Anastasia Stef Tattoo est une artiste tatoueuse de Moscou dont le nom est de plus en plus connu dans les cercles professionnels. Ses œuvres graphiques délicates lui ont déjà valu des récompenses lors de conventions de tatouage, notamment le prix "Best of Day" dans les catégories "Graphique" et "Ornemental".
Son style est bâti sur des lignes fines, des demi-teintes douces, des compositions fluides et des détails complexes. Dans les œuvres d'Anastasia, les figures féminines, la flore, les ornements, la géométrie sacrée et les symboles personnels se combinent en des designs légers et anatomiques, où non seulement l'esthétique et la technique sont importantes, mais aussi un lien avec le corps, l'histoire du client et son état intérieur.
Dans cette interview, Anastasia parle de son parcours de la mode au tatouage, du projet "Goddesses", de son travail avec les symboles, de son public international et de la nouvelle étape que les conventions lui ont ouverte.
Anastasia, parlez-nous un peu de vous. D'où venez-vous et où êtes-vous basée maintenant ?
Je m'appelle Anastasia, mais je me présente généralement comme Nastya. Pour les clients internationaux, c'est Stef, qui est dérivé de mon nom de famille. Je suis de Moscou et je tatoue depuis huit ans maintenant. Pendant ce temps, le tatouage est devenu bien plus qu'une simple profession pour moi.
Ces quatre dernières années, j'ai beaucoup voyagé et collaboré avec des espaces de tatouage européens et asiatiques. J'apprécie vraiment le sentiment de liberté et de mouvement constant, l'opportunité de rencontrer "mes" gens à des milliers de kilomètres de chez moi, et de me connecter au monde à travers le tatouage.
Ce qui m'inspire le plus, c'est peut-être que chacune de mes œuvres reste avec une personne pendant des années et fait partie de son histoire.
Comment et quand avez-vous commencé le tatouage ?
J'ai presque honte de l'admettre, mais je n'ai jamais rêvé de devenir tatoueuse quand j'étais enfant. Plus tard, j'ai souvent rencontré des gens qui savaient qu'ils voulaient être tatoueurs dès l'âge de 10 ans, mais mon chemin était complètement différent.
Le désir de changer quelque chose est apparu lorsque je travaillais dans un bureau Adidas avec un horaire 5/2. J'ai vite réalisé que ce format était trop restrictif pour moi : je suis une personne créative, et il m'est difficile de fonctionner constamment uniquement dans des cadres donnés.
En 2019, je suis tombée sur un forum où des tatoueurs discutaient d'une vie libre, de voyages, de créativité, de communauté et de la possibilité de bien gagner sa vie. C'est là que j'ai décidé d'essayer.
J'ai suivi un cours d'un mois dans un studio de tatouage bien connu à l'époque et j'ai commencé à travailler presque immédiatement. En repensant à cette période maintenant, je ne peux pas dire que c'était difficile pour moi. Tout semblait se passer en douceur et dans la bonne direction, même si j'ai aussi connu le travail dans un sombre studio en sous-sol avec des maîtres sévères.
Plus tard, j'ai suivi une formation avancée, puis j'ai rejoint une équipe solide où une croissance professionnelle rapide a commencé. Trois ans plus tard, j'ai commencé à faire des guest spots à travers la Russie et j'ai fait mon premier voyage en Europe.
Parlez-nous de votre formation artistique. Comment vous aide-t-elle dans votre travail ?
J'ai un diplôme en design et construction de mode, et je pense que cela a grandement influencé la façon dont je perçois le tatouage maintenant.
Dans toute composition, je perçois le corps comme une forme avec des lignes anatomiques et des proportions avec lesquelles il faut travailler très soigneusement. Il est important pour moi de créer une composition esthétique qui soit organiquement intégrée au corps, qui puisse "fluer" avec l'anatomie, souligner le mouvement et travailler en douceur avec les caractéristiques de la silhouette.
