Blekanddots: 색채 이론과 구성이 타투 아티스트를 형성하는 방법

마카(Maca) 또는 블렉앤닷츠(Blekanddots)로도 알려진 마카레나는 칠레 산티아고에서 활동하는 타투이스트입니다. 그녀의 스타일은 추상화, 그래픽적 사고, 그리고 색상에 대한 섬세한 회화적 접근 방식의 조합으로 이루어져 있습니다. 기하학적 형태, 부드러운 톤 전환, 그리고 색상을 통해 그녀는 이미지로서뿐만 아니라 신체에 통합된 형태로도 사려 깊게 구성된 느낌을 주는 타투를 만듭니다.

이러한 사고방식은 그녀의 예술적 기반과 직접적으로 연결되어 있습니다. 이 대화에서 마카레나는 타투이스트가 되는 과정에서 색채 이론, 구성, 그리고 재료 지식의 역할에 대해 이야기합니다.

그녀는 이론과 실천을 두 개의 다른 세계로 분리하지 않고, 같은 과정의 불가분의 부분으로 봅니다. 이는 예술가가 배우는 방식뿐만 아니라 성장하고, 기술적인 문제를 해결하며, 시간의 시험을 견딜 수 있는 결과를 달성하는 방식까지 형성합니다.

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— 자기소개 부탁드립니다. 고향은 어디이며, 현재 어디에서 거주하고 작업하고 계신가요?

— 안녕하세요! 저는 칠레 출신이고, 여기서 태어나고 자랐으며, 여전히 이곳에 거주하고 있습니다. 지난 7년 동안 산티아고의 여러 스튜디오에서 일했지만, 현재는 저만의 개인 공간을 가지고 있습니다.

— 자신을 다학제 예술가라고 소개하셨는데, 타투를 시작하기 전에 어떤 형태의 예술을 하셨나요?

— 어린 시절을 포함한다면, 저는 아주 어린 나이부터 많은 것을 경험하고 배웠습니다.

저는 매우 호기심 많은 아이였고, 주변의 모든 것을 숙고하고 관찰하며 수많은 질문을 던졌습니다. 어머니는 제가 "어떻게 그렇게 해요?"라고 물을 때마다 자신이 아는 것을 기꺼이 가르쳐 주셨습니다. 저는 모든 것이 어떻게 만들어지는지 이해하고 싶었기 때문입니다. 어머니는 제가 말에 매료되어 네 살 때부터 읽고 쓰는 법을 가르쳐 주셨고, 베틀로 짜는 법, 자수 놓는 법, 코바늘 뜨개질, 옷에 그림 그리는 법을 가르쳐 주셨습니다. 아버지가 취미로 하시던 것을 보고 유리 구슬로 짜는 법을 배웠습니다.

기억하는 한 항상 그림을 그리고 그렸고, 초등학교 때는 바느질과 뜨개질을 배웠습니다. 그때는, 그리고 아마 고등학교 때까지도, 이 모든 것이 제 삶에서 그다지 중요하거나 진지하다고 느끼지 못했던 것 같습니다. 일상생활에서 매우 평범한 일이었기 때문에 단순한 취미로 여겼고, 저는 틀렸습니다.

저는 미술을 전공했고, 색채 이론과 사진을 전문으로 했습니다. 제 대학 과정은 매우 포괄적이었고, 처음 2년 동안은 모든 기술을 배워야 했습니다: 드로잉, 회화, 판화, 디지털 및 아날로그 사진, 비디오, 혼합 매체, 도예, 조각, 아크 용접 등. 이것은 필수였습니다. 이것은 저의 호기심을 계속 유지하는 데 도움이 되었고, 나중에 "바늘로 피부에 그림을 그리는 것은 얼마나 다를까?"라는 의문을 갖게 했습니다.

졸업하자마자 타투를 시작하기 전까지는 주로 유화, 사진, 종이 모델 작업을 했습니다.

— 아시다시피, 예술 분야에서 학문적 배경을 가지고 계십니다. 학업이 타투에 대한 접근 방식에 어떤 영향을 미쳤나요?

