En las obras de Valeria Yelshina, la escala nunca es un fin en sí misma. Sus grandes composiciones japonesas cautivan por la confianza con la que el color, el contraste y el movimiento se ensamblan en ellas. Incluso en los proyectos más saturados, todo permanece en su lugar: la narrativa es clara, la composición mantiene su forma y el color vibrante solo realza la impresión general.
Valeria, una tatuadora de 27 años de Ucrania, ha estado trabajando en la profesión desde 2017. Por formación, es diseñadora y arquitecta, y quizás por eso presta tanta atención a las proporciones, el ritmo y la construcción de grandes formas. Comenzando con el Neo Tradicional, con el tiempo se adentró más en el tatuaje japonés, y hoy en día, los proyectos a gran escala se han convertido en su principal enfoque. Valeria actualmente vive en Moscú, está aceptando citas y da la bienvenida a clientes que buscan tatuajes expresivos, técnicamente fuertes y verdaderamente cohesivos.
En 2023, obtuvo el segundo lugar en la categoría Neo Oriental en el XXII Festival de Tatuajes de Moscú y el segundo lugar en la categoría Oriental en el festival INKSIDE. Participó como oradora invitada en el Festival de Tatuajes de Krasnodar 2024 y como jueza en Red Ink. Trabaja como embajadora de WJX. Todo esto, en ocho años de práctica, comenzó con un solo tatuaje y la decisión de comprender verdaderamente este arte.
¿Por qué elegiste el tatuaje japonés como tu dirección principal?
Comencé mi viaje con el Neo Tradicional, luego pasé al tatuaje Neo-Japonés, y luego comencé a estudiar la tradición japonesa clásica más profundamente. Cuanto más me sumergía en ella, más entendía que detrás de cada elemento hay mucho más que una simple forma hermosa.
Creo que el tatuaje japonés es uno de los pocos sistemas artísticos donde cada elemento no existe de forma aislada. Detrás de cada personaje, planta o fenómeno natural se esconde un significado, carácter e historia específicos.
Lo que me atrae no es tanto un símbolo individual, sino el sistema en sí mismo en el que existe. El tatuaje japonés te enseña a ver la composición como un todo. No se trata solo de lo que representas, sino también de cómo interactúan los elementos entre sí, en qué dirección se mueve la composición y qué estado de ánimo crea.
Tiene respeto por la tradición y, al mismo tiempo, un inmenso espacio para la creatividad personal. Este enfoque se ha convertido en mi principal fuente de inspiración.
¿Qué es lo más importante para ti en el tatuaje japonés: la tradición, el simbolismo, la escala, la composición, el trabajo con el cuerpo o el color?
Sinceramente, no puedo elegir solo una cosa, porque todo en el tatuaje japonés está interconectado. Eso es lo que lo hace único. Si eliminas incluso un elemento, la obra pierde su integridad.
Pero si tuviera que clasificarlos por importancia personal, la composición sería lo primero. Une todo lo demás y establece la dirección para el trabajo futuro.
Luego viene el trabajo con el cuerpo. Es importante entender la anatomía, el movimiento y las proporciones para que la imagen no solo se asiente en la piel, sino que realmente se convierta en parte de la persona.
Luego el trabajo se desarrolla en etapas: elijo la trama y los símbolos, construyo su interacción, pienso en el fondo, el movimiento y el ritmo, y luego añado color.
Todas estas etapas deben conducir a una sensación: el tatuaje parece como si siempre hubiera pertenecido a este cuerpo.
¿Cómo estudiaste el tatuaje japonés? ¿Hubo artistas, libros, escuelas o trabajos específicos que influyeron mucho en tu comprensión de este estilo?
Mi introducción al tatuaje japonés ocurrió gradualmente. Comencé con el neotradicional, luego pasé al neojaponés y más tarde comencé a profundizar en el tatuaje japonés clásico a través de libros, la historia del estilo y las obras de los maestros.
