Pavel Gusarov begann 2010 mit dem Tätowieren, baute seine erste Maschine aus einem Plattenspielermotor zusammen und machte sich sofort an seine eigene Hand. Seitdem hat er Neotraditional, japanischen Stil und Ornamental durchlaufen, bis er sich 2020 auf schwarze Grafik und skythische Ästhetik festlegte. Heute arbeitet er in St. Petersburg, Moskau und Berlin.
Seine Arbeiten sind auf den ersten Blick erkennbar: dichtes Schwarz, scharfer Kontrast, Tiere, Tiger, Panther, Wildschweine, eingefroren in jener angespannten Dynamik, die man auf den Goldplatten aus den Kurganen sieht. Die Form ist hier primär. Der Körper ist keine Leinwand, sondern Teil der Komposition.
In diesem Interview erzählt Pavel, wie seine Sprache aufgebaut ist, woher das skythische Tier in der modernen Tätowierung kommt, wie der Dialog mit dem Kunden aufgebaut wird und warum die Leere in der Tätowierung genauso gut funktioniert wie die Form.
Pavel, erzähl uns, wie dein Weg in die Tattoo-Branche im Jahr 2010 begann?
Ich kam nicht aus Mode oder Romantik zum Tätowieren. Es war eher ein Instinkt, der Wunsch, Spuren zu hinterlassen, mit dem Körper als lebendigem Bedeutungsträger zu arbeiten.
Ich wusste nichts über Tätowierungen und hatte niemanden, den ich fragen konnte, also baute ich selbst eine Maschine aus einem Plattenspielermotor nach einem alten Lehrbuch zusammen und tätowierte mir den linken Arm bis zum Ellbogen.
Ich lernte das Handwerk durch Übung, Beobachtung und Experimente. Damals war das Tätowieren weniger ein „Produkt“ und mehr ein Handwerk, und das sprach mich sofort an.
Du hast im Neotraditional, japanischen Stil und Ornamental gearbeitet. Was hat dich dazu bewogen, komplexe Formen zugunsten eines prägnanten und ausschließlich schwarzen Stils aufzugeben?
Überfluss. Irgendwann merkte ich, dass Komplexität um der Komplexität willen mich nicht mehr interessierte. Farbe, Dekorativität, Überladenheit, all das lenkte vom Wesentlichen ab.
„Wenn die Form in Schwarz, ohne Krücken, funktioniert, dann ist Leben in ihr.“
Ich wollte Klarheit. Schwarze Farbe und die Vereinfachung der Form, das ist ein ehrliches Gespräch. Wenn die Form in Schwarz, ohne Krücken, funktioniert, dann ist Leben in ihr. Das ist gleichzeitig Grafik und Illustration.
Seit 2020 entwickelst du den „skythischen Tierstil“. Warum gerade dieser? Was daran war dir visuell oder philosophisch nahe?
Weil er nicht erfunden ist. Er ist aus der Erde, aus dem Krieg, aus dem Tod und dem Glauben geboren. Es gibt keinen Versuch zu gefallen, nur Kraft und Rhythmus.
Visuell ist er hart, scharf, ehrlich. Philosophisch geht es um den Kreislauf, um Raubtier und Beute, um Gleichgewicht. Im Jahr 2020 durchlief ich selbst eine innere Neuausrichtung, und diese Sprache entsprach meinem Zustand.
Erzähle uns mehr darüber, was der „skythische Tierstil“ für dich bedeutet. Wie tief bist du in ihn eingetaucht, ist es nur Ästhetik oder gibt es auch eine kulturhistorische Ebene?
Ich habe viel mit Archäologie, der Form von Artefakten, Texten und der inneren Logik von Deformationen gearbeitet. Aber meine Aufgabe ist nicht die Rekonstruktion der Vergangenheit. Mich interessiert nicht die museale Genauigkeit, sondern der Geist dieser Sprache.
Dies ist ein Dialog mit einer alten Form, übertragen auf einen modernen Körper. Die Ästhetik ist hier nur ein Einstiegspunkt, hinter dem immer eine Bedeutung steht.
Du hast viele Tiere in deinem Portfolio: Tiger, Panther, Wildschweine. Warum sind sie zur Grundlage deiner Sprache geworden? Was drückst du durch sie aus?
Weil das Tier zutiefst ehrlich ist. Es gibt keine Moralpredigt in ihm, nur Essenz und Funktion. Es sind Archetypen von Stärke, Wut, Überleben, Einsamkeit. Durch das Bild des Tieres spreche ich nicht über das Aussehen eines Menschen, sondern über seinen inneren Zustand. Es geht nicht um „schön“ oder „niedlich“, sondern um ein persönliches Totem.
Du adaptierst die skythische Ästhetik an moderne Mythologien, Drachen, Fabelwesen. Wie findest du die Balance zwischen Archetyp und Moderne?