— 제 학업이 재료와 도구, 그리고 전반적인 창작 과정에 대한 매우 다른 관계와 관점을 갖도록 준비시켜 주었다고 생각합니다. 또한 타투를 회화로 바꾸고, 그것들이 별개의 것이라는 사실을 잊고 싶다는 열망을 주었습니다. 저는 제 마음속에서 그것들을 하나로 만들었고, 그래서 유화로 하던 것과 똑같은 일을 타투를 통해 하기 시작했습니다.

저는 수년간 제 색상 팔레트를 깊이 연구해왔고 지금도 계속하고 있습니다. 안료의 품질, 치유 과정 후의 안정성 등 모든 것을요. 시간이 지남에 따라 팔레트를 수정하고, 많은 색상과 다양한 브랜드를 실험하여 유사한지 아닌지를 확인했습니다. 때로는 재고 부족으로 좋아하는 색상이 떨어지기도 해서, 비상시를 대비해 다른 브랜드에서 그에 상응하는 색상을 찾아냈습니다. 안료에 대한 제 지식은 졸업 후 개인적인 독서와 연구 외에도 회화에 대한 특정 연구에서 비롯됩니다.

회화는 색상의 특성과 속성, 그리고 그 모든 이론이 물리적, 화학적 관점에서 가장 깊이 탐구되는 분야라고 생각합니다. 오늘날, 그 모든 지식은 고객이 기대하는 결과를 보장하고, 왜 한 결과가 다른 결과보다 나은지, 그리고 색상이 서로 또는 피부 톤과 어떻게 상호 작용하는지 가르치고 소통하는 데 더 나은 결정을 내리는 데 도움이 됩니다.

저의 학문적 배경은 또한 모든 것을 공간 내의 색상과 형태로 보게 만들었습니다. 이는 미학적 관점뿐만 아니라 과정 자체에서도 추상화하는 데 도움이 되었습니다. 즉, 제가 어떤 기술에서든 방법론을 보고, 생각하고, 적용하거나 수정하는 방식 말입니다. 이 모든 것이 제가 더 효율적으로 결과를 달성할 수 있게 해줍니다.

— 언제 타투가 당신의 직업이 되었나요? 이 전환이 언제 어떻게 일어났는지 알려주세요.

— 대학 졸업 1년 후, 2015년 여름 방학 동안 타투 스튜디오에서 풀타임으로 견습생으로 일했습니다. 덕분에 테이블 세팅부터 코일 머신 조립 및 분해까지 모든 것을 연습할 수 있었습니다. 저는 먼저 머신으로 타투하는 법을 배웠습니다.

머신 유무에 관계없이 타투 연습을 시작한 후, 부모님으로부터 독립하는 데 더 집중하게 되어 정기적인 연습을 중단하고 안정적인 직업을 찾았습니다. 2016년 초, 저는 보석 가게에서 한 달 동안 사진작가로 일했고, 다음 달에는 광고 대행사의 아트 디렉터로 고용되어 종이 모델 제작, 스톱모션 애니메이션 제작, DIY 비디오, 푸드 스타일링 및 기타 작업을 담당했습니다. 저는 그곳에서 1년 반 동안 일했습니다.

그 1년 반 동안, 저는 가끔 가족이나 친구에게 타투를 해주다가, 어느 날 팀원 중 한 명이 제가 타투를 할 수 있다는 것을 알고 저에게 타투를 해달라고 부탁했습니다. 그것이 모든 것을 바꾼 첫걸음이었고, 솔직히 저는 상상도 못 했을 것입니다. 왜냐하면 저는 그에게 머신 없이 타투를 해주기로 선택했는데, 이는 당시 가장 적게 연습했던 핸드포크와 다시 연결되는 것을 의미했기 때문입니다.

