Anastasia Stef Tattoo ist eine Tätowiererin aus Moskau, deren Name in Fachkreisen immer häufiger zu hören ist. Ihre filigranen grafischen Arbeiten haben ihr bereits Auszeichnungen auf Tattoo-Conventions eingebracht, darunter "Best of Day" in den Kategorien "Graphic" und "Ornamental".
Ihr Stil basiert auf feinen Linien, weichen Halbtönen, fließenden Kompositionen und aufwendigen Details. In Anastasias Werken verbinden sich weibliche Figuren, Flora, Ornamente, heilige Geometrie und persönliche Symbole zu leichten, anatomischen Designs, bei denen nicht nur Ästhetik und Technik wichtig sind, sondern auch eine Verbindung zum Körper, zur Geschichte des Kunden und seinem inneren Zustand.
In diesem Interview spricht Anastasia über ihren Weg von der Mode zum Tätowieren, das Projekt "Goddesses", die Arbeit mit Symbolen, ihr internationales Publikum und die neue Etappe, die Conventions für sie eröffnet haben.
Anastasia, erzähl uns ein wenig über dich. Woher kommst du und wo lebst du jetzt?
Mein Name ist Anastasia, aber ich stelle mich meistens als Nastya vor. Für internationale Kunden ist es Stef, abgeleitet von meinem Nachnamen. Ich komme aus Moskau und tätowiere seit acht Jahren. In dieser Zeit ist das Tätowieren für mich viel mehr als nur ein Beruf geworden.
In den letzten vier Jahren bin ich viel gereist und habe mit europäischen und asiatischen Tattoo-Studios zusammengearbeitet. Ich genieße das Gefühl von Freiheit und ständiger Bewegung, die Möglichkeit, "meine" Leute Tausende von Kilometern von zu Hause entfernt zu treffen und mich durch das Tätowieren mit der Welt zu verbinden.
Was mich vielleicht am meisten inspiriert, ist, dass jede meiner Arbeiten jahrelang bei einem Menschen bleibt und Teil seiner Geschichte wird.
Wie und wann bist du zum Tätowieren gekommen?
Es ist mir fast peinlich, es zuzugeben, aber ich habe als Kind nie davon geträumt, Tätowiererin zu werden. Später traf ich oft Leute, die schon mit 10 Jahren wussten, dass sie Tätowierer werden wollten, aber mein Weg war ganz anders.
Der Wunsch, etwas zu ändern, kam auf, als ich in einem Adidas-Büro im 5/2-Schichtsystem arbeitete. Ich merkte schnell, dass dieses Format für mich zu einschränkend war: Ich bin ein kreativer Mensch, und es fällt mir schwer, ständig nur innerhalb vorgegebener Rahmen zu agieren.
2019 stieß ich auf ein Forum, in dem Tätowierer über ein freies Leben, Reisen, Kreativität, Gemeinschaft und die Möglichkeit, gut zu verdienen, diskutierten. Da beschloss ich, es zu versuchen.
Ich belegte einen einmonatigen Kurs in einem damals bekannten Tattoo-Studio und begann fast sofort zu arbeiten. Wenn ich jetzt auf diese Zeit zurückblicke, kann ich nicht sagen, dass es schwierig für mich war. Alles schien reibungslos und in die richtige Richtung zu laufen, obwohl ich auch in einem dunklen Kellerstudio mit strengen Meistern gearbeitet habe.
Später absolvierte ich eine Weiterbildung, und dann schloss ich mich einem starken Team an, wo eine rasche berufliche Entwicklung begann. Drei Jahre später begann ich, Gastauftritte in ganz Russland zu absolvieren und machte meine erste Reise nach Europa.
Erzähl uns von deiner künstlerischen Ausbildung. Wie hilft sie dir bei deiner Arbeit?
Ich habe einen Abschluss in Modedesign und -konstruktion, und ich denke, das hat stark beeinflusst, wie ich das Tätowieren heute sehe.
In jeder Komposition nehme ich den Körper als eine Form mit anatomischen Linien und Proportionen wahr, mit denen sehr sorgfältig gearbeitet werden muss. Es ist mir wichtig, eine ästhetische Komposition zu schaffen, die organisch in den Körper integriert ist, mit der Anatomie "fließen" kann, Bewegung betont und sanft mit den Merkmalen der Figur arbeitet.
Daher zeichnen sich meine Projekte durch viele fließende Linien aus: Blumen, Schatten, leichte Ornamente. Ich achte auch besonders darauf, ein Gefühl von Leichtigkeit in der Komposition zu erzeugen, damit das Tattoo nicht schwer wirkt und seine Weiblichkeit behält.