Me influyeron particularmente Horiyoshi III, Kazuo Oguri, Filip Leu y Shiyo. Me pareció interesante observar cómo cada uno de ellos mantenía el respeto por la tradición sin dejar de ser un artista reconocible.
El neotradicional me dio el amor por la forma y el color expresivos, mientras que el tatuaje japonés clásico me enseñó a pensar en la composición, la escala y el cuerpo como un espacio único. Mi estilo se formó gradualmente en la intersección de estas direcciones.
Tus obras son en su mayoría de gran escala, mangas, espaldas, composiciones grandes. ¿Por qué te interesan específicamente los formatos grandes?
No solo me gusta hacer tatuajes. Me gusta crear un mundo entero con su propia vida, clima y un momento capturado.
“Solo en gran formato el tatuaje japonés se revela plenamente.”
Construyes gradualmente un universo entero donde cada personaje, cada ola y cada flor no existen por sí mismos, sino que se convierten en parte de una historia.
Por eso siempre me han atraído las obras de gran escala. Permiten un pensamiento más libre y la creación no solo de un tatuaje, sino de un espacio en el que quieres sumergirte una y otra vez.
Solo en gran formato el tatuaje japonés se revela plenamente.
¿Cómo suele comenzar el trabajo en un gran proyecto japonés: con la idea del cliente, una imagen elegida, una parte del cuerpo o la composición general?
Honestamente, ninguna de las anteriores. Para mí, todo comienza con el diálogo y una consulta personal.
Es importante para mí entender quién está frente a mí. ¿Por qué la persona eligió el tatuaje japonés? ¿Qué le atrae de él? ¿Qué significados quiere que transmita la obra?
A veces, durante la conversación, resulta que la imagen con la que vino el cliente no es en absoluto la que mejor puede revelar su idea.
Solo después de eso empiezo a pensar en la composición. Se convierte en la base del futuro proyecto. Dentro de ella nacen los personajes, el fondo, el movimiento y todos los demás elementos.
¿Qué temas e imágenes japonesas te son particularmente cercanos en este momento? ¿Por qué estos específicamente?
Siempre me han interesado los personajes que no se pueden entender completamente a primera vista. En la cultura japonesa, no hay héroes absolutamente positivos o absolutamente negativos.
Un dragón puede ser sabio y formidable al mismo tiempo, un tigre, un símbolo de fuerza y, sin embargo, un protector, y una máscara Hannya, no una encarnación del mal, sino un reflejo de emociones humanas complejas.
Es esta naturaleza multicapa lo que me atrae. Cuanto más profundizas en la cultura japonesa, más entiendes que cada imagen puede interpretarse de manera diferente.
Pero, sobre todo, me fascinan las olas. Para mí, son quizás la parte más hermosa e interesante del tatuaje japonés. Pueden ser un fondo, pero son las olas las que marcan el ritmo de toda la composición, conectan los elementos y, literalmente, dan vida a la obra. Quizás por eso las amo más.
¿Dónde trazas la línea entre el respeto por la tradición y la libertad artística en el tatuaje japonés?
Para mí, esa línea está entre la reinterpretación y la distorsión.
Creo que la libertad artística solo es posible cuando comprendes las tradiciones japonesas y sabes exactamente lo que estás reinterpretando. Solo entonces puedes mantener el respeto por la cultura mientras te expresas en tu propio lenguaje artístico.
El color es una parte importante de tu trabajo. ¿Cómo eliges tu paleta para que el tatuaje siga siendo vibrante, profundo y legible después de la curación?
El color en mis tatuajes es una extensión de la historia. Puede complementar la imagen y contar su historia.
“Mucha gente piensa que el secreto de un tatuaje vibrante reside en el color. En realidad, reside en el negro.”
Selecciono la paleta considerando el simbolismo japonés, la estacionalidad y el estatus del personaje, y técnicamente, me baso en el tono de piel y el contraste para la ejecución.
Es importante que después de la curación, los colores no choquen entre sí y la composición permanezca profunda, vibrante y legible.