다음 날, 소문이 퍼졌고, 저는 점차 새로운 의뢰를 받기 시작했습니다. 그래서 저는 쉬는 날에 타투를 하기로 결정했습니다. 불과 몇 달 만에 저는 타투를 정말 즐기고, 그리워하고 있다는 것을 깨달았습니다. 솔직히 말해서, 저는 한동안 제 일을 즐기지 못하고 있었습니다. 저는 대행사에서 약간 정체되어 있고, 창의적인 발전이 매우 제한적이라고 느꼈습니다. 저는 끊임없이 집으로 걸어가면서 "예술을 공부했는데 왜 실천하지 않는 거지? 이걸 안 하려고 공부한 게 아니잖아. 낭비하고 있어. 이 모든 것이 말이 안 돼."라고 생각했던 기억이 납니다.

한 달 더 고민했고, 거의 그만두기로 마음먹었습니다. 먼저 제 주변 사람들에게 이야기했습니다. 가장 친한 친구들, 형제 중 한 명, 그리고 엄마에게요. 형이 저에게 말했습니다. "흥미로운 아이디어, 더 많은 자유, 훨씬 높은 급여를 가진 현재 직업의 이상적인 시나리오를 상상해봐. 행복할까?" 저는 아니라고 답했습니다. 그러자 형이 말했습니다. "그리고 급여를 10배 받는다면, 그것만으로도 행복할까?" 저에게 그 대답은 항상 아니었습니다.

저는 2017년 8월에 직장을 그만두었습니다. 저축도, 아무것도 없었습니다. 그저 가능한 모든 표면에 그림을 그리고 예술로 생계를 유지하려는 열망뿐이었습니다. 그 모든 것이 가치 있었고, 지금 여기에 있습니다.

— 많은 예술가들은 타투가 주로 연습을 통해 배운다고 말합니다. 당신의 생각으로는 색 이론, 구성, 미술 기초와 같은 이론적 지식이 타투 아티스트에게 얼마나 중요하다고 생각하십니까?

— 저는 그 말에 전적으로 동의하지만, 덜 탐구되거나 어쩌면 덜 논의된 측면도 있다고 생각합니다. 타투뿐만 아니라 기술이 어떻게 배워져야 하는지에 대한 전통적인 고정관념에 기반한 것이죠. 저는 특정 고정관념이 때때로 낭만화되어 사물과 그 가능성에 대한 완전한 시각을 방해한다고 생각합니다. 어떤 이유에서인지, 저를 괴롭히는 것은 타투 예술이 얼마나 오래되었음에도 불구하고 정식 학문으로 인정받지 못한다는 것입니다. 이것은 수세기 동안 지속되어 왔습니다.

한동안 저 자신도 제가 공부한 모든 것이 타투와는 아무 관련이 없는 것처럼 마음을 분리해 두었습니다. 나중에 그것이 모든 것과 관련이 있다는 것을 깨닫고 매우 어리석고 부끄러웠습니다. 타투는 회화적이고, 삽화적이며, 심지어 조각적이라고도 할 수 있습니다. 2차원 디자인을 3차원 표면에 작업하는 것이니까요. 그것은 완전한 학문이며, 제가 마음을 분리하는 것을 멈추고 모든 이론과 기술을 이 학문에 적용했을 때, 제 과정이 바뀌었고 제 모든 작업이 바뀌었습니다.

개인적으로 저는 학문에 대한 기술적, 이론적 지식을 갖는 것이 엄청나게 중요하며 전체 과정을 더 효율적으로 만든다고 믿습니다. 더 의도적이고 의식적인 결정을 내리고, 우연에 맡기는 것이 줄어듭니다.

많은 예술가들이 직관적으로 이론과 기술을 적용하며, 그것이 그들의 지식을 덜 유효하게 만들지는 않는다고 생각합니다. 하지만 자신이 하는 일을 왜 하는지 아는 것은 관찰 방식과 아이디어를 제안하거나 발전시키는 방식까지 바꿀 수 있습니다.

연습은 과정의 중요한 부분입니다. 연습이 완벽을 만들죠? 하지만 이론 또한 필수적이며, 둘을 분리해서 생각해서는 안 됩니다. 분명히 둘 다 우리의 발전에 근본적입니다.

때로는 이론이 무엇이고 무엇이 아닌지에 대한 오해가 있을 뿐이며, 어쩌면 우리가 같은 것을 다른 이름으로 이야기하고 있는 것일 수도 있다고 생각합니다. 사물이 어떻게 작동하고 무엇으로 만들어졌는지(기계, 바늘, 잉크, 피부) 이해하는 것은 순수한 이론입니다.