Warum haben Sie sich für Fineline-Tattoos entschieden? Können Sie uns mehr über Ihren Stil erzählen?
Ursprünglich wollte ich etwas schaffen, das ich an mir selbst sehen könnte. Ich liebe Subtilität, Leichtigkeit, Details, das Gefühl von etwas fast Lebendigem auf dem Körper. Ich mag es, wenn ein ästhetisches, zartes Tattoo harmonisch auf dem Körper sitzt und die Person ergänzt, ohne sie zu überwältigen.
Aktuell lässt sich mein Stil als Fineline-Grafik beschreiben. Ich kann mich kaum noch ausschließlich als Fineline kategorisieren. Meine Projekte kombinieren die komplexen Kompositionen, Halbtöne und das Volumen, die in Grafiken zu finden sind, mit den zarten dekorativen Elementen, die für Fineline charakteristisch sind.
Bei meiner Arbeit verwende ich gerne eine 1RL-Nadel: Sie ermöglicht kleinste Details im Design und weiche Schatten ohne grobe Textur.
Erzählen Sie uns von Ihren Lieblingsfiguren und -themen, die Sie in Ihrer Praxis verwenden.
Meine Lieblingsfiguren sind meine Kunden.
Das ist teilweise ein Scherz, aber sie inspirieren mich wirklich mit ihren Geschichten und Lebenswegen. Bevor ich mit dem Entwerfen beginne, bitte ich die Person oft, mir von sich selbst, ihrem Zustand, ihren Erfahrungen und inneren Wünschen zu erzählen.
Meistens wende ich mich weiblichen Bildern zu: Göttinnen, Archetypen, mythologische Figuren aus verschiedenen Kulturen. Durch sie werden Themen wie persönliches Wachstum, innere Stärke, sanfte Weiblichkeit, Transformation und Verletzlichkeit offenbart.
In meinen Projekten kombiniere ich weibliche Bilder, Blumen, manchmal Tiere oder Architektur, abstrakte Linien, zarte Ornamente und Geometrie. Ich füge gerne Inschriften und heilige Geometrie hinzu – durch solche Elemente kann persönliche Symbolik eingebettet werden, wodurch ein Gefühl eines schützenden Talismans entsteht.
Welche visuellen Quellen beeinflussen Ihre heutige Zeichenweise?
Viele Dinge inspirieren mich: Mode, Malerei, Fotografie, Reisen und mein berufliches Umfeld.
Kennen Sie das Gefühl, wenn Sie nach einem Besuch in einer Kunstgalerie sofort mit einer Leinwand arbeiten möchten? Das passiert mir fast jedes Mal. Besonders inspiriert mich die akademische Malerei des 19. Jahrhunderts: ihre mythologische Darstellung, dramatische Beleuchtung und glatte Haut ohne sichtbare Pinselstriche.
Ich bemerke oft Schmuckformen, Volumen in Kostümen und Schatten auf Skulpturen. Ich denke, all das prägt meinen Stil, der oft an der Schnittstelle von Tätowierung, Illustration und Schmuckdetails existiert.
Wählen Kunden häufiger fertige Skizzen oder individuelle Arbeiten?
Fast alle meine Projekte sind mittlerweile maßgeschneidert.
Ich genieße den Prozess, eine Person kennenzulernen und in ihre Geschichte einzutauchen, sehr. Kunden kommen zu mir für ein bestimmtes Gefühl und eine bestimmte Ästhetik, oft um eine wichtige Lebensphase festzuhalten oder sich neu belebt zu fühlen. Daher wird der Prozess sehr persönlich und sensibel.
Normalerweise besprechen wir die Idee ausführlich: Ich höre aufmerksam zu, teile meine Vision, und die Leute vertrauen mir. Das ist für einen Künstler sehr wertvoll.
Gleichzeitig erstelle ich auch fertige Skizzen für meine kreativen Prozesse – wenn ich eine Idee durch Design ausdrücken, etwas Neues ausprobieren möchte oder wenn ich das Gefühl habe, dass ein bestimmtes Bild bei meinem Publikum Anklang finden könnte.
Haben Sie besondere oder Lieblingsprojekte, die Ihnen persönlich wichtig sind?
Alle Projekte, die emotionale Tiefe haben oder eine Transformation beinhalten, sprechen mich an. Oft kennen nur mein Kunde und ich die innere Geschichte hinter einem bestimmten Tattoo.
Ich liebe große Projekte sehr, weil sie lange Bewegungen über den Körper und ein umfassendes künstlerisches Denken ermöglichen.
