 안목을 발전시켜주어, 미래 프로젝트를 새로운 방식으로 바라보고 제 창의적 잠재력을 발휘할 수 있게 해줍니다.
저에게 가장 큰 영감의 원천은 여전히 일본 문화입니다: 예술, 건축, 판화, 영화, 음악, 그리고 오늘날까지도 이 유산을 보존하고 발전시키는 사람들. 이것이 제 시각적 언어를 형성하며, 제 문신 작업에 직접적으로 반영됩니다.
저는 정말로 크고 창의적인 무언가의 일부가 되고 싶습니다. 제 삶 전체를 예술로 만들어, 저와 제가 창조하는 것, 그리고 제가 남기는 것이 하나의 실체가 되도록 말이죠.
만약 오늘 이 인터뷰를 읽고 계신다면, 아마도 제가 이 길에서 첫걸음을 이미 내디뎠다는 의미일지도 모릅니다.