— 색 이론에 대한 당신의 이해는 타투를 디자인하고 다양한 피부 톤에 맞는 팔레트를 선택하는 방식에 어떻게 영향을 미칩니까?

— 그것은 기본적으로 제 작업의 중추 중 하나입니다. 제가 어떤 스타일이나 요소를 구성하고 싶든, 컬러든 흑백이든 상관없이요.

저는 그것이 제 작업의 50%를 차지한다고 생각합니다. 처음부터 끝까지 사용합니다. 더 이상 생각하거나 결정해야 할 것이 아닙니다. 숨쉬거나 눈을 깜빡이는 것처럼 자연스럽습니다. 그저 저의 연장선상에 존재합니다. 하지만 따라야 할 단계는 있습니다.

맞춤 프로젝트에서 오차 범위를 최소화하기 위해, 저는 고객들에게 참고할 수 있는 색조 팔레트를 보내어 그들의 피부 톤이 어디에 속하는지 파악하도록 합니다. 그들의 답변이 그들을 배제하거나 색상이 정확하지 않다는 의미는 아닙니다. 화면은 빛을 투사하고 피부는 빛을 흡수하기 때문입니다. 하지만 이는 디자인을 개발할 때 작업할 수 있는 빛의 범위를 이해하고, 그에 따라 기술적인 결정을 내리며, 경우에 따라서는 그들이 원하는 것을 얻기 위해 일부 색상을 변경해야 하는 이유를 설명하는 데 도움이 됩니다.

물론, 그들의 피부 톤에 적합하지 않은 색상 요청을 받으면 거짓말을 하지 않고, 좋은 생각이 아니며, 돋보이지 않을 것이라고 설명할 것입니다. 그래서 그들도 이론이 현실에서 어떻게 작동하는지 이해하거나, 종종 타투나 피부 톤의 색상에 대한 잘못된 통념을 깨는 데 도움이 됩니다.

구도는 회화와 일러스트레이션에서 중요한 역할을 합니다. 인체를 캔버스 삼아 작업할 때 구도 원리를 어떻게 적용하시나요?

— 저는 두 번 구도를 잡습니다. 첫 번째는 디자인에서, 두 번째는 몸에 적용할 때입니다.

저는 각 디자인의 목표 외에도 구도의 기본 원칙인 통일성과 균형을 따릅니다. 역동성이 있을지 없을지, 움직임, 리듬, 가상성, 정지성 등과 같은 요소들을 고려하고, 이를 몸에 적용할 때 동일한 느낌을 유지하는 방법을 고민합니다. 몸의 곡선과 볼륨은 디자인에 영향을 미칩니다. 저는 근육의 움직임을 고려하고, 물론 해당 부위에 다른 타투가 있다면 모든 요소들이 완벽한 조화를 이루며 어떻게 상호작용하는지 고려합니다.

디자인을 구성하고 몸에 배치할 때마다, 저는 이미 있는 것과 함께 작동하면서도 독립적으로도 작동하도록 하는 것을 목표로 합니다. 저는 조각들이 서로를 보완하고, 어느 하나도 다른 것을 손상시키지 않기를 바랍니다. 그래서 "캔버스"를 관찰할 때, 마치 몸에 하나의 구성인 것처럼 시각적인 읽기가 균일하게 이루어지도록 합니다.

디자인에 따라 때로는 "콜라주" 방식으로 작업하기도 합니다. 이때는 선, 모양 등 다양한 스텐실 요소를 가지고 있으며, 이를 따로 배치하여 공간에 완벽하게 맞도록 합니다. 그리고 프로젝트가 필요로 한다면, 스텐실과 프리핸드를 혼합하여 작업하기도 합니다.

구도의 기술적 원리를 알고 사용할 수 있다는 것은, 반대로 균형을 깨고 싶을 때 특정 초점 지점을 가진 디자인을 만들 수 있게 해줍니다. 이 모든 것이 정말 재미있습니다.

