In den Werken von Valeriya Yelshina ist Größe niemals ein Selbstzweck. Ihre großen japanischen Kompositionen bestechen durch die souveräne Art, wie Farbe, Kontrast und Bewegung in ihnen zusammengefügt sind. Selbst in den gesättigtsten Projekten bleibt alles an seinem Platz: die Erzählung ist klar, die Komposition behält ihre Form, und lebendige Farben verstärken nur den Gesamteindruck.
Valeriya, eine 27-jährige Tätowiererin aus der Ukraine, arbeitet seit 2017 in diesem Beruf. Von ihrer Ausbildung her ist sie Designerin und Architektin, und vielleicht achtet sie deshalb so genau auf Proportionen, Rhythmus und die Gestaltung großer Formen. Nachdem sie mit Neo Traditional begonnen hatte, vertiefte sie sich mit der Zeit immer mehr in die japanische Tätowierkunst, und heute sind großformatige Projekte ihr Hauptaugenmerk. Valeriya lebt derzeit in Moskau, nimmt Termine an und empfängt Kunden, die ausdrucksstarke, technisch starke und wirklich kohärente Tattoos suchen.
Im Jahr 2023 belegte sie den zweiten Platz in der Kategorie Neo Oriental beim XXII Moscow Tattoo Festival und den zweiten Platz in der Kategorie Oriental beim INKSIDE Festival. Sie trat als Gastrednerin beim Krasnodar Tattoo Festival und als Jurorin bei Red Ink auf. Sie arbeitet als Botschafterin für WJX. All dies begann vor acht Jahren Praxis mit einem einzigen Tattoo und der Entscheidung, diese Kunst wirklich zu verstehen.
Warum haben Sie japanische Tätowierungen als Ihre Hauptrichtung gewählt?
Ich begann meine Reise mit Neo Traditional, wechselte später zu Neo-Japanischen Tätowierungen und begann dann, die klassische japanische Tradition tiefer zu studieren. Je mehr ich mich damit beschäftigte, desto mehr verstand ich, dass hinter jedem Element viel mehr steckt als nur eine schöne Form.
Ich glaube, japanische Tätowierungen sind eines der wenigen künstlerischen Systeme, in denen kein Element isoliert existiert. Hinter jedem Charakter, jeder Pflanze oder jedem Naturphänomen verbirgt sich eine bestimmte Bedeutung, ein Charakter und eine Geschichte.
Was mich anzieht, ist nicht so sehr ein einzelnes Symbol, sondern das System selbst, in dem es existiert. Japanische Tätowierungen lehren einen, die Komposition als Ganzes zu sehen. Es geht nicht nur darum, was man darstellt, sondern auch, wie die Elemente miteinander interagieren, welche Richtung die Komposition einschlägt und welche Stimmung sie erzeugt.
Es hat Respekt vor der Tradition und gleichzeitig immensen Raum für persönliche Kreativität. Dieser Ansatz ist meine Hauptinspirationsquelle geworden.
Was ist Ihnen bei japanischen Tätowierungen am wichtigsten: Tradition, Symbolik, Größe, Komposition, die Arbeit mit dem Körper oder die Farbe?
Ehrlich gesagt kann ich nicht nur eine Sache auswählen, denn im japanischen Tätowieren ist alles miteinander verbunden. Das macht es einzigartig. Wenn man auch nur ein Element entfernt, verliert das Werk seine Integrität.
Aber wenn ich sie nach persönlicher Wichtigkeit ordnen müsste, wäre die Komposition an erster Stelle. Sie vereint alles andere und gibt die Richtung für die zukünftige Arbeit vor.
Als Nächstes kommt die Arbeit mit dem Körper. Es ist wichtig, Anatomie, Bewegung und Proportionen zu verstehen, damit das Bild nicht nur auf der Haut sitzt, sondern wirklich eins mit der Person wird.
Dann entwickelt sich die Arbeit in Etappen: Ich wähle die Handlung und die Symbole, baue ihre Interaktion auf, überlege mir den Hintergrund, die Bewegung und den Rhythmus und füge dann die Farbe hinzu.
Alle diese Etappen sollten zu dem Gefühl führen, dass das Tattoo aussieht, als hätte es schon immer zu diesem Körper gehört.
Wie haben Sie das japanische Tätowieren studiert? Gab es Künstler, Bücher, Schulen oder spezifische Werke, die Ihr Verständnis dieses Stils maßgeblich beeinflusst haben?
Meine Einführung in das japanische Tätowieren erfolgte schrittweise. Ich begann mit Neo-Traditional, wechselte dann zu Neo-Japanisch und begann später, mich durch Bücher, die Geschichte des Stils und die Werke von Meistern tiefer in das klassische japanische Tätowieren einzuarbeiten.
Besonders beeinflusst haben mich Horiyoshi III, Kazuo Oguri, Filip Leu und Shiyo. Ich fand es interessant zu beobachten, wie jeder von ihnen den Respekt vor der Tradition bewahrte und dabei ein wiedererkennbarer Künstler blieb.