Ich kopiere nicht, ich übersetze. Der Archetyp bleibt, die Form ändert sich. Moderne Mythen, Drachen, Fabelwesen sind dieselben alten Ängste und Kräfte, nur in einer neuen Hülle. Die Balance findet sich durch Respekt vor der Quelle und den Mut, unkanonisch zu sein.
Du arbeitest mit Kontrast und Formvereinfachung. Welche Techniken und Materialien helfen dir, die gewünschte Qualität und „Tiefe“ zu erreichen?
Die Grundlage meiner Arbeit ist eine klare Linie, dichtes Schwarz und ein ausgeprägter Kontrast. Ich wähle bewusst einfache, zuverlässige Werkzeuge und vermeide visuelle Tricks: Für mich ist es wichtig, dass die Tätowierung durch die Form wirkt und nicht durch Effekte.
„Die Leere ist hier ebenso wirkungsvoll wie die Form, sie gibt Atem, verstärkt die Spannung und lässt das Bild auf dem Körper „leben“ und nicht nur darauf liegen.“
Die Tiefe in meinen Arbeiten entsteht nicht durch Farbverläufe und illusorisches Volumen, sondern durch Rhythmus, Pausen und ein präzises Gleichgewicht zwischen schwarzen Massen und negativem Raum. Die Leere ist hier ebenso wirkungsvoll wie die Form, sie gibt Atem, verstärkt die Spannung und lässt das Bild auf dem Körper „leben“ und nicht nur darauf liegen.
Du hast einmal gesagt, dass die Form der Tätowierung primär ist und der Hintergrund der Körper. Wie gestaltest du Kompositionen so, dass sie mit der Anatomie des Kunden „leben“?
Ich betrachte den Körper nicht als flache Leinwand. Er ist lebendig und voluminös, mit seiner eigenen Logik und seinem eigenen Charakter. Bei der Arbeit berücksichtige ich, wie die Form mit dem Körper interagiert, wie sie sich einfügt und zu „atmen“ beginnt.
Die Komposition sollte nicht auf der Haut liegen, sie sollte ein Teil davon werden. Es ist wichtig, dass das Tattoo mit der Person lebt, seinen Charakter im Laufe der Zeit ändert, aber nicht an Kraft verliert. Eine starke Form reift mit dem Körper und wird zu seiner Fortsetzung.
Woher nimmst du die Inspiration für die Anordnung und den Rhythmus der Zeichnungen? Ist es eher Archäologie, Ethnographie oder visueller Intuitionismus?
Die Archäologie liefert die Struktur und Logik der Formen, die Ethnographie den kulturellen Kontext, und die Intuition entscheidet über das endgültige Aussehen. Ohne sie ist alles tot.
Außerdem studiere ich tibetische Ikonographie. Dort inspirieren mich die Charaktere, ihre Dynamik und Details. Wenn Sie also auf meinem skythischen Tier eine Feuerspirale oder ein Element aus der tibetischen Mythologie sehen, ist das kein Zufall, ich schöpfe auch von dort Ideen.
Wie ist dein Prozess aufgebaut, von der Idee bis zum finalen Design? Und wie sehr berücksichtigst du die Wünsche des Kunden?
Ich höre immer zu, aber ich stimme nicht immer zu. Der Kunde kommt mit einer Anfrage, ich mit meiner Sprache. Wenn wir einen gemeinsamen Vektor finden, entsteht eine starke Arbeit.
Wenn die Beteiligung des Kunden angemessen ist, hilft sie nur.
Manchmal muss man die Anfrage korrigieren, den Ansatz erklären, einen gemeinsamen Rhythmus finden, und genau darin entsteht der Dialog, der das Tattoo echt macht.
Wie lange dauert eine durchschnittliche Sitzung bei dir? Und wie viele solcher Sitzungen sind zum Beispiel für ein Tattoo am Unterarm nötig?
Im Durchschnitt dauert meine Sitzung etwa sechs Stunden. In dieser Zeit kann ein ziemlich großes Arbeitsvolumen erledigt werden, und der Kunde wird nicht zu müde.
Der Tierstil ist mit heidnischen Symbolen und einem alten Weltsystem verbunden. Wie erklärst du den Kunden die tiefere Bedeutung der Bilder?
Ich versuche, es einfach zu erklären, ohne Mystifizierung und unnötige Rätselhaftigkeit. Ich dränge keinen Glauben auf und diktiere nicht, wie eine Person ein Symbol wahrnehmen soll. Meine Aufgabe ist es, zu zeigen, was dieses Bild bedeutet, woher es kommt und welche Bedeutung ihm zugrunde liegt. Die Entscheidung liegt dann bei der Person: Sie wählt selbst, wie dieses Symbol für sie wirken wird, welche Geschichte oder welches Gefühl sie damit verbindet.