— 타투는 재료와 도구에 대한 깊은 지식도 필요합니다. 젊은 타투이스트들이 종종 과소평가한다고 생각하는 기술적 측면은 무엇인가요?

— 어려운 질문이네요. 저는 스텐실과 재료의 품질, 그리고 그것들이 결과에 미치는 영향을 꼽고 싶습니다.

저는 멘토의 말을 잊지 않았습니다. "스텐실은 완벽해야 한다. 그렇지 않으면 타투를 할 줄 아는 것이 소용없다." 그리고 저는 그 조언을 영원히 마음에 새겼습니다.

스텐실이 잘 만들어지지 않고 피부에 제대로 적용되지 않으면 결과에 부정적인 영향을 미칠 수 있습니다.

수년간의 경험은 무언가가 지워졌을 때 즉흥적으로 대처하거나, 스텐실을 손으로 수정하거나, 심지어 그려진 영역 내에서 다른 색조의 적용이나 전환을 조정할 수 있는 이점을 항상 제공할 수 있습니다. 하지만 이 기술의 모든 측면을 확실히 이해하지 못한다면 처음부터 시도해서는 안 됩니다.

또한 시간이 지남에 따라 자신의 스타일에 따라 음영, 채우기 또는 질감으로 영역을 구별하는 자신만의 방법을 만들고 스텐실의 지침에 대한 자신만의 언어를 이해하게 됩니다.

재료에 관해서는, 개인적인 경험으로 볼 때, 처음에는 더 좋은 도구나 잉크를 품질에 따라 구하는 것이 항상 저렴하지는 않다는 것을 알고 있습니다. 견습생으로 배우는 동안에는 비싸기 때문입니다.

하지만 투자할 가치가 있으며, 장기적으로 재정적으로 안정되었을 때 재료에 투자하는 대신 비용을 아끼는 것은 협상할 수 없는 일입니다.

저에게 가장 눈에 띄는 차이는 바늘과 잉크에 있습니다. 안료의 품질, 색상의 불투명도, 흐름, 또는 치유 과정에서 채도가 떨어지는지 여부입니다. 문신하는 동안 색상이 변합니까? 치유 과정 후에 색상이 변합니까? 얼마나 빨리, 어떻게 변합니까? 더 따뜻해집니까? 덜 밝아집니까? 등등.

그리고 바늘은 제가 그것으로 무엇을 해야 하는지에 따라 저항력과 강도가 다르고, 날카로움도 다릅니다. 제 바늘의 크기는 얼마나 일관성이 있습니까? 모두 90-99% 비슷합니까, 아니면 일부는 다른 것보다 더 넓습니까? 이 브랜드를 사용할 때 바늘을 더 세게 밀어야 합니까? 잉크를 더 이상 같은 방식으로 주입하지 않기 때문에 얼마나 자주 교체해야 합니까? 이 바늘은 같은 크기의 다른 바늘보다 피부를 더 손상시킵니까? 제 선은 얼마나 일관성이 있습니까? 점은 얼마나 부드럽습니까?

물론, 기계에도 동일하게 적용됩니다. 스트로크, 무게, 파워 등입니다.

— 더 강력한 이론 교육이 타투이스트의 발전을 가속화할 수 있다고 생각하십니까? 어떤 면에서요?

— 물론입니다. 일종의 지름길과 같습니다. 문신 과정에서 단계를 건너뛰기 때문이 아니라 접근 방식이 다르기 때문에 덜 압도적일 수 있습니다.

드로잉, 구성, 공간에서의 형태 배열, 색상 사용의 법칙을 이론적으로나 실용적으로 이해하면 재료, 기술 또는 스타일에 관계없이 모든 2차원 또는 3차원 표면에 그 모든 지식을 적용할 수 있다고 생각합니다.

표면 변화와 다양한 재료의 불일치에 적응하는 것이 조금 더 쉬워집니다.

이론적이고 기술적인 모든 준비는 과정의 어려움을 더 빨리 해결하는 데 도움이 됩니다.