Genauer gesagt, die letzten beiden Designs, für die ich auf Conventions Auszeichnungen erhalten habe, nehmen einen besonderen Platz für mich ein. Sie markierten den Beginn einer neuen Phase in meiner Tattoo-Reise und spiegeln genau den Stil wider, in dem ich mich jetzt bewegen und entwickeln möchte.
Ein weiteres Projekt, das mir sofort in den Sinn kommt, ist meine erste Göttin Hekate. Es war das erste abgeschlossene Projekt mit einem weiblichen Bild, das ich nach einer kreativen Krise gemacht habe.
Bitte erzählen Sie uns mehr über Ihr Projekt "Göttinnen".
Es war mein fünftes Jahr im Tätowieren und mein erstes Jahr als Expat. In dieser Zeit wurde ich von einer kreativen Krise getroffen. Ich war es leid, nur Fineline zu machen, und hatte das Gefühl, mein Potenzial nicht mehr auszuschöpfen.
Während meines Aufenthalts auf Bali war ich der Kultur eines anderen Volkes, den Traditionen und der Religion besonders nahe. Damals entstand die Idee, Designs mit griechischen Göttinnen zu kreieren, und ich sah eine sehr positive Resonanz bei meinem Publikum.
Mit der Zeit entwickelte sich dieses Projekt zu etwas Bedeutsamerem. Es ging nicht mehr nur um spezifische Charaktere. Eine andere Grundlage entstand: Es erforschte verschiedene Zustände einer Frau – Sanftheit, Stärke, Transformation, Sexualität, Dunkelheit, Intuition. Jeder findet darin etwas von sich selbst.
Ich betrachte es gerne als eine Mission. Frauen erkennen sich durch diese Tattoos und ihre Anfragen selbst. Es ist mir wichtig, Weiblichkeit als lebendig, komplex und facettenreich darzustellen.
Ich denke, durch dieses Projekt begann sich mein Stil auf eine erkennbarere Weise zu formen.
Arbeiten Sie mit Narben-Cover-ups?
Ich arbeite mit Narben-Cover-ups, aber sehr selektiv, da die Dichte meiner Kompositionen und die Feinheit der Ausführung nicht für jeden Fall geeignet sind.
Einmal kam ein Mädchen zu mir, das nach einem Unfall mehrere Jahre nicht gehen konnte. Sie wollte einen Teil einer Narbe auf ihrem Rücken nach einer Operation abdecken, und die Narbe selbst ermöglichte eine solche Arbeit. Wir schufen ein Projekt, das ihre Reise vollständig widerspiegelte: ein weibliches Bild, bei dem sich anstelle von Beinen eine wunderschöne Blütenknospe entfaltete. Das Aussehen der Heldin im Design ähnelte meiner Klientin sehr.
Nach der Sitzung brach sie in Tränen der Dankbarkeit aus. Für mich war es ein sehr wertvoller und emotional zarter Moment.
Ich glaube, dass solche Projekte einem Menschen helfen, den erlebten Schmerz anders zu betrachten, sich wieder mit seinem Körper zu verbinden und ihn durch ein neues Bild zu akzeptieren.
Haben Sie Erfahrung in Studios und im Umgang mit anderen Tätowierern?
Ich mag es sehr, wie international und lebendig die Tattoo-Branche ist. In den letzten Jahren habe ich eine große Anzahl talentierter Künstler und kreativer Räume in verschiedenen Ländern kennengelernt. Das ist immer sehr inspirierend.
Während meiner Reisen nahm ich oft an Künstlerveranstaltungen, kreativen Treffen, Bildungsveranstaltungen und Autoren-Meisterkursen teil, die von europäischen Studios und Künstlern organisiert wurden. Dadurch begann ich, Komposition, Präsentation und den Ansatz des Tätowierens als Kunstform anders zu betrachten.
Wenn man viel mit Künstlern aus verschiedenen Ländern interagiert, bemerkt man, wie unterschiedlich Menschen Ästhetik, den Körper und die visuelle Sprache wahrnehmen. Einige Orte, wie Duo Verba in Amsterdam, Sashatattooing in Paris oder Pardon Paris in München, sind mir in Bezug auf Atmosphäre und Menschen sehr ans Herz gewachsen.
Ich bin aufgewachsen und habe die Werke ausländischer Fineline- und Grafik-Tätowierer bewundert, daher genieße ich es jetzt besonders, Künstler zu treffen, die mich einst inspiriert haben, ihre Techniken zu beobachten und Erfahrungen auszutauschen.
In welchem Land befindet sich Ihr Hauptpublikum?
