Blekanddots: Как теория цвета и композиция формируют тату-художника

Макарена, также известная как Мака или Blekanddots, — тату-мастер из Чили, работающая в Сантьяго. Её стиль построен на сочетании абстракции, графического мышления и тонкого живописного подхода к цвету. Используя геометрические формы, мягкие тональные переходы и цвет, она создаёт татуировки, которые кажутся продуманными как изображения, так и формы, интегрированные в тело.

Такой образ мышления напрямую связан с её художественным образованием. В этой беседе Макарена размышляет о роли теории цвета, композиции и знании материалов в становлении тату-мастера.

Она не разделяет теорию и практику на два разных мира, а видит их как неразрывные части одного и того же процесса — процесса, который формирует не только то, как художник учится, но и как он развивается, решает технические задачи и достигает результатов, выдерживающих испытание временем.

— Расскажите немного о себе. Откуда вы родом, и где вы сейчас живёте и работаете?

— Привет! Я из Чили, родилась и выросла здесь, и до сих пор живу здесь. Последние 7 лет я работала в нескольких студиях в Сантьяго, но сейчас у меня есть собственное частное пространство.

— Вы описываете себя как мультидисциплинарного художника. С каких форм искусства вы начинали до татуировки?

— Если считать моё детство, я многому научилась и многое испытала с самого раннего возраста.

Я была очень любознательным ребёнком, созерцала и наблюдала за всем вокруг, задавала бесчисленные вопросы, и моя мама всегда была готова научить меня тому, что знала, когда я спрашивала: «Как это делается?», потому что я хотела понять, как всё устроено. Она научила меня читать и писать с четырёх лет из-за моей увлечённости словами, ткать на станке, вышивать, вязать крючком и расписывать свою одежду. Я научилась плести из стеклянных бусин, просто наблюдая за отцом, который занимался этим как случайным хобби.

Я рисовала и писала всё время, сколько себя помню, а в начальной школе научилась шить и вязать спицами. Думаю, тогда, и, вероятно, до старшей школы, я не чувствовала, что всё это было очень актуальным или серьёзным в моей жизни. Я видела это как простое хобби, потому что это было чем-то очень обычным в моей повседневной рутине, и я ошибалась.

Я изучала изобразительное искусство, где специализировалась на теории цвета и фотографии. Моя университетская программа была очень всеобъемлющей, и первые два года мне пришлось изучать все техники: рисунок, живопись, гравюру, цифровую и аналоговую фотографию, видео, смешанные техники, керамику, скульптуру, дуговую сварку и т. д. Это было обязательным. Это помогло сохранить мою любознательность, что позже привело меня к вопросу: «Насколько сильно отличается рисование на коже иглами?»

Как только я закончила учёбу, я работала в основном с масляной живописью, фотографией и бумажными моделями, пока не начала заниматься татуировкой.

— Насколько нам известно, у вас есть академическое художественное образование. Как ваши занятия повлияли на ваш подход к татуировке?

— Я считаю, что моё обучение подготовило меня к совершенно иным отношениям и взглядам на материалы и инструменты, а также на творческий процесс в целом. Оно также дало мне желание превратить татуировку в живопись, забыть, что это отдельные вещи. Я объединила их в своём сознании, поэтому начала делать то же самое, что делала бы с масляными красками, но через татуировку.

Я годами глубоко изучала свою цветовую палитру и продолжаю это делать: качество пигментов, насколько они стабильны после заживления и так далее. Со временем я меняла свою палитру, экспериментируя со многими цветами и различными брендами, чтобы понять, похожи они или нет. Иногда из-за отсутствия запасов у меня заканчивались любимые цвета, поэтому я находила их эквиваленты у других брендов для экстренных случаев. Мои знания о пигментах также получены из моих специальных исследований в живописи, в дополнение к моему собственному чтению и исследованиям после окончания учебы.

Я думаю, что живопись — это та область, где наиболее глубоко исследуются характеристики и свойства цвета, а также вся его теория, как с физической, так и с химической точки зрения. Сегодня все эти знания помогают мне принимать более обоснованные решения, чтобы гарантировать результаты, которые ожидают мои клиенты, а также объяснять и сообщать, почему один результат будет лучше другого, и как цвета взаимодействуют друг с другом или с их оттенками кожи.