하지만 물론, 완벽한 공식이나 유일한 방법은 아닙니다. 피부는 종이나 천이 아니며, 그것은 문신을 하고, 연습하고, 자신보다 경험이 많은 사람들에게 배우고, 질문하고 정보를 교환함으로써만 배울 수 있습니다. 이것이 저에게는 문신 이론 그 자체입니다.

— 당신의 문신은 생생한 색상과 그래픽적인 접근 방식으로 유명합니다. 당신의 시각적 스타일은 수년에 걸쳐 어떻게 발전했습니까?

— 제가 정말로 하고 싶었던 것을 보여주는 것에 대한 두려움이 점차 사라졌고, 색상과 그림에 대해 실제로 알고 있던 것에 대한 자신감도 변했다고 생각합니다.

이 모든 것을 테이블에 놓고 제가 알고 있는 것을 맹목적으로 신뢰하기로 결정했을 때, 저는 제가 모르거나 이해하지 못했던 것에 더 주의를 기울이고 연구하기 시작했습니다. 피부에서 색상이 어떻게 작용하는지, 그 반응과 상호 작용을 말입니다. 저는 그것에 너무 집중해서 시각적인 측면이 유기적으로 발전했습니다.

그림은 저에게 매우 중요해졌습니다. 빛은 이미 제 작업에서 가장 중요한 요소였고, 남은 것은 모든 요소를 재미있고 상징적이며 종종 친밀한 방식으로 사용하는 방법을 찾는 것이었습니다.

저는 2013-2014년에 창작 과정, 기억의 사용, 회상, 감각, 시간, 그리고 그것을 시각 언어로 번역하는 방법을 다룬 대학 논문을 다시 살펴보았습니다. 그 논문 자체는 제가 연구에 사용했던 칸딘스키의 구성과 색채에 대한 글을 떠올리게 했습니다.

아이디어를 추상적으로 표현하는 것은 저에게 시각적인 시처럼 느껴집니다. 어떤 면에서는 항상 은유를 사용하는 것과 같습니다. 색이나 모양은 장소, 순간, 감정 또는 사람을 나타낼 수 있습니다.

칸딘스키는 제가 시작하기 두려웠지만 너무나 탐구하고 싶었던 탐색을 촉발하는 데 단연 최고의 영감이었습니다. 그것이 제 작업이 더 그래픽적으로 변한 이유 중 하나입니다.

— 경력 전반에 걸쳐 당신의 스타일은 어떻게 발전했습니까? 당신의 예술적 방향을 크게 바꾼 전환점이 있었습니까?

— 제 생각에는 현재 스타일의 "조용한 존재감" 같은 것이었습니다. 저는 항상 클라우디오 브라보, 바우하우스, 칸딘스키, 야요이 쿠사마, 에드워드 호퍼, 모네 등을 매우 좋아했습니다. 그들 중에서 제가 가장 좋아했던 것은 빛의 사용, 구성의 균형, 그리고 색상 팔레트였습니다.

2013년, 제가 타투를 배울 계획조차 없었을 때, 저는 첫 타투를 받았습니다. 윤곽선 없이, 색상만으로 대리석 무늬 페인트 삼각형을 원했습니다. 타투 아티스트는 제가 요구하는 모든 것이 너무 많은 디테일 때문에 불가능하며, 윤곽선 없이 타투를 하는 것은 정상적이지 않고, 제 아이디어는 실현 불가능하다고 말했습니다.

한동안 협상한 끝에 그는 가장 밝은 색으로 윤곽선을 그리고 "조금" 단순화하는 데 동의했습니다. 물론, 제가 원했던 것과는 전혀 다른 것을 얻었지만, 하하하, 그렇게 나쁘지는 않습니다.

음, 저는 타투에 대해 아무것도 몰랐기 때문에 그를 믿었습니다. 그리고 재미있는 사실은, 6, 7년 후에 제가 불가능하다고 여겨졌던 그 대리석 효과를 타투하고 있었다는 것이 정말 놀랍습니다.

저는 항상 사실주의와 극사실주의로 그림을 그리고 그렸기 때문에 오랫동안 제 작업에서 그것이 지배적이었지만, 항상 기하학, 색채 이론, 미니멀리즘, 건축과 함께 작업하려는 경향도 있었습니다.