Par conséquent, mes projets comportent de nombreuses lignes fluides : motifs floraux, ombres, ornements légers. Je porte également une attention particulière à la création d'une sensation de légèreté au sein de la composition afin que le tatouage ne paraisse pas lourd et conserve sa féminité.
Pourquoi avez-vous choisi les tatouages fineline ? Pouvez-vous nous en dire plus sur votre style ?
Au départ, je voulais créer quelque chose que je pourrais voir sur moi. J'aime vraiment la subtilité, la légèreté, les détails, la sensation de quelque chose de presque vivant sur le corps. J'aime quand un tatouage esthétique et délicat se pose harmonieusement sur le corps et complète la personne sans la dominer.
Actuellement, mon style peut être décrit comme du fineline graphique. Je peux difficilement me classer uniquement dans le fineline. Mes projets combinent les compositions complexes, les demi-teintes et le volume que l'on trouve dans le graphique, avec les éléments décoratifs délicats caractéristiques du fineline.
Dans mon travail, j'adore utiliser une aiguille 1RL : elle permet les plus petits détails dans le design et des ombres douces sans texture grossière.
Parlez-nous de vos personnages et thèmes préférés que vous utilisez dans votre pratique.
Mes personnages préférés sont mes clients.
C'est en partie une blague, mais ils m'inspirent vraiment par leurs histoires et leurs parcours de vie. Avant de commencer à concevoir, je demande souvent à la personne de me parler d'elle-même, de son état, de ses expériences et de ses désirs intérieurs.
Le plus souvent, je me tourne vers des images féminines : déesses, archétypes, personnages mythologiques de différentes cultures. À travers elles, des thèmes de croissance personnelle, de force intérieure, de féminité douce, de transformation et de vulnérabilité sont révélés.
Dans mes projets, je combine des images féminines, des motifs floraux, parfois des animaux ou de l'architecture, des lignes abstraites, des ornements délicats et de la géométrie. J'aime inclure des inscriptions et de la géométrie sacrée, à travers de tels éléments, un symbolisme personnel peut être intégré, créant une sensation de talisman protecteur.
Quelles sources visuelles influencent votre façon de dessiner maintenant ?
Beaucoup de choses m'inspirent : la mode, la peinture, la photographie, les voyages et mon environnement professionnel.
Vous connaissez cette sensation quand, après une galerie d'art, vous avez immédiatement envie de vous asseoir devant une toile ? Cela m'arrive presque à chaque fois. Je suis particulièrement inspirée par la peinture académique du XIXe siècle : sa présentation mythologique, son éclairage dramatique et sa peau lisse sans coups de pinceau visibles.
Je remarque souvent les formes de bijoux, les volumes des costumes et les ombres sur les sculptures. Je pense que tout cela façonne mon style, qui se situe souvent à l'intersection du tatouage, de l'illustration et des détails de bijoux.
Les clients choisissent-ils plus souvent des croquis prêts à l'emploi ou des œuvres personnalisées ?
Presque tous mes projets sont personnalisés maintenant.
J'apprécie vraiment le processus de connaissance d'une personne et d'approfondissement de son histoire. Les clients viennent me voir pour une sensation et une esthétique spécifiques, souhaitant souvent immortaliser une étape importante de leur vie ou se sentir revitalisés. Par conséquent, le processus devient très personnel et délicat.
Habituellement, nous discutons beaucoup de l'idée : j'écoute attentivement, je partage ma vision, et les gens me font confiance. C'est très précieux pour un artiste.
En même temps, je crée aussi des croquis prêts à l'emploi pour mes processus créatifs, quand je veux exprimer une idée à travers le design, essayer quelque chose de nouveau, ou quand je sens qu'une certaine image pourrait résonner avec mon public.
Avez-vous des projets spéciaux ou préférés qui ont une signification personnelle pour vous ?
Tous les projets qui ont une profondeur émotionnelle ou qui impliquent une transformation résonnent en moi. Souvent, seuls mon client et moi connaissons l'histoire intérieure derrière un tatouage particulier.
J'aime beaucoup les grands projets car ils permettent de longs mouvements sur le corps et une pensée artistique à grande échelle.