Мое академическое образование также заставило меня видеть все как цвета и формы в пространстве. Это помогло мне абстрагироваться не только с эстетической точки зрения, но и от самого процесса — того, как я вижу, думаю и применяю или изменяю методологии в любой технике. Все это позволяет мне достигать результатов более эффективно.

— В какой момент татуировка стала вашей профессией? Расскажите, когда и как произошел этот переход.

— Через год после окончания университета я проходила полную стажировку в тату-студии во время летних каникул в 2015 году. Это позволило мне практиковать все: от подготовки стола до сборки и разборки моей индукционной машинки. Сначала я училась делать татуировки машинкой.

Начав практиковать татуировки с машинкой и без нее, я больше сосредоточилась на том, чтобы стать независимой от родителей, поэтому перестала регулярно практиковаться и искала стабильную работу. В начале 2016 года я месяц работала фотографом в ювелирном магазине, а в следующем месяце меня наняли арт-директором в рекламное агентство, где моя работа включала создание бумажных моделей, производство покадровой анимации, видеороликов DIY, фуд-стайлинг и другие задачи. Я проработала там полтора года.

В течение этих полутора лет я время от времени делала татуировки членам семьи или друзьям, пока однажды один из моих коллег не узнал, что я умею делать татуировки, и не попросил меня сделать ему татуировку. Это был первый шаг, который изменил все, и, честно говоря, я никогда бы не подумала об этом, потому что я также решила сделать ему татуировку без машинки, что означало воссоединение с хэндпоуком, чем я тогда занималась меньше всего.

На следующий день слухи распространились, и постепенно я начала получать новые заказы, поэтому решила делать татуировки в свои выходные. Всего за пару месяцев я поняла, что мне очень нравится делать татуировки, что я скучала по этому, и, честно говоря, я уже давно не получала удовольствия от своей работы. Я чувствовала себя немного застрявшей в агентстве, очень ограниченной в своем творческом развитии. Я помню, как постоянно шла домой и думала: «Какой смысл было изучать искусство, если я им не занимаюсь? Я не для того это изучала, чтобы не делать. Я трачу это впустую. Все это не имеет смысла».

Я думала об этом еще месяц, почти убежденная уволиться. Сначала я обсудила это со своим ближайшим окружением — лучшими друзьями, одним из братьев и мамой. Мой брат сказал мне: «Представь идеальный сценарий для твоей нынешней работы, с захватывающими идеями, большей свободой и гораздо более высокой зарплатой. Была бы ты счастлива?» Я ответила нет. Тогда он сказал: «А если бы тебе платили в десять раз больше твоей зарплаты, этого было бы достаточно, чтобы сделать тебя счастливой?» Для меня ответ всегда был нет.

Я уволилась с работы в августе 2017 года, без сбережений, без ничего. Только мое желание рисовать на любой возможной поверхности и зарабатывать на жизнь искусством. Все это того стоило, и вот мы здесь.

— Многие художники говорят, что татуировке учатся в основном на практике. Насколько, по вашему мнению, важны теоретические знания — такие как теория цвета, композиция и основы искусства — для тату-мастера?

— Хотя я полностью согласен с этим утверждением, я считаю, что есть также менее изученный или, возможно, менее обсуждаемый аспект, основанный на традиционных стереотипах о том, как должна изучаться техника — не только татуировка. Я думаю, что некоторые стереотипы иногда романтизируются, что мешает полному пониманию вещей и их возможностей. По какой-то причине, которая меня беспокоит, несмотря на древность искусства татуировки, оно не признается как формальная дисциплина. Это продолжалось веками.

Некоторое время я сам держал свой разум в отсеках, как будто все, что я изучал, не имело никакого отношения к татуировке, и позже я чувствовал себя очень глупо и стыдно, потому что это имеет к ней самое прямое отношение. Татуировка — это живопись, это иллюстрация, и ее даже можно считать скульптурной для меня — работа с двухмерным дизайном на трехмерной поверхности. Это полноценная дисциплина, и в тот момент, когда я перестал разделять свой разум и применил всю теорию и технические аспекты к этой дисциплине, мой процесс изменился, и вся моя работа изменилась.