타투를 배운 이후로 저는 모든 것을 잘, 완벽하게 배워야 한다고 여겨지는 구식 방식으로 배웠기 때문에 모든 종류의 스타일로 디자인하고 작업했습니다. 하지만 처음에는 더 미니멀하고 추상적이거나 기하학적인 제안을 하려고 노력했지만, 결코 성공하지 못했습니다. 2018년 또는 2019년 초까지는 제 아이디어나 디자인으로 작업할 기회가 아주 짧게만 있었습니다. 그 당시에는 그라데이션이 제 포트폴리오에서 가장 추상적이고 인기 있는 것이었습니다.

제 예술을 표현할 새로운 방법을 찾고 싶었음에도 불구하고, 저는 항상 구상과 추상 사이에서 작업하고 싶다는 이중성을 가지고 있었습니다. 저는 극사실주의를 사랑합니다. 어쩔 수 없지만, 추상 예술도 엄청나게 사랑하며, 오랫동안 표면으로 드러나기를 기다려왔던 추상에 더 많은 공간을 할애하기로 결심했습니다.

2020년 격리 기간 동안, 저는 제 스튜디오(아파트에 그림을 그리기 위해 개조한 방)에서 많은 시간을 보낼 기회가 있었고, 제 머리와 스케치북에 쌓여 있던 아이디어와 스케치를 개발하는 데 집중했습니다. 또한 제 자료를 검토할 충분한 시간이 있었고, 17세부터 매일 찍어온 사진에서 패턴을 발견했습니다. 제 일상 사진들은 세상의 추상적인 세부 사항, 때로는 색상이 각도와 빛과 함께 중심을 차지하는 미니멀한 구성을 포착합니다. 모든 것이 맞아떨어졌습니다. 왜냐하면 어떤 식으로든 제가 무엇을 작업하든, 특정 공통된 실마리가 제 작업에 남아 있기 때문입니다.

두려움이나 부끄러움 없이 조용히 유화로 아이디어를 그리기 시작했습니다. 저는 그것들을 현실로 만들어야 한다고 느꼈고, 그래서 제 인스타그램 프로필에 공유하기 시작했습니다. 구성이 무엇에 관한 것인지, 각 요소를 어떻게 해석했는지 설명했고, 그것이 제 작업을 따르는 사람들이 제 디자인의 추상성을 이해하는 데 정말 도움이 되었습니다. 그때부터 저는 그 관점에 공간과 우선순위를 부여하기로 결정했습니다. 사람들은 제가 맞춤 프로젝트를 요청할 때마다 저와 함께했고 제 제안을 받아들였고, 점차적으로 구상적인 스타일은 사라졌습니다.

대부분의 아이디어는 회색조로 시작되었습니다. 그런 다음 색상의 세부 사항을 통합하기 시작했지만, 그 팔레트는 계속해서 변화하고 성장했습니다. 색상은 자연스럽게 주인공이 되었고, 고객들의 요청도 있었습니다. 왜냐하면 그들은 결과물을 보기 시작했고, 수년 동안 치유된 작업을 보았고, 그것이 제 작업에 대한 신뢰를 높였기 때문입니다.

의심할 여지 없이, 다른 예술가들의 작업 또한 저에게 저만의 길을 찾고 싶다는 영감을 주었습니다. 문신 세계에서 틀에 얽매이지 않는 작업을 하는 예술가를 만날 때마다 저는 그들의 스타일이나 기술에 관계없이 메모하고, 연구하고, 그들의 과정을 존경했습니다.

초창기인 2015-2016년경에 @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk, @dzo_lama의 작업이 저를 놀라게 했던 기억이 납니다. 그들은 모두 다른 것을 하고 있었고, 각 스타일이나 기술의 경계를 넘어 디자인과 개념을 확장하고 있었습니다.

실험을 위한 더 유연한 길을 열어준 모든 예술가들에게 매우 감사합니다.

— 포트폴리오에서 기술적으로나 예술적으로 가장 중요하다고 생각하는 프로젝트나 타투는 무엇인가요?