In den letzten Jahren ist mein Publikum tatsächlich sehr international geworden.
Alles begann mit Paris, Amsterdam und Mailand, und dann erweiterte sich die Geografie allmählich um Istanbul, Bali, London, München, Bangkok, Kapstadt und die USA.
Dies ist größtenteils auf kreative Reisen, die Teilnahme an internationalen Veranstaltungen, Networking innerhalb der Branche und soziale Medien zurückzuführen, durch die Menschen aus verschiedenen Ländern meine Projekte zu sehen bekamen.
Ich mag das Gefühl sehr, dass Kunst Grenzen verwischt. Manchmal sieht jemand zufällig mein Projekt auf Instagram, und kurze Zeit später besprechen wir bereits ein zukünftiges Design oder treffen uns bei einer internationalen Veranstaltung in einem anderen Teil der Welt.
Wir haben Sie auf der Moscow Tattoo Convention getroffen. Erzählen Sie uns von Ihren Erfahrungen bei der Teilnahme an solchen Wettbewerben.
Früher hatte ich eine eher stereotype Vorstellung von Tattoo Conventions. Es schien mir, dass es ein Raum war, der eher für große Old-School- oder massive Farbprojekte geeignet war, und meine zarten grafischen Arbeiten passten dort nicht wirklich hin.
Deshalb habe ich mich zum ersten Mal entschieden, an einer Online-Convention teilzunehmen, wo es eine separate Fine Line Kategorie gab. Ehrlich gesagt, wenn es das nicht gegeben hätte, hätte ich mich vielleicht nicht beworben. Am Ende belegte ich den ersten Platz und erhielt sehr starkes, herzliches Feedback von den Juroren. Das gab mir das Vertrauen, es bei der nächsten Online-Convention erneut zu versuchen.
In der Grafik hatte ich lange Angst, wegen des Imposter-Syndroms teilzunehmen. Es schien mir, dass meine zarten, luftigen Projekte vor dem Hintergrund großformatiger Werke nicht "laut" genug waren.
Aber in diesem Frühling fühlte ich mich zum ersten Mal bereit für Offline-Conventions. Ich wollte mir selbst beweisen, dass Fine Lines, komplizierte Details, komplexe Halbtöne, ungewöhnliche Kompositionen und zarte Ästhetik genauso wirkungsvoll und komplex sein können wie große Farbprojekte. Ihr Wert offenbart sich einfach anders.
So gewann ich den Best of Day in der Kategorie "Graphics" auf der Moscow Tattoo Convention und anschließend den Best of Day in den Kategorien "Graphics" und "Ornamental" auf der Krasnoyarsk Convention, wobei ich auch unter den Top drei Finalisten für den Grand Prix war.
Dank der Conventions habe ich mir erlaubt, komplexere und künstlerischere Projekte zu realisieren. Für mich wurde es ein Raum für Experimente, Wachstum und das Verlassen des Vertrauten. Dort habe ich meinen Fortschritt im letzten Jahr besonders gespürt.
Was sind Ihre Pläne für die Zukunft – in Bezug auf Kreativität, Reisen und Conventions?
Jetzt möchte ich noch tiefer in meinen Stil eintauchen und größere, komplexere und wiedererkennbarere Projekte schaffen.
In letzter Zeit spüre ich eine besonders starke innere Verbindung zu Paris und der europäischen Kreativszene. Es scheint, dass ich dort zum ersten Mal das Gefühl hatte, dass meine Ästhetik, mein Ansatz und meine Bildsprache am stärksten Resonanz fanden. In Zukunft möchte ich nach Frankreich ziehen und mich in diesem Umfeld weiterentwickeln.
Ich bin daran interessiert, das Tätowieren als Handwerk weiterzuentwickeln und schrittweise eine vollwertige persönliche Marke um meine Kunst aufzubauen: Kunstprojekte zu schaffen, Bildung anzubieten, Merchandise zu entwickeln und vielleicht etwas an der Schnittstelle von Tätowierung, Mode und bildender Kunst.
Ich möchte auch weiterhin an großen europäischen Conventions teilnehmen, mit Künstlern zusammenarbeiten, die einst meine Idole waren, und ein komplexeres künstlerisches Niveau erreichen.
Und natürlich möchte ich weiterhin die Welt sehen. Reisen prägt mich als Künstler sehr – durch Menschen, Architektur, Atmosphäre, neue visuelle Eindrücke und innere Zustände. Vielleicht fange ich jetzt erst an, wirklich zu verstehen, wie meine Kunst in Zukunft aussehen soll.