Лично я считаю, что наличие технических и теоретических знаний в дисциплине чрезвычайно важно и делает весь ваш процесс более эффективным. Вы принимаете более целенаправленные и осознанные решения, и меньше остается на волю случая.

Я думаю, что многие художники интуитивно применяют теорию и технику, и это не делает их знания менее ценными, но знание того, почему вы делаете то, что делаете, может даже изменить то, как вы наблюдаете и как вы предлагаете или развиваете свои идеи.

Практика — это важнейшая часть процесса — практика ведет к совершенству, верно? — но теория также необходима, и их не следует рассматривать отдельно. Определенно, оба они фундаментальны для нашего развития.

Иногда я также думаю, что, возможно, существует просто неправильное представление о том, что такое теория и что ею не является, и что, возможно, мы говорим об одном и том же, только под другим названием. Понимание того, как работают вещи и из чего они сделаны — машины, иглы, чернила, кожа — это чистая теория.

— Как ваше понимание теории цвета влияет на то, как вы разрабатываете татуировки и выбираете палитры для разных оттенков кожи?

— Это, по сути, один из столпов моей работы, независимо от стиля или элементов, которые я хочу скомпоновать, будь то в цвете или в оттенках серого.

Я считаю, что это составляет 50% моей работы. Я использую это от начала до конца; это даже не то, о чем мне нужно думать или решать. Это так же естественно, как дыхание или моргание; это просто существует как продолжение меня. Но у меня есть шаги, которым нужно следовать.

Чтобы минимизировать погрешность в индивидуальных проектах, я отправляю своим клиентам цветовую палитру с эталонными тонами, чтобы они могли определить, к какому оттенку кожи они относятся. Их ответ не исключает их, и цвет не является точным, потому что экран проецирует свет, а кожа его поглощает, но это помогает мне понять диапазон света, с которым я могу работать при разработке дизайна, принимать соответствующие технические решения и, в зависимости от случая, объяснять, почему мы должны изменить некоторые цвета, чтобы достичь того, что они ищут.

Конечно, если я получаю запросы на цвета, которые не подходят для их оттенков кожи, я не буду им лгать и объясню, что это не очень хорошая идея, что это не будет выделяться и т. д., чтобы они также понимали, как теория работает на практике, или часто, чтобы развенчать мифы о цвете в татуировках или оттенках кожи.

Композиция играет решающую роль в живописи и иллюстрации. Как вы применяете принципы композиции, работая с человеческим телом как с холстом?

— Я компоную дважды: сначала в дизайне, а затем на теле.

Я следую основным принципам композиции — единству и балансу — в дополнение к цели каждого дизайна: будет ли динамизм или нет, движение, ритм, виртуальность, статика и т. д., и как сохранить то же ощущение при переносе на тело. Изгибы и объемы тела влияют на дизайн; я учитываю движения мышц и, конечно, если в этой области есть другие татуировки, как все факторы взаимодействуют друг с другом в полной гармонии.

Каждый раз, когда я создаю дизайн и размещаю его на теле, моя цель состоит в том, чтобы он работал вместе с тем, что уже есть, но также и отдельно. Я хочу, чтобы части дополняли друг друга и ни одна не отвлекала от других, чтобы при наблюдении за «холстом» визуальное восприятие было однородным, как если бы это была единая композиция на теле.

В зависимости от дизайна, иногда я работаю в режиме «коллажа», когда у меня есть различные трафаретные элементы — линии, формы — которые я затем размещаю отдельно, чтобы они идеально вписывались в пространство. И если проект того требует, я также делаю смесь трафарета и фрихенда.

Знание и умение использовать технические принципы композиции также позволяет, наоборот, создавать дизайны с определенными точками интереса, если вы хотите нарушить баланс. Все это очень весело.

— Татуировка также требует глубоких знаний материалов и инструментов. Какие технические аспекты ремесла, по вашему мнению, часто недооценивают молодые тату-мастера?

— Это сложный вопрос. Я бы сказал, трафарет, и качество материалов, и то, как они влияют на результат.