— 아마도 "열린 구성"일 것입니다. 왜냐하면 그것들은 통일성과 균형을 잃지 않고 어떤 방향으로든 작업할 수 있는 특징을 가지고 있으며, 다양한 신체 부위나 주변 타투에 쉽게 적응하기 때문입니다.

제가 타투를 해주거나 제가 말해주지 않으면 실제로 알아차리지 못할 것입니다, 하하하. 하지만 약속 당일에 고객들에게 이 디자인들을 보여줄 때, 저는 그것들을 설명하고, 항상 제가 그린 원래 방향으로 타투를 하지 않습니다.

이러한 작품들을 만드는 것은 공간 내에서 형태에 대한 저의 이해와 잘 구성된 디자인의 적응성 및 다재다능함에 대한 신뢰를 높여줍니다.

— 타투이스트로서 여행을 많이 하시나요? 어떤 나라나 스튜디오에서 작업할 기회가 있었나요?

— 어느 정도요. 긴 여행이라면 적어도 일 년에 한 번은 여행하려고 노력합니다.

4년 전, 바르셀로나에서 1년 동안 공부할 기회가 있었는데, 덕분에 19:28 Tattoo Parlour에서 레지던트 아티스트로 일할 수 있었고, 짧은 시간 안에 유럽의 여러 나라를 방문할 수 있었습니다.

그 경험 이후로 매년 일정한 일정을 유지하려고 노력하고 있습니다.

부에노스아이레스의 Cucu Studio, 파리의 Rayon Noir, 베를린의 Akurat Studio, 바르셀로나의 Blanco Roto, 베이징의 New Tattoo Studio, 파리의 Sasha Tattooing 등을 방문할 특권과 기회가 있었습니다.

— 타투 컨벤션에 참여해 보셨나요? 그렇다면 가장 기억에 남는 컨벤션은 무엇이었나요?

— 네. 제 경력 동안 세 번의 컨벤션(Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019, Summer Ink 2024)에 참여했지만, 한 번만 경쟁에 참여했습니다. 그리고 여러 경험에서 다양한 이유로 기억에 남는 것을 얻을 수 있다고 생각합니다.

Reñaca Ink는 제가 "우연히" 참가하게 된 첫 컨벤션 경험이었습니다. 마지막 순간에 참석할 수 없게 된 친구 @marialeontattoo의 자리를 제가 대신 사용했습니다. 그래서 공식적으로는 아티스트 라인업에 포함되지 않았지만, 제가 존경하는 훌륭한 칠레 아티스트들을 만날 기회가 있었고, 그들은 저를 팀의 일원처럼 따뜻하게 맞아주었습니다. 칠레 비냐 델 마르의 Nomade Tattoo Studio 팀에게 많은 애정을 가지고 있습니다.

그리고 Summer Ink는 제가 처음으로 대회에 참가한 경험이었습니다. 매우 긴장했지만, 이렇게 중요한 컨벤션에서 핸드포크 기술을 선보일 수 있다는 사실에 매우 설렜고, Tiny Tattoo 부문에서 2위를 차지했습니다. 정말 놀라운 경험이었습니다!

— 마지막으로, 현재 어떤 작업을 하고 계시며, 가까운 미래에 대한 계획은 무엇인가요?

— 음... 제 작업은 일반적으로 끊임없이 발전하는 상태에 있다고 생각합니다. 저는 항상 연구하고, 공부하고, 상상하며, 매일 "이제 뭘 해야 할까?", "다음은 뭘까?", "어떻게 다르게 할 수 있을까?"라고 생각합니다. 하지만 지금 가장 두드러지는 것은 제가 익숙하지 않은 신체 부위의 더 큰 작품과 더 복잡한 작업을 하려고 한다는 점입니다. 그래서 저 자신을 위해 더 크고 복잡한 구성을 게시하기 시작했습니다.

그리고 계획은요? 당분간은 아시아를 다시 방문하고 싶고, 바라건대 유럽으로 돌아가고 싶고, 올해 새로운 목적지를 추가할 수도 있지만, 한 번에 한 걸음씩 나아가고 있습니다.