Neo-Traditional weckte in mir die Liebe zur ausdrucksstarken Form und Farbe, während das klassische japanische Tätowieren mich lehrte, über Komposition, Maßstab und den Körper als einen einzigen Raum nachzudenken. Mein Stil bildete sich allmählich an der Schnittstelle dieser Richtungen.
Ihre Arbeiten sind größtenteils großformatig, Ärmel, Rücken, große Kompositionen. Warum interessieren Sie sich speziell für große Formate?
Ich mache nicht nur gerne Tattoos. Ich erschaffe gerne eine ganze Welt mit ihrem eigenen Leben, Wetter und einem eingefangenen Moment.
„Nur im Großformat kann sich das japanische Tätowieren vollständig entfalten.“
Man baut nach und nach ein ganzes Universum auf, in dem jeder Charakter, jede Welle und jede Blume nicht für sich allein existiert, sondern Teil einer Geschichte wird.
Deshalb haben mich großformatige Arbeiten schon immer angezogen. Sie ermöglichen ein freieres Denken und die Schaffung nicht nur eines Tattoos, sondern eines Raumes, in den man immer wieder eintauchen möchte.
Nur im Großformat kann sich das japanische Tätowieren vollständig entfalten.
Wie beginnt die Arbeit an einem großen japanischen Projekt normalerweise: mit der Idee des Kunden, einem ausgewählten Bild, einem Körperteil oder der Gesamtkomposition?
Ehrlich gesagt, nichts davon. Für mich beginnt alles mit Dialog und einer persönlichen Beratung.
Es ist mir wichtig zu verstehen, wer vor mir steht. Warum hat die Person das japanische Tätowieren gewählt? Was zieht sie daran an? Welche Bedeutungen soll die Arbeit vermitteln?
Manchmal stellt sich während des Gesprächs heraus, dass das Bild, mit dem der Kunde gekommen ist, gar nicht das ist, was seine Idee am besten zum Ausdruck bringen kann.
Erst danach beginne ich, über die Komposition nachzudenken. Sie wird zum Fundament des zukünftigen Projekts. Darin entstehen Charaktere, Hintergrund, Bewegung und alle anderen Elemente.
Welche japanischen Themen und Bilder liegen Ihnen im Moment besonders am Herzen? Warum gerade diese?
Ich habe mich schon immer für Charaktere interessiert, die auf den ersten Blick nicht vollständig zu verstehen sind. In der japanischen Kultur gibt es keine absolut positive oder absolut negative Helden.
Ein Drache kann gleichzeitig weise und furchterregend sein, ein Tiger ein Symbol für Stärke und doch ein Beschützer, und eine Hannya-Maske, keine Verkörperung des Bösen, sondern ein Spiegelbild komplexer menschlicher Emotionen.
Es ist diese Vielschichtigkeit, die mich anzieht. Je tiefer man die japanische Kultur studiert, desto mehr versteht man, dass jedes Bild anders interpretiert werden kann.
Am meisten faszinieren mich jedoch Wellen. Für mich sind sie vielleicht der schönste und interessanteste Teil des japanischen Tätowierens. Sie können ein Hintergrund sein, aber es sind die Wellen, die den Rhythmus der gesamten Komposition bestimmen, die Elemente verbinden und die Arbeit buchstäblich zum Leben erwecken. Vielleicht liebe ich sie deshalb am meisten.
Wo ziehen Sie die Grenze zwischen Respekt vor der Tradition und künstlerischer Freiheit beim japanischen Tätowieren?
Für mich liegt diese Grenze zwischen Neuinterpretation und Verzerrung.
Ich glaube, dass künstlerische Freiheit nur möglich ist, wenn man die japanischen Traditionen versteht und genau weiß, was man neu interpretieren möchte. Nur dann kann man den Respekt vor der Kultur bewahren und sich gleichzeitig in seiner eigenen künstlerischen Sprache ausdrücken.
Farbe ist ein wichtiger Bestandteil Ihrer Arbeit. Wie wählen Sie Ihre Palette aus, damit das Tattoo nach dem Abheilen lebendig, tief und gut lesbar bleibt?
Farbe in meinen Tattoos ist eine Erweiterung der Geschichte. Sie kann das Bild ergänzen und dessen Geschichte erzählen.
„Viele Leute denken, das Geheimnis eines lebendigen Tattoos liegt in der Farbe. In Wirklichkeit liegt es im Schwarz.“
Ich wähle die Palette unter Berücksichtigung der japanischen Symbolik, der Saisonalität und des Status der Figur aus, und technisch stütze ich mich bei der Ausführung auf Hautton und Kontrast.
Es ist wichtig, dass die Farben nach dem Abheilen nicht miteinander kollidieren und die Komposition tief, lebendig und gut lesbar bleibt.
Viele Leute denken, das Geheimnis eines lebendigen Tattoos liegt in der Farbe. In Wirklichkeit liegt es im Schwarz. Es ist das Schwarz, das Tiefe und Kontrast erzeugt, wodurch andere Farben nach dem Abheilen ausdrucksstark bleiben.