Я никогда не забывал фразу моего наставника: «Твой трафарет должен быть идеальным, иначе умение делать татуировки бесполезно». И да, я навсегда запомнил этот совет.

Если ваш трафарет плохо сделан, а затем неправильно нанесен на кожу, это может негативно сказаться на результате.

Многолетний опыт всегда может дать вам преимущество в возможности импровизировать, когда что-то стирается, или исправлять трафарет вручную, или даже регулировать нанесение или переход различных тонов в нарисованных областях, но это не то, что мы должны пытаться делать в начале, если у нас нет твердого понимания всех аспектов этой техники.

Кроме того, со временем, в зависимости от вашего стиля, вы учитесь создавать свои собственные способы разграничения областей с помощью затенения, заливки или текстуры, и вы понимаете свой собственный язык руководящих принципов в вашем трафарете.

Что касается материалов, я по личному опыту знаю, что в начале не всегда по карману приобрести лучшие инструменты или чернила, исходя из их качества, потому что они недешевы, когда вы учитесь как подмастерье.

Но это стоит инвестиций, и в долгосрочной перспективе, когда у вас будет больше финансовой стабильности, экономия на расходах вместо инвестирования в ваши материалы не должна быть предметом переговоров.

Для меня наиболее заметная разница заключается в иглах и чернилах: в качестве пигмента, непрозрачности цвета, его текучести или в том, теряет ли он насыщенность в процессе заживления. Меняется ли цвет во время татуировки? Меняется ли цвет после процесса заживления? Как быстро он меняется и как? Становится ли он теплее? Менее ярким? И т.д.

А с иглами есть сопротивление и прочность, которые они имеют в зависимости от того, что мне нужно с ними делать, а также острота. Насколько постоянен размер моей иглы? Все ли они на 90–99% похожи, или некоторые шире других? Нужно ли мне сильнее давить на иглу, когда я использую эту марку? Как часто мне нужно менять ее, потому что она больше не вводит чернила так же? Повреждает ли эта игла кожу больше, чем другая того же размера? Насколько постоянна моя линия? Насколько гладкая точка?

Конечно, то же самое относится и к машинам: их ход, вес и мощность.

— Считаете ли вы, что более сильная теоретическая подготовка может ускорить прогресс художника в татуировке? Каким образом?

— Абсолютно. Это своего рода ярлык — не потому, что вы пропускаете шаги в процессе татуировки, а потому, что подход другой, возможно, менее подавляющий.

Я чувствую, что понимание законов рисования, композиции, расположения форм в пространстве и использования цвета как теоретически, так и практически позволяет применять все эти знания к любой двухмерной или трехмерной поверхности, независимо от материала, техники или стиля.

Становится немного легче адаптироваться к изменениям поверхности и несоответствиям различных материалов.

Вся эта теоретическая и техническая подготовка помогает быстрее решать проблемы процесса, так сказать.

Но, конечно, это не идеальная формула и не единственный способ, потому что кожа — это не бумага или ткань, и этому можно научиться только татуируя, практикуясь и учась у людей с большим опытом, чем у вас, задавая вопросы и обмениваясь информацией, что для меня и является теорией татуировки.

— Ваши татуировки известны своими яркими цветами и графическим подходом. Как ваш визуальный стиль развивался на протяжении многих лет?

— Я думаю, что мой страх показывать то, над чем я действительно хотел работать, постепенно сместился, и моя уверенность в том, что я на самом деле знал о цвете и живописи, также изменилась.

Когда я решил выложить все это на стол и слепо довериться тому, что я знал, я начал более внимательно изучать то, чего я не знал или не понимал: как цвет ведет себя на коже, его реакцию и взаимодействие. Я так сосредоточился на этом, что визуальный аспект развивался органично.

Живопись стала для меня жизненно важной; свет уже был самым важным элементом моей работы, и оставалось только найти способ использовать все элементы в увлекательной, символичной и часто интимной манере.

Я пересмотрел свою университетскую диссертацию 2013–2014 годов, которая касалась творческого процесса, использования памяти, воспоминаний, чувств, времени и того, как перевести это в визуальный язык. Сама диссертация напомнила мне о трудах Кандинского о композиции и цвете, которые я использовал в своем исследовании.