Plus spécifiquement, les deux derniers designs pour lesquels j'ai reçu des prix lors de conventions occupent une place spéciale pour moi. Ils ont marqué le début d'une nouvelle étape dans mon parcours de tatoueur et reflètent fidèlement le style dans lequel je veux maintenant évoluer et me développer.
Un autre projet qui me vient immédiatement à l'esprit est ma première Déesse Hécate. Ce fut le premier projet achevé présentant une image féminine que j'ai réalisé après une crise créative.
Parlez-nous davantage de votre projet "Déesses".
C'était ma cinquième année dans le tatouage et ma première année en tant qu'expatriée. Pendant cette période, j'ai été frappée par une crise créative. J'étais fatiguée de ne faire que du fineline et je sentais que je ne réalisais plus mon potentiel.
À Bali, j'étais particulièrement proche de la culture d'un autre peuple, des traditions et de la religion. C'est alors que l'idée de créer des designs avec des déesses grecques a émergé pour la première fois, et j'ai constaté une réponse très positive de la part de mon public.
Avec le temps, ce projet est devenu quelque chose de plus significatif. Il ne s'agissait plus seulement de personnages spécifiques. Une base différente a émergé : il explorait différents états d'une femme, douceur, force, transformation, sexualité, obscurité, intuition. Chacun y trouve une part de soi.
J'aime le considérer comme une mission. Les femmes se reconnaissent à travers ces tatouages et leurs demandes. Il est important pour moi de montrer la féminité comme vivante, complexe et multifacette.
Je pense que c'est à travers ce projet que mon style a commencé à se former de manière plus reconnaissable.
Travaillez-vous avec des recouvrements de cicatrices ?
Je travaille avec des recouvrements de cicatrices, mais de manière très sélective, car la densité de mes compositions et la délicatesse de l'exécution ne conviennent pas à tous les cas.
Une fois, une jeune fille est venue me voir. Elle n'avait pas pu marcher pendant plusieurs années après un accident. Elle voulait couvrir une partie d'une cicatrice sur son dos après une opération, et la cicatrice elle-même permettait un tel travail. Nous avons créé un projet qui reflétait pleinement son parcours : une image féminine où un magnifique bouton de fleur s'épanouissait à la place des jambes. L'apparence de l'héroïne dans le design ressemblait beaucoup à ma cliente.
Après la séance, elle a fondu en larmes de gratitude. Pour moi, ce fut un moment très précieux et émotionnellement délicat.
Je crois que de tels projets aident une personne à regarder la douleur qu'elle a vécue différemment, à se reconnecter avec son corps et à l'accepter à travers une nouvelle image.
Avez-vous de l'expérience en travaillant dans des studios et en interagissant avec d'autres tatoueurs ?
J'aime beaucoup à quel point l'industrie du tatouage est internationale et vibrante. Ces dernières années, j'ai rencontré un grand nombre d'artistes talentueux et d'espaces créatifs dans différents pays. C'est toujours très inspirant.
Lors de mes voyages, j'ai souvent participé à des événements d'artistes, des rencontres créatives, des événements éducatifs et des master classes d'auteurs organisées par des studios et des artistes européens. Grâce à cela, j'ai commencé à voir la composition, la présentation et l'approche même du tatouage en tant que forme d'art différemment.
Lorsque l'on interagit beaucoup avec des artistes de différents pays, on commence à remarquer à quel point les gens perçoivent différemment l'esthétique, le corps et le langage visuel. Certains espaces, comme Duo Verba à Amsterdam, Sashatattooing à Paris, ou Pardon Paris à Munich, sont devenus très chers à mon cœur en termes d'ambiance et de personnes.
J'ai grandi en admirant les œuvres d'artistes tatoueurs étrangers de fineline et de graphisme, alors maintenant j'apprécie particulièrement de rencontrer des artistes qui m'ont autrefois inspirée, d'observer leurs techniques et d'échanger des expériences.
Dans quel pays se trouve votre public principal ?
Au cours des dernières années, mon public est en effet devenu très international.