Gab es Fälle, in denen jemand einfach „wegen der Schönheit“ kam, und du ein Bild mit philosophischem Unterton vorgeschlagen hast, das seine Einstellung zum Tattoo verändert hat?
Ja, das passiert regelmäßig. Oft kommen Leute und verstehen selbst nicht, was sie wirklich wollen. Sie sehen ein schönes Bild und denken, das sei genug. Aber wenn das Bild wirklich „trifft“, spürt man das sofort. In diesem Moment ändert sich die Einstellung zum Tattoo: Es ist nicht mehr nur ein Bild auf dem Körper, sondern wird Teil des Menschen, seines inneren Zustands und seiner Geschichte. Viele meiner Kunden haben geschrieben, dass sie erst Jahre später mit ihrem Tattoo „verwachsen“ sind.
Was ist für dich wichtiger: die visuelle Ausdruckskraft oder die psychologische Resonanz bei der Person, die das Tattoo tragen wird?
Die visuelle Wirkung und die Resonanz sind untrennbar miteinander verbunden. Wenn ein Tattoo keine Resonanz hervorruft, ist selbst die schönste Form bedeutungslos. Aber auch ohne eine starke Form verliert diese Resonanz schnell an Kraft und bleibt nicht auf dem Körper.
Das ist keine Frage der Wahl, es ist eine Verbindung: Die Form schafft eine Sprache, durch die der Mensch das Bild spürt und seine Tiefe wahrnimmt. Nur wenn Form und Resonanz zusammenwirken, beginnt das Tattoo für den Menschen zu „arbeiten“.
Du arbeitest in St. Petersburg, Moskau, Berlin. Wie beeinflussen die verschiedenen Städte und Kunden deinen Ansatz und deine Wahrnehmung von Tattoos?
Mein Ansatz ist immer derselbe. Ich möchte aus den Ideen des Kunden ein Tattoo schaffen, das ich selbst gerne tragen würde, und der Unterschied bei den Kunden liegt nur in der Sprache.
Du nimmst an Tattoo-Conventions teil und bist dort Juror. Welche wesentlichen Veränderungen in der Branche siehst du in den letzten Jahren?
In der Branche gibt es derzeit viel Lärm und wenig Inhalt. Alles ist schneller, oberflächlicher geworden, mehr Bilder, mehr visueller Verkehr, aber weniger echter Sinn. Dadurch übersteigt das Angebot die Nachfrage deutlich: Es gibt mehr Künstler als Menschen, die bereit sind, sich mit der Arbeit und dem Ansatz auseinanderzusetzen. Aber gute Künstler sind dadurch nur wertvoller, ihre Arbeit und ihre Ausdrucksweise heben sich vom Rest ab. Ich denke, mit der Zeit wird sich die Situation beruhigen, der Markt wird sich anpassen, und der Wert echter Handwerkskunst wird wieder offensichtlich werden.
Unter Tausenden von Tätowierern arbeiten nur wenige in der skythischen Ästhetik. Warum ist diese Richtung deiner Meinung nach immer noch fast unbesetzt?
Die skythische Ästhetik erfordert nicht nur Können, sondern auch Verantwortung, innere Stärke und ein Verständnis der Form. Es ist kein Stil für Likes oder Modetrends, es ist schwierig, darin zu arbeiten, und nicht jeder ist bereit für eine solche Tiefe. Deshalb bleibt die Richtung fast unbesetzt, und genau das macht sie einzigartig.
Welche Ratschläge würdest du Leuten geben, die ihren Tätowierer suchen? Worauf sollte man deiner Meinung nach achten: Stil, Erfahrung, Philosophie?
Es ist sehr wichtig, dem Künstler nicht nur zu schreiben, sondern ihn persönlich zu treffen, sich in seinem Studio zu unterhalten. Zu sehen, wie alles dort organisiert ist, wie der Tätowierungsprozess abläuft. Ein Tattoo ist auch ein Energieaustausch, und es ist wichtig, dass dieser unter angenehmen Bedingungen stattfindet. Oft arbeiten gute Künstler in tollen, komfortablen Studios. Wenn man dich einlädt, ein Tattoo irgendwo im Keller machen zu lassen, würde ich wahrscheinlich nicht hingehen.
Es ist sehr wichtig, dass die Chemie zwischen euch stimmt. Du wirst zustimmen, dass es viel angenehmer ist, eine Sitzung in einem komfortablen Studio mit einem guten Tätowierer und Gesprächspartner zu verbringen, als vor Kälte bei irgendjemandem im Keller zu zittern. Natürlich wird das Tattoo sowohl dort als auch dort gut, aber wie es dir in Erinnerung bleibt, hängt nur davon ab, wo und mit wem du es machst.