Абстрактное представление идей кажется мне визуальной поэзией; в некотором смысле, это постоянное использование метафор. Цвет или форма могут представлять место, момент, чувство или человека.

Кандинский был, безусловно, лучшим вдохновителем, подтолкнувшим к поиску, который я боялся начать, но так стремился исследовать. Это одна из причин, почему моя работа стала более графичной.

— Как ваш стиль развивался на протяжении вашей карьеры? Были ли какие-либо поворотные моменты, которые значительно изменили ваше художественное направление?

— Думаю, это было что-то вроде «незримого присутствия» моего нынешнего стиля. Я всегда был большим поклонником Клаудио Браво, Баухауса, Кандинского, Яёи Кусамы, Эдварда Хоппера, Моне и других. Что мне больше всего нравилось в них, так это их использование света, баланс их композиций и их цветовые палитры.

В 2013 году, когда я даже не планировал учиться татуировке, я сделал свою первую татуировку, и я хотел, чтобы это был мраморный треугольник из краски, без контуров, только цвет. Татуировщик сказал мне, что все, что я прошу, невозможно сделать, потому что в этом слишком много деталей, и что ненормально делать татуировки без контуров, что моя идея невыполнима.

После некоторых переговоров он согласился обвести ее самым светлым цветом и «немного» упростить. Конечно, я не получил ничего похожего на то, что хотел, ха-ха, хотя это и не ужасно.

И, ну, я ничего не знал о татуировках, поэтому поверил ему. И это безумие, потому что, забавный факт, шесть или семь лет спустя я делал татуировки с этим мраморным эффектом, который якобы был невозможен.

Поскольку я всегда рисовал и чертил в реализме и гиперреализме, это долгое время преобладало в моей работе, но всегда была тенденция работать с геометрией, теорией цвета, минимализмом и архитектурой.

С тех пор как я научился делать татуировки, я разрабатывал и работал во всех видах стилей, потому что учился по старой школе, где предполагается, что ты должен научиться делать все хорошо, идеально. Но несмотря на то, что вначале я пытался предлагать свои более минималистичные, абстрактные или геометрические работы, они никогда не приживались. У меня была возможность работать со своими собственными идеями или дизайнами очень недолго, до 2018 или начала 2019 года. В тот момент градиенты были самым абстрактным и популярным в моем портфолио.

Несмотря на желание найти новые способы выражения своего искусства, у меня всегда была эта двойственность: желание работать между фигуративным и абстрактным. Я люблю гиперреализм, ничего не могу с этим поделать, но я также безмерно люблю абстрактное искусство, и я был полон решимости уделить больше места абстракции, потому что она долго ждала, желая проявиться.

Во время карантина 2020 года у меня была возможность провести много времени в своей студии — комнате, которую я переоборудовал в своей квартире для рисования — и я сосредоточился на разработке идей и эскизов, которые накопились в моей голове и в скетчбуках. У меня также было много времени, чтобы просмотреть свои архивы, и на своих фотографиях, которые я делаю ежедневно с 17 лет, я обнаружил закономерность: мои повседневные фотографии запечатлевают абстрактные детали мира, минималистичные композиции, где иногда цвет выходит на первый план, наряду с углами и светом. Все сошлось, потому что так или иначе, независимо от того, над чем я работаю, определенные общие нити остаются в моей работе.

Молча, без страха и стыда, я начал воплощать свои идеи в масле. Я чувствовал, что должен дать им жизнь, поэтому начал делиться ими в своем профиле в Instagram, объясняя, о чем композиции, как я интерпретировал каждый элемент, и это действительно помогло людям, следившим за моей работой, понять абстракцию в моих рисунках. С тех пор я решил уделять этому подходу пространство и приоритет. Люди присоединялись ко мне и принимали мои предложения каждый раз, когда заказывали индивидуальный проект, и постепенно фигуративный стиль уходил на второй план.