Tout a commencé avec Paris, Amsterdam et Milan, puis la géographie s'est progressivement étendue pour inclure Istanbul, Bali, Londres, Munich, Bangkok, Le Cap et les États-Unis.
Cela est largement dû aux voyages créatifs, à la participation à des événements internationaux, au réseautage au sein de l'industrie et aux médias sociaux, grâce auxquels des personnes de différents pays ont commencé à voir mes projets.
J'aime beaucoup le sentiment que l'art efface les frontières. Parfois, une personne peut accidentellement voir mon projet sur Instagram, et quelque temps plus tard, nous discutons déjà d'un futur design ou nous nous rencontrons lors d'un événement international dans une autre partie du monde.
Nous vous avons rencontré à la Moscow Tattoo Convention, parlez-nous de votre expérience globale de participation à de telles compétitions.
J'avais une idée plutôt stéréotypée des conventions de tatouage. Il me semblait que c'était un espace plus adapté aux grands projets old-school ou aux projets colorés massifs, et mes œuvres graphiques délicates n'y avaient pas vraiment leur place.
Par conséquent, j'ai décidé de participer pour la première fois à une convention en ligne, où il y avait une catégorie fine line distincte. Honnêtement, sans cela, je n'aurais peut-être pas postulé. Au final, j'ai remporté la première place et j'ai reçu des retours très positifs et chaleureux de la part des juges. Cela m'a donné la confiance nécessaire pour réessayer lors de la prochaine convention en ligne.
En graphisme, j'ai longtemps eu peur de participer à cause du syndrome de l'imposteur. Il me semblait que mes projets délicats et aériens n'étaient pas assez "bruyants" face aux œuvres de grande envergure.
Mais ce printemps, je me suis sentie prête pour les conventions hors ligne pour la première fois. Je voulais me prouver, avant tout, que les lignes fines, les détails complexes, les demi-teintes complexes, les compositions inhabituelles et l'esthétique délicate peuvent être tout aussi percutantes et complexes que les grands projets colorés. Leur valeur se révèle simplement différemment.
J'ai donc remporté le prix du meilleur de la journée dans la catégorie "Graphisme" à la Moscow Tattoo Convention, puis le prix du meilleur de la journée dans les catégories "Graphisme" et "Ornemental" à la Krasnoyarsk Convention, me classant également parmi les trois premiers finalistes pour le Grand Prix.
Grâce aux conventions, j'ai commencé à m'autoriser des projets plus complexes et artistiques. Pour moi, c'est devenu un espace d'expérimentation, de croissance et de dépassement des limites familières. C'est là que j'ai particulièrement ressenti mes progrès au cours de la dernière année.
Quels sont vos projets pour l'avenir, en matière de créativité, de voyages et de conventions ?
Maintenant, je veux approfondir encore plus mon style et créer des projets plus ambitieux, complexes et reconnaissables.
Ces derniers temps, j'ai ressenti un lien intérieur particulièrement fort avec Paris et la scène créative européenne. Il semble que ce soit là que j'ai ressenti pour la première fois que mon esthétique, mon approche et mon langage visuel résonnaient le plus fortement. À l'avenir, j'aimerais déménager en France et me développer dans cet environnement.
Je suis intéressé par le développement du tatouage en tant qu'artisanat et par la construction progressive d'une marque personnelle à part entière autour de mon art : créer des projets artistiques, proposer des formations, développer des produits dérivés, et peut-être quelque chose à l'intersection du tatouage, de la mode et de l'art visuel.
Je souhaite également continuer à participer aux grandes conventions européennes, à collaborer avec des artistes qui étaient autrefois mes idoles, et à atteindre un niveau artistique plus complexe.
Et, bien sûr, je veux continuer à voir le monde. Le voyage me façonne énormément en tant qu'artiste, à travers les gens, l'architecture, l'atmosphère, les nouvelles impressions visuelles et les états internes. Peut-être que maintenant je commence seulement à vraiment comprendre à quoi je veux que mon art ressemble à l'avenir.