Erzählen Sie uns von dem ehrgeizigsten Projekt in Ihrer Praxis. Was für eine Arbeit war es, wie lange hat es gedauert und was machte es besonders unvergesslich?
Das ehrgeizigste Projekt in meiner Praxis war ein Tattoo-Anzug, der Rücken, Gesäß, Arme und Brust umfasste. Wir planen, in Zukunft weiter daran zu arbeiten und einen vollständigen Bodysuit zu vervollständigen.
Das Projekt hat bereits etwa hundert Stunden in Anspruch genommen, obwohl die genaue Anzahl schwer zu beziffern ist.
Am meisten in Erinnerung geblieben ist mir das Vertrauen des Kunden. Er hat mir die Gestaltung des Projekts vollständig anvertraut, von der ersten Idee bis zur Platzierung aller Elemente.
Für einen Tätowierer ist dies wahrscheinlich der höchste Grad an Anerkennung. Ein solches Vertrauen ermöglicht es, nicht nur ein großes Tattoo zu schaffen, sondern eine kohärente Geschichte, die sich perfekt an den Körper anpasst.
Wie viele Sitzungen erfordern große japanische Projekte im Durchschnitt, wie zum Beispiel ein Sleeve, ein Rücken oder eine große Bein-Komposition?
Das hängt alles von der Anatomie der Person, der Detailgenauigkeit des Projekts und der Farbdichte ab.
Im Durchschnitt dauert ein Sleeve sechs bis zehn Sitzungen, ein Bein zehn bis fünfzehn, und ein vollständiger Bodysuit kann mehrere Jahre in Anspruch nehmen.
Ich nenne die genaue Anzahl der Sitzungen nie im Voraus. Ein gutes japanisches Projekt braucht Zeit, und Eile ist immer erkennbar.
Welche Siege, Auszeichnungen oder Nominierungen bei Conventions betrachten Sie als Schlüssel in Ihrer Karriere?
Zu meinen bedeutendsten Erfolgen gehören der zweite Platz in der Kategorie Neo Oriental beim XXII Moscow Tattoo Festival 2023 und der zweite Platz in der Kategorie Oriental beim INKSIDE Festival, ebenfalls 2023.
Diese Auszeichnungen sind für mich besonders wertvoll, da sie für Werke in der Richtung verliehen wurden, der ich den größten Teil meiner Praxis widme und in der ich mich weiterentwickeln möchte.
Du bist auch als Jurorin auf Conventions tätig. Bei welchen Veranstaltungen hast du juriert und wie bewertest du deine Erfahrungen als Jurorin?
Ich hatte die Gelegenheit, beim Red Ink Festival zu jurieren.
Diese Erfahrung lehrt einen, Tattoos objektiver zu betrachten und legt die Messlatte für meine eigene Arbeit stets höher. Deshalb betrachte ich das Jurieren nicht als Belohnung, sondern als Chance zur beruflichen Weiterentwicklung.
Bist du derzeit Teil von professionellen Teams oder Marken-Pro-Teams? Was bedeutet eine solche Zusammenarbeit für dich?
Derzeit bin ich Botschafterin für WJX.
Für mich ist die Zusammenarbeit mit einer Marke nicht nur ein Status, sondern eine Möglichkeit, an der Entwicklung der Branche teilzuhaben, neue Produkte zu testen und deren Qualität durch Feedback zu beeinflussen.
Ich glaube, dass jede Zusammenarbeit auf gemeinsamen Werten und Vertrauen aufbauen sollte. Wenn eine Marke deinen Arbeitsansatz teilt, wird es zu einer echten Partnerschaft, nicht nur zu Werbung.
Hast du neben dem Tätowieren noch andere Kunstformen, persönliche Projekte oder kreative Praktiken, die derzeit deine Aufmerksamkeit beanspruchen?
Neben dem Tätowieren widme ich viel Zeit der Fotografie, Videografie, dem Schnitt, der Musik und natürlich der Malerei.
Ich glaube, ein Künstler sollte sich nicht auf nur ein Medium beschränken. Jeder dieser Bereiche schult mein Auge für Komposition, Licht, Farbe und Rhythmus, wodurch ich zukünftige Projekte neu betrachten und mein kreatives Potenzial entfalten kann.
Die Hauptinspirationsquelle bleibt für mich die japanische Kultur: Kunst, Architektur, Drucke, Kino, Musik und die Menschen, die dieses Erbe heute noch bewahren und weiterentwickeln. Dies prägt meine visuelle Sprache und spiegelt sich direkt in meiner Tattoo-Arbeit wider.
Ich möchte Teil von etwas wirklich Großem und Kreativem werden. Mein ganzes Leben in Kunst verwandeln, sodass das, was ich erschaffe und was nach mir bleibt, eine Einheit wird.
Wenn du dieses Interview heute liest, bedeutet das vielleicht, dass ich den ersten Schritt auf diesem Weg bereits getan habe.