Большинство этих идей начинались в оттенках серого. Затем я начал добавлять детали цвета, но эта палитра постоянно менялась и росла. Цвет естественным образом стал главным героем, также по просьбе моих клиентов, потому что они начали видеть результаты, видеть работы, которые заживали годами, и это повышало их доверие к моей работе.

Без сомнения, работы других художников также вдохновляли меня на поиск собственного пути. Каждый раз, когда я встречал художника, делающего что-то нетрадиционное в мире татуировки, я делал заметки, изучал и восхищался их процессами, независимо от их стиля или техники.

Я помню, что в мои ранние годы, примерно в 2015–2016 годах, работы @baka.tat, @chenjie.newtattoo, @ida.minimal, @mariusztrubisz, @tattooist_doy, @evakrbdk и @dzo_lama поразили меня. Все они делали что-то необычное, выводя дизайны и концепции за рамки каждого стиля или техники.

Я очень благодарен всем художникам, которые проложили более гибкий путь для экспериментов.

— Какие проекты или татуировки вы считаете наиболее технически или художественно важными в вашем портфолио?

— Вероятно, «открытые композиции», потому что они обладают свойством работать в любой ориентации, не теряя единства и баланса, легко адаптируясь к различным контекстам тела или окружающим татуировкам.

Это то, что вы на самом деле не заметите, если только не сделаете у меня татуировку или я вам не скажу, ха-ха-ха, но когда я показываю эти дизайны своим клиентам в день их записи, я объясняю их, и мы не всегда делаем татуировки в той оригинальной ориентации, в которой я их нарисовал.

Создание этих работ помогает мне доверять своему пониманию форм в пространстве, а также адаптивности и универсальности хорошо скомпонованного дизайна.

— Вы много путешествуете как тату-мастер? В каких странах или студиях вам доводилось работать?

— В некотором роде. Я стараюсь путешествовать хотя бы раз в год, если это длительная поездка.

Четыре года назад у меня была возможность учиться год в Барселоне, что позволило мне стать резидентом в 19:28 Tattoo Parlour, а также посетить несколько стран Европы за короткое время.

С тех пор я стараюсь поддерживать постоянный график каждый год.

Мне посчастливилось и представилась возможность посетить Cucu Studio в Буэнос-Айресе, Rayon Noir в Париже, Akurat Studio в Берлине, Blanco Roto в Барселоне, New Tattoo Studio в Пекине, Sasha Tattooing в Париже и другие.

— Вы участвовали в тату-конвенциях? Если да, то какие из них были для вас наиболее запоминающимися?

— Да. За свою карьеру я участвовал в трех конвенциях — Reñaca Ink 2019, Comic Ink 2019 и Summer Ink 2024, — но соревновался только в одной, и, думаю, могу выделить что-то запоминающееся из более чем одного опыта по разным причинам.

Reñaca Ink был моим первым опытом участия в конвенции, где я оказалась «случайно». Я заняла место подруги, которая не смогла приехать в последний момент, @marialeontattoo. Так что официально я не была в списке художников, но у меня была возможность познакомиться с замечательными чилийскими художниками, которыми я очень восхищаюсь и которые тепло приняли меня в свою команду. Я очень привязана к команде Nomade Tattoo Studio из Винья-дель-Мар, Чили.

А Summer Ink был моим первым участием в конкурсе. Я очень нервничала, но также была очень рада возможности продемонстрировать технику хэндпоук на такой важной конвенции, и я заняла 2-е место в категории «Миниатюрная татуировка». Это был невероятный опыт!

— Наконец, над чем вы сейчас работаете и каковы ваши планы на ближайшее будущее?

— Хм... Ну, я чувствую, что моя работа в целом находится в постоянном развитии. Я всегда исследую, изучаю, представляю, и каждый день я думаю: «Что мне делать сейчас?», «Что дальше?», «Как я могу сделать это по-другому?» Но я думаю, что сейчас наиболее заметно то, что я стремлюсь работать над более крупными работами и более сложными участками тела, с которыми я не привыкла работать, и по этой причине я начала публиковать более крупные и сложные композиции для себя.

А планы? На данный момент я хотела бы снова посетить Азию, надеюсь, вернуться в Европу, и, возможно, добавить несколько новых направлений в этом году, но мы идем шаг за шагом.