Mucha gente piensa que el secreto de un tatuaje vibrante reside en el color. En realidad, reside en el negro. Es el negro el que crea profundidad y contraste, gracias a lo cual otros colores permanecen expresivos después de la curación.
Cuéntanos sobre el proyecto más ambicioso de tu práctica. ¿Qué tipo de trabajo fue, cuánto tiempo llevó y qué lo hizo particularmente memorable?
El proyecto más ambicioso de mi práctica fue un traje de tatuaje, que incluía la espalda, los glúteos, los brazos y el pecho. Planeamos seguir trabajando en él en el futuro y completar un body completo.
El proyecto ya ha llevado unas cien horas, aunque el número exacto es difícil de contar.
Lo que más recuerdo es la confianza del cliente. Me confió completamente la creación del proyecto, desde la idea inicial hasta la colocación de todos los elementos.
Para un tatuador, este es probablemente el mayor grado de reconocimiento. Tal confianza permite crear no solo un tatuaje grande, sino una historia coherente que se adapta perfectamente al cuerpo.
¿Cuántas sesiones requieren en promedio los grandes proyectos japoneses, como una manga, la espalda o una gran composición en la pierna?
Todo depende de la anatomía de la persona, el detalle del proyecto y la densidad del color.
En promedio, una manga lleva de seis a diez sesiones, una pierna de diez a quince, y un body completo puede tardar varios años en crearse.
Nunca indico el número exacto de sesiones por adelantado. Un buen proyecto japonés lleva tiempo, y apresurarlo siempre es evidente.
¿Qué victorias, premios o nominaciones en convenciones consideras clave en tu carrera?
Entre mis logros más significativos se encuentran el segundo lugar en la categoría Neo Oriental en el XXII Moscow Tattoo Festival en 2023 y el segundo lugar en la categoría Oriental en el festival INKSIDE, también en 2023.
Estos premios son especialmente valiosos para mí porque fueron recibidos por trabajos en la dirección a la que dedico la mayor parte de mi práctica y en la que sigo desarrollándome.
También sirves como juez en convenciones. ¿En qué eventos has juzgado y cómo evalúas tu experiencia como juez?
Tuve la oportunidad de juzgar en el festival Red Ink.
Esta experiencia te enseña a ver los tatuajes de manera más objetiva y eleva constantemente el listón de mi propio trabajo. Por eso considero que juzgar no es una recompensa, sino una oportunidad para el crecimiento profesional.
¿Formas parte actualmente de algún equipo profesional o pro-team de marca? ¿Qué significa para ti esta colaboración?
Actualmente, soy embajadora de WJX.
Para mí, la colaboración con una marca no es solo un estatus, sino una oportunidad para participar en el desarrollo de la industria, probar nuevos productos e influir en su calidad a través de la retroalimentación.
Creo que cualquier colaboración debe basarse en valores compartidos y confianza. Cuando una marca comparte tu enfoque de trabajo, se convierte en una verdadera asociación, no solo en publicidad.
Además del tatuaje, ¿tienes otras formas de arte, proyectos personales o prácticas creativas que actualmente ocupan tu atención?
Además del tatuaje, dedico mucho tiempo a la fotografía, videografía, edición, música y, por supuesto, la pintura.
Creo que un artista no debería limitarse a una sola herramienta. Cada una de estas áreas desarrolla mi ojo para la composición, la luz, el color y el ritmo, permitiéndome ver futuros proyectos de nuevas maneras y liberar mi potencial creativo.
La principal fuente de inspiración para mí sigue siendo la cultura japonesa: el arte, la arquitectura, los grabados, el cine, la música y las personas que continúan preservando y desarrollando este patrimonio hoy en día. Esto da forma a mi lenguaje visual y se refleja directamente en mi trabajo de tatuaje.
Me gustaría formar parte de algo verdaderamente grande y creativo. Convertir toda mi vida en arte, para que yo, lo que creo y lo que queda después de mí, se conviertan en una sola entidad.
Si estás leyendo esta entrevista hoy, quizás signifique que ya he dado el primer paso en este camino.
